因幡屋ぶろぐ

劇評かわら版「因幡屋通信」主宰
宮本起代子による幸せの観劇記録。
舞台の印象をより的確により豊かに記せますよう・・・

劇団フライングステージ第40回公演 『Friend,Friends 友達、ともだち』

2015-10-31 | 舞台

*関根信一作・演出 公式サイトはこちら 下北沢/OFF OFF劇場 11月2日で終了
 渋谷区、世田谷区をはじめ、同性パートナーシップ制度が認められつつある今、パートナーシップと友情についての物語だ。合わせて同性婚を禁じたカリフォルニア州の「提案8号」を違憲とした裁判を再現した朗読劇『8』(ダスティン・ランス・ブラック作 プロジェクト8翻訳 関根信一上演台本・演出)も上演された。(1,2,3,4,5,6,7,8,9,10,11,12,13,14,15
 世田谷区に暮らす塚田家。いつもと同じ休日の昼下がりである。父は黙って新聞を読み、母は自分にあまり関心を持たない夫に嫌気がさしている様子。そこへひとり息子の雅人が男性の恋人を紹介して父は混乱して激怒、母も困惑を隠せない。セクシュアリティの告白が引き起こす大騒動の幕開きだ。友だちや先輩たち、その家族など、さまざまな立場の人々が語りあい励ましあい、ときには衝突しながら、よりよい人生への道を探ろうとする。
 OFFOFFシアターの小さな空間を、塚田家のリビングからゲイのカップルが暮らす埼玉県の一軒家、あるいは公園の一角など自在に変化させ、俳優が複数の役を演じ継ぐ手法はフライングステージおなじみだ。

 まさに同性パートナーシップ証明書の発行を控えている時期でもあり、登場人物たちのやりとりにもテレビや新聞雑誌で見聞きすることばや内容がたくさん盛り込まれている。 こうした場合、どうしてもいわゆる「説明台詞」になり、会話や対話というよりも、ある情報の伝達、レクチャー風になりがちなのだが、今回の舞台から はそのような印象はほとんどなかったと言ってよい。具体的にどこがどのようであったかを述べられないのがもどかしいが、作者が観客への情報伝達と登場人物の心象の描写のバランスに長けた作劇術を体得しているためであろう。

 彼らが願うのは、大切な相手との関係を皆に認めて祝福してほしい、堂々と「ぼくたちは夫婦です」と胸を張って生きていきたいということである。頑なだった父が、妻とのなれそめを回想する場面で意外な顔をみせたり、妻に対する態度を改めてゆき、最後には「息子をよろしくお願いします」と頭を下げる。兄が男性の恋人と暮らしていたことに拒絶反応を示していた妹が、自分の息子がゲイであることを知って、兄亡きあとの家でその恋人が暮らすことを願い、彼に息子を託すことを決意する。

 エピソードの数々は、何となく想像がつき、予想できるものである。振り返ってみると、2010年夏上演の『トップ・ボーイズ』で も、ゲイの主人公が恋人と結婚式を挙げた。たしか物語がはじまって早々に「結婚しました」と告げられるもので、観劇当時はあまり現実味が感じられなかった。それよりも愛し合って結ばれたはずの二人が別離に至る終幕の苦さが忘れられない。最新作が、結婚というものを「佳きもの」として描いていることには、正直なところもの足りない思いがあるが、おそらく、この『トップ・ボーイズ』の印象が強かったためと思われる。
 しかし本作『Friend,Friends 友達、友達』は決してご都合主義や予定調和に陥らない。何かしらひねりを入れて観客の予想を交わし、想定外の展開を見せるのも劇作家の腕であるが、観客の心に向かって正面から堂々と向かってくるのだ。今回筆者はラストシーンで思わず涙。同劇団の舞台を見るようになって10年、はじめてのことである。
 
 観劇日は午後1時から本編1時間35分を上演したあと、4時から1時間弱のリーディング公演『8』を行い、その流れでポストパフォーマンストークが開催された。登壇したのは同性パートナーシップに詳しい弁護士の永野靖さんで、この問題に対する日本の現状、変化の様相、日本国憲法との関連などをとてもわかりやすく語ってくださった。できればもっとお話をお聞きしたかったが、「どんなに盛り上がっても6時で止めます」(関根信一)というのは、7時から本編夜の公演を控えていたためである。本編の出演者はぜんいんリーディングにも出演するので、気持ちの切り替えやコンディションの調整が大変ではなかったか。
 とくに『8』は、原告対被告の争いという単純な構造ではない。多くの人物の相関関係を把握し、それぞれの主張を理解ながら裁判の成り行きを見るのは、観客にとってかなり難易度の高い。もう一度じっくりと聴き、見る(あるいは戯曲を読む)機会があることを願う。

 関根信一は当日リーフレットの挨拶文に、同性婚に対して数年前までは想像もできなかった変化が現実に起こっていることに驚きつつ、「変えよう」と努力した人達がいたことを忘れないでいたい、「言葉にならないものを言葉によって生み出す芸術、それが演劇であり、世の中を、人の心を移す鏡の役割だと僕は信じています」と結ぶ。
 客席の自分もそれを信じ、演劇が人の心にもたらすものを丁寧に言葉に書き起こすことを続けていく。

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日本のラジオ『ココノ イエノ シュジンハ ビョウキ デス』

2015-10-28 | 舞台

*屋代秀樹作・演出 今回ふくめ、過去公演のページはこちら 東中野/RAFT 26日で終了 
 屋代作品の観劇歴を振りかえると、本数が多くない上に(1,2,3)、「あのときの舞台が忘れられない」というほどの強い印象を与えられたことがないのも確かである。しかしいまにして思うと、この寡黙でマイペースな劇作家がしようとしていることと、自分が求めているものが少しずつ近づくために必要な過程であったのではないか。

 少し日の傾きかけた東中野の街を歩き、RAFTへ着くと正面入り口ではなく、「左側からどうぞ」とのこと。RAFTの建物がどのような構造になっているかを知らず、というか考えたこともなかった。客席は対面式、中央にいくつかの長机があり、たくさんの本が積まれている。周辺の床にも本が積まれ、奥には小さな机と椅子。

 『ココノ イエノ シュジンハ ビョウキ デス』 。結論を題名で示してしまっている。カタカナの「ビョウキ」はからだではなく、暗に心の病のを指しているようで、となると客席通路奥から登場し、小さなテーブルについて本を広げている古書店主(吉岡そんれい)がそうなのかというと、飛び込んできた若い女性客(田中渚)は、店主が「児童書は置いていない」と言うのに、「赤ちゃんの生まれた友だちに贈る絵本を探している」ことを一方的に話しつづける。店主はさすがにプロらしく、やや諦めた風に聞き役に徹し、「駅の向こうの書店ならあるかも」とアドバイスした上で、「またいらしてください」と言い添えることも忘れない。古本屋に来るのに不慣れで緊張しているらしいが、人の話を聞こうとせず、堰を切ったように話しつづける女性客のほうがよほど危なっかしい。つぎに店主の妹(菊地奈緒/elePHANTMoon)が、夫の実家からベーコンをたくさん送ってきたので少しもらってほしいとやってくる。この妹とのやりとりもごく普通であり、店主はことさら病気のようには見えない。
 やがて店の奥から店主の妻(木村みちる/遠吠え)が登場する。この夫婦のやりとりは「ですます」調の丁寧なもので、古風というより不自然でいささか病的に聞こえなくもない。しかし夫は弱視でからだの弱い妻を労わり、妻は優しい夫に心から感謝している。
 妻が義理の妹と二人の場面では、ときどき訪れては何かと助けてくれる義妹に妻は感謝しており、料理の味見をしたり、「お義姉さん」と呼ばれることを恥ずかしがったり、とても微笑ましい。
 妻が居合わせないとき、夫は妹に妻の様子を相談してみたり、誰もあからさまに「ビョウキ」には見えないのである。兄と妹は、店の先代でもあった父の暴力的な言動に苦しんだ。とくに兄はいまだその傷のために、家庭というもの、親になることに躊躇し、疑念を抱く。いっぽうで妹は結婚し、子どもも生まれて何とか明るく暮らしているようであるが。

 兄を慕い、義理の姉を案じてたびたびやってくる妹が実は・・・、優しく穏やかな夫が実は・・・「近くで人さらいがあったって聞いた」。人さらいという古風なことばのせいか、何か遠くの出来事のように聞こえるが、兄が手にした包みから取り出したものは・・・という風に題名の示すところに向かって、物語は少しずつ謎を明かしていく。それほど意外性はなく、何となく見当のつくものではある。妻はときどき遊びに来る夫の妹がすでにこの世の人ではないことを知っている。夫と話を合わせるだけでなく、上記のように義妹と二人の場面もあるのは、妻もまた夫と同じ妄想の世界に生きているかのようである。

 ただでさえ小さなRAFTの空間を、たくさんの本を埋めるように置いてさらに小さく使った舞台美術が効果的、というより非常に魅力的であった。さらに小さな空間に登場人物は3人だけなのだから、俳優の出入りははっきりと認識できそうなものであるが、いつのまにか妹が居なくなっていたり、逆にいつのまにか兄が居たりなどの繊細な動きを、俳優は自然に行っている。作・演出と演じる俳優が呼吸を合わせ、大切につくり上げた舞台だ。

 午後4時開演の舞台は、登場人物が出入りするたびに、入口から垣間見える空が暮れてゆくのがわかる。悲しく痛々しい物語だが不思議に虚しさはなく、柔らかな心持ちでRAFTをあとにした。静かな住宅街を抜けて駅に向かううち、無性に古書店へ立ち寄りたくなった。それも神保町や早稲田などに立ち並ぶ有名古書店ではなく、小さな街の路地裏にひっそりとある、今日の舞台のような店に。

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第41回名作劇場『邪宗門』 『空気はぜひ必要です』

2015-10-27 | 舞台

*川和孝企画公演+シアターΧ提携公演 公式サイトはこちら 両国/シアターχ 31日まで 
日本近・現代秀作短編劇100本シリーズ(1,2,3)の83,84本めの作品が上演された。演出はいずれも川和孝。
☆林和(はやしやわら)作 『邪宗門』
 大正4年発表 三代将軍徳川家光の治世で、禁制のキリシタンである城主の苦悩を描く1時間弱の物語。旅の若い侍が迷い込んだ古寺でひとりの老僧に出会う。老僧が語る城主と彼をめぐる人びとの悲劇とは?短編ながらかつらも着物もつけた本格的な作りだ。歌舞伎や新派以外で、時代劇が舞台で見られる機会はあまりない。
☆鴇田英太郎作『空気はぜひ必要です』
 昭和4年発表 劇作家である夫が些細なことから妻と大喧嘩。壮絶な売り言葉に買い言葉、大暴れの果てに妻はうちを出てゆく。ふて寝する夫のもとに、次から次に訪れるご用聞きたち。妻がいなくてはおちおち寝てもいられない。苛立ちが頂点に達したところに、妻の妹がこれまた夫婦喧嘩をしてころがりこんでくる。彼女の夫の言い草が劇作家にそっくりで・・・夫にとって妻は空気のようなものだ、なくては生きていけない、空気はぜひ必要です、といったオチだったように記憶する。稽古を入念に行ったことが窺われる夫婦喧嘩の丁々発止、米屋、肉屋、酒屋、炭屋、洗濯屋、瓦斬(ガス)屋、パンフレットには撥兵とあるが、これは警官のことか?、裁縫所の女性までひっきりなしに訪れる様子はほとんどコントである。

 名作劇場では、公演パンフレットにその回でとりあげた作者と作品の周辺について、川和孝による詳細な解説が掲載されており、大変勉強になる。それによれば林和は30編近い戯曲を残しているものの、上演の足跡があまり残されておらず、『邪宗門』上演の記録も見当たらないらしい。鴇田英太郎は病のために30歳で亡くなり、遺族の消息も不明なままという。林、鴇田ともに生涯の執筆戯曲が掲載されており、その題名だけで「読んでみたい、見てみたい」と思われるものがいくつもあり、今回のふたりに限らず、世に広く知られないまま眠っているあまたの作品と、それを記した人の思いを想像すると、胸が迫る。

 ただ解説文を読んで触発される興味に対して、目の前の舞台がそれにじゅうぶん応えるものであったかは、正直なところむずかしい。戯曲の文体、構成、作者の言わんとしていることが、俳優にきちんと捉えられているのか。あの台詞の言い方、表情、動作が的確なのか。戯曲は目で読むだけでも楽しめるものだ。しかしおもしろければなおさら、俳優が肉体と声をもって舞台に立ちあがる様子をみたい、味わいたいと思う。今回の2本について、作り手は何を目指したのか、何を伝えたかったのか。演出家の意図がじゅうぶん俳優に伝わって、それが実現しているのかどうか、終始しっくりこなかったのが残念である。

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studio salt第19回公演『蒼』

2015-10-24 | 舞台

*椎名泉水作・演出 公式サイトはこちら 神奈川県立青少年センター多目的プラザ 25日で終了1,2,3,4,5,6,6`,7,8,9,10,11,12,13,14,15,16,17,18,19) 
 ホームグラウンドだった横浜相鉄本多劇場が昨年晩秋に閉館し、これからの活動を案じていたのだが、春の『バルタン』につづいて神奈川県立青少年センター多目的プラザで公演が行われた。アクセスが若干不便であることや、どの駅からもそこそこ距離があり、しかも急な坂の勾配、暗い夜道など難点はいくつかあれど、よい舞台に出会いさえすれば、じゅうぶんクリアできるだろう。
 会場が演劇の上演にぴたりであるかどうか、正直なところ微妙な印象ではある。しかし客席が可動式なので、いろいろな試みが可能であるし、会場に入って椅子にかけたとき、心身に違和感はない。これから何度も公演を行うことで演じるほうも見るほうも会場の空気になじみ、演劇にふさわしい空間に変わっていくのではないだろうか。

 今回は演技エリアを斜め二方向から見る形に客席を設置した。中央に出入り口があり、その壁と床には、夥しい古新聞紙が貼り付けられている。テーブルに椅子が数脚あるだけだ。これまでのstudio saltの舞台を思い出すと、抽象的な舞台美術である。

 18歳の高校生だった男女が、40代になった。その年月のあいだに失ったもの、得たものは何か。矢作哲也と野呂鉄也は幼なじみだ。哲也は見た目も格好良く、彼女もいる。鉄也は正反対だ。哲也は男らしくなれるようにと鉄也にボクシングを教えてやり、レッスン料をもらっているが、これは体のいいかつあげであり、いじめである。そして哲也は人目を引こうと危ない真似をして大けがをし、全身不随で眠りつづけている。介護する母親も次第に年老い、同居の弟も兄を持て余す。同級生たちは年に一度訪ねてくるが、結婚生活に行きづまったり、哲也のけがに負い目を持っていたりなど、それぞれに複雑である。
 おなじみの劇団員に加え、昨年秋の『柚木朋子の結婚』で母親を演じた内藤通子、数年前の『八〇〇中心』に出演した環ゆら、さらに新しい劇団員も出演して、良好なチームワークが察せられる座組みである。

 演劇の観客は想像力豊かであり、へんな言い方になるが「おりこうさん」だと思う。「おれはデンマークの王子ハムレットだ」という台詞を聞いて、「うそ、日本人のくせに」などと思ったりはしない。
 『蒼』の冒頭は、主人公が18歳の高校生だったある日の場面にはじまる。実年齢ではしっかり中年の俳優が高校生を演じるのだ。俳優は鬘や化粧に特別なことはしておらず、テンションの高さや舌足らずな口調で役の年齢を示す。それでもやはり不自然は不自然だ。だが「おれって18歳じゃん」と言われれば、不自然なのは承知で「そういう話なのか」と納得し、そこからどのような展開になるのかを見守る。演劇だからこそ、いわゆるリアリズムを飛び越え、演劇ならではの旨みを作り出すことができるのだ。

 たとえに持ってくることが適切かどうか迷いはあるが、文学座の『女の一生』(森本薫作)を考えてみよう。ヒロインだけでなく、登場人物すべてが数十年間の経過を一人一役で演じる。白髪のかつらに入念な化粧、動作も台詞の言い方も年相応に演じる。これはもう有無を言わせぬ新劇のリアリズムであり、杉村春子に象徴される文学座の伝統が、「こういうものなのだから、変だなどと思ってはなりません」的な権威のオーラを放っていて、観客はぐうの音も出ないのだ。
 しかし今回の『蒼』は、これと同じところを狙った作品ではないところに魅力があり、同時にむずかしさがある。どこに、どのように少年らしさを見せるのか。しかも今回過去と現在を行き来するのは、哲也と、彼と同じ名をもつ鉄也の二人だけである。二人のテツヤが物語の構成を担い、作者の意図するところ、作品の魅力の核となる。中年と少年の場が行き来するとき、不自然や違和感を演劇的効果、魅力にどうすれば転化できるか。状況によっては、敢えて不自然で無理が感じられるほうがより効果的な場合もあるだろう。

 哲也はからだは中年になったのに、精神は高校生のままである。しかし同級生たちは心身それなりに年を重ねている。母親も弟も同様だ。ここに歪みが生じ、彼らは否応なく過去と向き合い、いまとこれからを考えざるを得なくなるのである。

 全体的に俳優の演技、造形が戯画的に感じられた。たとえばタクシー運転手役の東享司は、終始おどけた口調や動作を繰り返す。その内容がいい加減親父ギャグであることもさることながら、いささか「痛い」印象なのである。そういうところを狙った人物なのかもしれないが、彼は終盤で礼子に対する変わらぬ恋心を打ち明ける場面もあり、ただのお調子ものではない。また東はもっと抑制した複雑な表現ができる俳優であると思う。この作品を持ちだすのは自分でも「またか」と思うが、2007年上演の『7』(6,6`)において、職場の仲間たちのことをもっともよく知る兄貴的なところもあり、しかし相手がはっきりと訴えられない微妙ないじめを巧妙に行う人物を過不足なく演じていたことが忘れられない。
 介護ヘルパー役の山ノ井史は、表面は人当りよくにこやかにしているが、なかなか油断のならない人物を演じている。表情、声の調子をわずかに変えるあたり巧く作っているが、彼ももっとできる俳優ではないか。
 そのなかで内藤通子の自然な演技は安定感があり、こちらもリラックスしてみることができた。恋人がいることが示されるあたり展開が気になったが、後半の場面でもう終わったと台詞だけで知らされることにも納得できる。お母さんがそう言うのなら・・・という気にさせられるのだ。

 細かいことを言えば、哲也が寝たきりになってから同級生たちは毎年彼の家に集まっていたという。なので、前半にヘルパーが「おむつの補充しておきますね」という台詞に、「おむつか・・・リアルだな」という反応はやや不自然だ。ずっとそうだと知ってはいたが改めて、という思いがあればちがう台詞があると思う。

 本作のポイントは、冒頭に示された過去の一場面が、終盤になってもう一度出てくるところである。しかも二度めは冒頭の再現ではなく、危険な真似をしようとしたのが哲也ではなく、鉄也になっている。どちらが真実なのかは明かされない。過去場面が二度めに出てきたとき、真実はどちらか、それがどう明かされていくかに観客の興味は掻きたてられ、それに応えるごとく二人のテツヤの攻防が描かれることを期待する。作家はそうしなかった。その結果、観客に想像の余地を残し、謎解きに終始することで物語が凡庸になることが避けられた。
 戯曲、演出ともに、少しずつ緩みや隙があることは残念だ。しかしstudio saltの舞台、客席の温かさはいつも通り、いや、いつも以上であることがほんとうに嬉しい。単に知り合いや身内のお客さんが多いだけなら、この雰囲気を作りだすことはできないだろう。studio saltの舞台を楽しみに待つ人、これからの活動に期待する人の存在があり、それに応えようとする作り手の姿勢があるからこそだと思う。

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パラドックス定数第35項『東京裁判』

2015-10-24 | 舞台

*野木萌葱作・演出 公式サイトはこちら (1,2,3,4,5,6,7,8,9,10,11,12,13,14,15,16,17,18,19,20,21)六本木/俳優座劇場 25日で終了
 劇団の最高傑作の呼び声高い作品が、俳優座劇場にお目見得した。穴倉のようなpit北/区域の舞台空間と、裁判の息づまるような攻防がこれ以上ないというほどぴったりしているので、ステージと客席が緞帳を隔てて向かい合うオーソドックスなつくりで、キャパシティもそうとうに多い俳優座劇場での上演がいったいどうなるのか。期待と不安半々で足を運んだ。

 芝居がはじまったとたん、すべては杞憂であった。俳優の演技はpitに比べてことさら大きくなっているわけではない。さすがに客席との距離は遠くなってはいるが、今回自分は最前列での観劇であったことが幸いして、俳優の息づかいも生々しく感じとることができた。なおかつ舞台両袖もとくに隠したりせずさまざまなものが積み上げられたり、ワイヤーなどがそのまま見える状態であったため、殺風景な空間に5人の日本人弁護団がぽつんと置かれているような雰囲気を感じとることができた。

 弁護人を演じる植村宏司、西原誠吾、井内勇希、今里真、小野ゆたかは、俳優座劇場の広さにも、おそらくいつものパラ定とはいささか異なる客層(年配の方が多い印象)にも、そして戦勝国の判事、検事にも負けず、あれがだめならこれ、こうして無理なら別の方法でと奮闘する。
 東京裁判をめぐる歴史的背景を知らずに舞台を見たとしたら、28人の被告を極刑から救おうと懸命な5人のすがたに心を躍らせ、手に汗を握り、がんばれと声援を贈りたくなるだろう。自分は本作の観劇がこれで3度めになるが、多勢に無勢にも関わらず、知恵を絞り、力を合わせて逆境を乗り越えようとするさまには、毎回前のめりになる。

 しかしながら、2015年の今年は、やはり戦後70年の特別な年である。新聞や雑誌の特集記事、映像でもさまざまな特集番組が放映された。とくに自分にとっては塚本晋也監督・主演の映画『野火』の影響、さらに安倍晋三政権による安保法案をめぐる社会の動きなど、考えること、迷うこと、怒りを感ずることなどが多々あった。これらの出来ごとは、『東京裁判』の感じ方を、さまざまな場面において変容させざるを得ない。生身の俳優が目の前で演じる演劇、それを見つめる観客もまた生身の存在なのだ。

 野木萌葱の戯曲は非常におもしろい構成である。とくにト書きの記述がユニークだ。人物の動きや台詞の言い方の指定というより小説の地の文に近く、その人の心象が自然に書かれており、終演後に舞台の様子を思い起こしながら戯曲を読むのが、パラ定観劇のもうひとつの楽しみになっている。
 『東京裁判』には、舞台に登場しない外国人裁判長、検事たちの台詞も書かれている。リアルな裁判劇なら、音声にして聞かせる手法が考えられる。そうすれば裁判の流れや内容もぐっとわかりやすくなるだろう。しかし敢えて登場させず、聞かせないことの演劇的効果はどんなものであろうか。

 5人の弁護団は、戦勝国という圧倒的な強者を相手に戦う。しかも彼らのすがたは見えない。見えないだけに不気味なまでに大きく、強く感じられる。さらにこれはいささか深読みかもしれないが、がらんとしたステージで、5人が熱くなればなるほど、彼らの闘いの虚しさや、ふとこれは浮遊する幻想かもしれないとさえ思えてきて、これはまさに俳優座劇場効果ではなかろうか。パラドックス定数の『東京裁判』は、これからまだまだ変容の可能性がある。そして見る自分にも何らかの変化があるはず。これはもう年末のpit北/区域閉館公演に行かないわけにはいかないのである。

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