因幡屋ぶろぐ

劇評かわら版「因幡屋通信」主宰
宮本起代子による幸せの観劇記録。
舞台の印象をより的確により豊かに記せますよう・・・

shelf volume17[deprived(仮)]

2014-04-30 | 舞台

*矢野靖人構成・演出 公式サイトはこちら 明大前 キッド・アイラック・ホール5Fギャラリー(1,2,3,4,5,6,7,8,9,10) 7日で終了
 古典戯曲や小説などを、独自の視点で構成して斬新な劇世界をみせるshelfが、今回また新たな試みに挑戦した。「今回は『政治』の話をしたい。 政府や政治家の話ではなく、人が二人以上いる<場所>に必ず発生する「政治的」な「ふるまい」や「言葉」の力について考えたい」とのことだ。明大前キッ ド・アイラック・ホールはとても好きな劇場だが、5Fギャラリーは今回がはじめてだ。

 実は観劇から1ヶ月も経過しており、本稿に速報性としての機能はほぼない。時間をおいただけの論考ができたかというとまったくそうではなく、ひたすら怠けていたに過ぎない。

 5Fギャラリーは、ほんとうに何もない空間である。トイレなどの水回りもなく、そのたびに階下まで降りなければならない。非常に使い勝手の悪いところなのだ。しかも今回の公演はその何もない空間に開演前から俳優たちが板つきになっている。客席はスペースの二面の壁に並んだ椅子である。照明の加減もできないのだろうか、観客は演技スペースと同じ高さ、明るさのなかに身を置くことになり、あまりゆったりはできない。

 観劇環境があまりよくないことが、マイナスの印象に直結するわけではない。舞台をより深く味わうために、むしろ効果的なこともある。キッド・アイラック・ホールはもともと好きな劇場であるし、5Fの階段踊り場からみる明大前の夜の風景もいい雰囲気である。借景とは少しちがうけれども、劇の作り手が町の風景も含めてこの場所を活かすことはじゅうぶんに可能であると思われる。

 今回の舞台には、太宰治の小説、武者小路実篤のエッセイ、日本国憲法前文や、第一次世界大戦で戦死したイギリス人詩人の作品などが用いられている。

 これを舞台をみていない人にちゃんと説明できるだろうか。作り手のなかではそれぞれが意味をもち、有機的な関連をもってひとつの舞台に構成されているのだろうが、観客がそれに共鳴し、政治について考えるという地点に到達できたかというと、非常に心もとないというのが正直な印象である。

 冒頭、川渕優子が日本国憲法の前文を語る。川渕の声は硬質だが艶があり、思わず聞き入ってしまう。立ち姿も美しい。しかし舞台でのこの行為は何なのか?文面を持って読むわけではないから朗読ではない。しかしお芝居の台詞ではないので何かを演じる方向性は感じられない。昨今議論かまびすしい憲法、それもぜんたいの指針たる前文である。それをいまここで読みあげることの意味は?

 声はだんだん高まってゆき、そこにべつの女優が「君が代」を必死で歌い、最後には泣き崩れる。

 舞台上で起こることのすべてに意味を求めようとするわけではなく、起承転結の整った物語を期待はしない。けれども作り手がしようとしていること、何を訴えたいのかが、非常にわかりにくかったことは否めない。イプセンや三島由紀夫の作品を柔らかな思考でとらえ、一変鋭い視点で切り裂いて舞台に叩きつけるようなshelfの舞台に何度も刺激を受けている自分にとって、違和感と困惑が多くを占める観劇となった。

 とはいったものの、今回のタイトルには(仮)が添えられている。(仮)が取れるときがきたら、そのときはまた元気を出して劇場に足を運びたい。逃げ場のない空間、あれこれと不便な劇場でもだいじょうぶだ。

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かもめマシーン『ニューオーダー』

2014-04-29 | 舞台

*萩原雄太作・演出 公式サイトはこちら 北品川・フリースペース楽間 29日で終了 (1,2
 4月中旬に枝光本町商店街アイアンシアターにて北九州公演が行われたあとの東京公演。
 北品川界隈は、毎年3月みつわ会の久保田万太郎公演のときに行き来するところだ。昔の宿場町の風情が残る商店街は、活気に満ちた夕暮れ時はもちろん、休業の店が多い祝日の昼間でも楽しい。そこにこのような場所があるとは知らなかった。
 フリースペース楽間は空き店舗を改装したもので、絵画や写真の展示会、ワークショップの開催、アンテナショップ利用など、破格の広さと安さで多目的利用できる場所である。残念ながら耐震構造に問題があって取り壊しが決まっているとのこと。
 建て替え後もこれまでのようなフリースペースとしての存続を求める署名が行われており、微力ながらご協力させていただいた。本公演での署名は120名になり、「商店街の方々もびっくりしていました」(主宰萩原雄太のツイッターより)とのこと。どうか実を結びますように。

 さてちょうど2年ぶりのかもめマシーンである。これまでの観劇記事を読みかえしてみて、最新作をみたあとの気持ちとほとんど変わらない印象であることを確認した。これがどうかはさておき、公演チラシに書かれた作品コンセプトや、当日リーフレット掲載の萩原の挨拶文などは、自分にとって違和感がなく、むしろすっきりと伝わる。
 とくに311をめぐる演劇のありかたについて、萩原雄太という人は非常に冷静で客観的な視点をもっていて、共感できる。

 
 

 問題は、その感覚や意識をどのように舞台で表現するかである。萩原は決して手法や形式にこだわっているのではないと思うが、やはり今回も最初から最後まで集中してみることは困難であった。

 あれ?と思ったのは、開演前に主宰の萩原が客席に挨拶する際、この作品についての説明をはじめたことだ。かもめマシーンの舞台では、俳優が役を演じるという形とはちがうあり方をする。客席に向かって自分のことをいろいろ語ったり、状況を説明したりする。今回も俳優はそれぞれ自分自身の名前をなのり、出身地はどこで、ここ(楽間)からどの方向に何キロと書かれた紙を持つ。いまここにいる生身の自分と、虚構の空間に立つ存在との境目があいまいで、今回はとくに物語性も明確なものではない。役柄に扮する場面もあるのだが、いわゆる役を演じる方法からは距離がある。

 なので主宰が素の状態で客席に説明するのは、かえって珍しい感じがしたのである。萩原はラストシーンにも客席から登場し、俳優たちからあることをされる。これはまったくわけがわからなかった。

 なぜこの場所に住み続けているかは、自分自身もときおり考えることである。土地への執着や地域への愛着も薄く、かといって生まれ育った故郷に帰るほどの強い理由もない。その浮遊感覚の微妙なところを、かもめマシーンの舞台は決してずばりと示さない。そこがもどかしくもあり、魅力でもあり、自分とかもめマシーンとの関係なのではないだろうか。

 もっと歩み寄れたら、理解が深まったらと毎回思うのだが、もうこれは相性の問題であり、あまり深く考えないほうがいいのだろう。できれば素直に委ねたいと願っている。

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ゲンパビ#8 『積雨、舟を沈む』

2014-04-24 | 舞台

*阿部ゆきのぶ脚本・演出 公式サイトはこちら 王子小劇場 27日まで (1,2,3
 今回で4度めのゲンパビ体験だが、これまでみたのはいずれも企画公演、ギャラリー公演、他プロジェクトへの参加公演なので、本公演ははじめてということになる。前回の本公演『カゼマチ』から1年4ヶ月ぶりとのこと、音響、照明、美術スタッフをフルに揃えた気合いの舞台となった。
 ゲンパビは福井伸実のイラストによる公演チラシやはがきが毎回とても素敵なのだが、今回は当日リーフレットもなかなか凝ったつくり。俳優名と似顔絵入りの人物関係図をみると、高校の美術部だった数人の輪のなかにひとりだけシルエットの人物がおり、彼が同級生たちの親友で、自殺したことが記してある。ここをみただけで、これから始まる物語がなぜ彼がみずから死を選んだのか、その行為が周囲の人々にどんな影響を与えたのかを中心に展開することが想像できる。

 舞台は一見して学校の教室であり、イーゼルはじめこまごまとした画材が置かれていることから、美術部の部室であることがわかる。中央奥に水槽がひとつ。よくみると床が中央に傾斜したつくりになっていて、現実的な空間というよりもどこか歪んで不安定な空気を醸し出している。大雨の日、ひとりの男性が教室を訪れる。

 物語の構造といい人物の造形といい、これまでのゲンパビからは想像もしなかった舞台なので、まだ頭も心も混乱している。シルエットの人物をめぐって過去と現在が交錯したり、主筋の人物と脇筋の人物が入り組んでいたり、彼が自死に至るまでの出来事はじめ、ひとりひとりが重苦しい秘密を抱えていて、一筋縄ではいかない様相をみせる。

 後半からは謎解きやミステリーの要素が色濃くなり、やや説明的な展開になったことは否めない。物語の中心に近い人物に対して、やや距離のある人物が意外なところで絡むものの、いささか強引な運びだったり、この人はほんとうは誰なのか、なぜここに来たのかという観客の疑問に対して、きちんと納得のできる展開なのか、何よりあそこで幕を閉じてしまうのはあまりに気を持たせ過ぎではなかろうか。

 もちろん謎や疑問の答をすべて提示し、明らかにするのが劇の役割ではない。謎のまま、あるいは観客の疑問が残ったままであっても構わないのだが、ややエピソードや人物を盛り込み過ぎたために、さまざまな事象の着地点があいまいになったのが残念だ。

 人と人はほんとうに信じあえるのか。作者は登場人物に託してこの問いを投げかけているのだろう。当日リーフレットの挨拶文に記された「この作品を、永遠に分かり合えないあなたに」ということばには、諦念や達観よりも、控えめではあるが希望が感じられる。ここをもっとみたいのだ。

 大雨のために自治体から避難指示がでて、この校舎に人々が集まってくるという設定だが、物語に関係した人物だけが出入りし、そのほかの住民の様子をかたる台詞がなかったり(と記憶する)、現実的な話として進行させるためにあと数歩詰めが必要と思われる。

 また今回作者が相当に腕を奮ったと思われる戯曲に対して、俳優の演技が追いついていない印象がある。ある人物が舞台に登場する。相手に対して名前を呼びかける。その名前がはっきり聞ききとれないと、観客は最初からつまづく。むろん日常においては聞きとれないことばはたくさんあり、感情が乱れたときの言動は、文字通りめちゃくちゃになることが多い。しかし舞台で表現する場合、日常生活と同じように自然に行うのとはちがう意識が必要ではないだろうか。

 久しぶりの本公演だ。俳優はじめスタッフの心が強く注がれていることが客席にも伝わってくる。仲間の理解や支えがこれほどあるのだから、戯曲を細部にわたって練り上げ、演出の視点や方向性を研ぎ澄ませれば、もっと素敵な舞台になるのではないだろうか。
 観劇日はアフタートークがあり、こゆび侍主宰の成島秀和氏が登壇、「ゲンパビをもっと好きになってほしい」と強く訴えておられた。
 よくわかります。ゲンパビの舞台には愛される魅力がある。だからもっと素敵になってほしくて、つい「ここをこうしたら」、「あそこが惜しい」と思ってしまうのである。
 今回の記事はだいぶ辛めになったが、魅力あるゆえの辛口としてご寛恕くださいますよう。

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早稲田大学エクステンションセンターオープンカレッジ「新劇の歴史と現在」/第三回木下順二『夕鶴』読解

2014-04-24 | 舞台番外編

 公式サイトはこちら1,2) 3回めの今日は早稲田大学演劇博物館招聘研究員である宮本啓子氏による木下順二『夕鶴』の読解が行われた。
 はじまる前に、宮本氏から「なぜこの講座をはじめたか」というお話があった。氏は桐朋学園芸術短大で演劇を専攻して俳優座に進み、そののち早稲田大学で研究者の道を選んだという経歴をお持ちの方である。
 日本の新劇というものを、もっと広く知らしめたい。新劇はこんなにも刺激的で現代的であることをたくさんの人に知ってほしい。そのためにはすでに新劇をよく知っている人同士で過去のことを確認するのではなく、新劇を知らない若い世代と語りあう機会にしたい。これが本講座を企画した願いとのことだ。
・・・筆者の記憶により、このような記述となることをお許し願いたい。まっすぐで心を打つお話であった。この講座に来てよかったと心から思う。
 「新劇」というジャンル、いや、ことばじたいが今の演劇状況のなかでどのような位置づけになるのか、有効でありうるのか。講座名は「新劇の歴史と現在」であるが、氏は「新劇の未来をぜひ考えたい」と言われた。
 ここ10年近く、いわゆる小劇場界を彷徨する自分であるが、新劇の舞台をみると、「しっかりしなさい」と杉村春子先生に叱られたように情けなくも嬉しかったり、「自分はこちら側の人間だったのでは」と自問自答することもしばしば、背筋を伸ばして演劇に向き合おうと勇気を与えられる。
 自分にとっても新劇はなくてはならない大切なものだ。心を柔らかく6月後半までの講座に通いたい。

 さて今日は木下順二の戯曲『夕鶴』の読解である。自分にとっての本作は、中学校の文化祭で上級生たちが上演した舞台が心に強く刻みつけられている。その後山本安英が主人公の「つう」を演じた本家本元、坂東玉三郎と渡辺徹が共演した舞台もみたのだが、正直なところ明確な印象がないのである。

 『夕鶴』といえば、民話の「鶴の恩返し」がベースになった民話劇だという思いこみがあったが、本作を考えるとき、先の大戦が深く影を落としていることを忘れてはならないことを今日の講座で改めて学ぶ。木下は、1943年に執筆した『鶴女房』を戦後の1948年に『夕鶴』として書きなおした。「というより、“鶴女房”という民話を単なる素材と考えて一篇の現代劇を書いたので、だから『夕鶴』にだけは、民話劇という呼び名を私は使わない」(『夕鶴・彦市ばなし』巻末の「もう一度、あとがき」/新潮文庫)と記す。

 どこをどうみても昔の日本の様相で、つう以外の登場人物は場所の特定はできないものの、明らかに地方の方言を使う。芝居のつくり、表面的なところをみて「これは民話劇だ」と規定するのではなく、作品の根本、劇作家が作品をして何を訴えようとしたかを考えなければ、作品を的確に理解し、舞台をより深く味わうことができないのである。

 敗戦で自信を喪失した日本人にとって、美しい日本語で記された『夕鶴』は、芸術文化まで全否定されたどん底に差し込んだ一筋の光明であったという。宇野重吉は、当時雑誌に掲載された『夕鶴』を一気に読み、一人の平凡な人間が芸術作品と出会ったと歓喜した。この喜びに溢れる瑞々しい感慨を、自分は想像することすらできない。

 あらためて戯曲の魅力、そして舞台の魅力とは何だろうかと考えた。講座の前、予習のつもりで久しぶりにページをめくった戯曲の『夕鶴』からは、これといった印象は受けず、観劇の記憶を確認する程度であった。つうという女性についても、与ひょうに対して世間と交わることを許さず、ひたすら自分たちだけの世界で楽しく暮らすことを要求するエゴが強く感じられる。
 おそらく『夕鶴』は、目で戯曲を読んだ印象と、舞台をみて五感で感じ取った印象が人によっては微妙に、ときには大きく異なるタイプの作品ではないだろうか。

 たとえば戦争ができる国になろうとする勢力が次第に強くなりつつあり、努力しただけのことがじゅうぶんに報われず、将来が不透明ないまのこの国において、『夕鶴』はわたしたちにとってどのような有効性をもつのだろうか。そして鶴の化身つうを演じられる現代の女優は?

 このつぎに『夕鶴』を出会えるのがいつになるのかはわからない。しかし舞台と再会したとき、単なる舞台の記憶やノスタルジーではなく、今そしてこれからも生きていく作品として捉えることができるのではないかと考える。

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春カフェ『せんそういろいろ』

2014-04-20 | 舞台

劇団桃唄309+母子劇場+N.S.F.+東京オレンジによる短編劇集volume 6 公式サイトはこちら 東中野RAFT 20日で終了
 それぞれ個性豊かな活動をしている4つのカンパニーが、「せんそう」にまつわるさまざまな思いをA,B,C3つのプログラムにそれぞれ3本、合計9本の短編にして連続上演する試み。ひとつのプログラムが1時間弱で、終わったあとは5分程度のトークや紙芝居も行われる。本公演オリジナルの飲みものや軽食も用意されていて、お芝居をみながら飲食OKというゆるやかなものだ。千秋楽にようやくすべりこみ、以下のプログラムを観劇した。

★Bプロ N.S.F.+桃唄309
 1、『アントニーとクレオパトラ』
  シェイクスピア戯曲 伊藤馨企画・演出 村野玲子戯曲構成
 2、『宣戦布告』、『湊川』
  長谷基弘戯曲・演出
★Aプロ 母子劇場+桃唄309
 1、『とおくのせんそう』
  篠原久美子戯曲 西山水木演出
 2、『和解』、『刀を研ぐひと』
  長谷基弘戯曲・演出

 Aプロの母子劇場(ははこげきじょう)による『とおくのせんそう』に深い感銘を受けた。
 女手ひとつで息子(小山貴司/世の中と演劇するオフィスプロジェクトM)を育て上げた母親(西山水木)は、パレスチナの難民キャンプで暮らす少年アブドゥールの里親になった。月々5,000円の支援は少し家計がつらいが、彼と手紙のやりとりをするのが楽しみだ。家族の暮らしを守るために自爆テロすら厭わない若者がいる国で、アブドゥールは「豊かで平和な日本」への憧れを募らせる。しかし契約社員の息子は派遣切りにあって失業、「自衛隊に入ろうか」とつぶやく。日本はほんとうに豊かで平和なのだろうか。母の疑問と苦悩は深まっていく。

 篠原久美子の誠実な戯曲を、西山水木が丁寧に演出し、みずからが精魂込めて母親を演じた。息子役の小川貴司もさらりと自然ななかに、いっけん豊かで平和にみえるこの国の歪んだ様相や、いつ戦争が始まってもおかしくない将来への不安を滲ませる好演だ。

 たしかにいま日本の国内に戦争はなく、外国の戦争に参加しているわけではない。しかしビジネスというかたちで、あるいは遠い国のことだから関係ないと無関心でいることによって、間接的に戦争に加担しているのではないか。そしてそう遠くない将来、日本もまた堂々と戦争をする国になる可能性がある。戦争は遠くのよそ事ではない、自分たちもまた当事者になりうるのである。

 後半で、母親が赤ちゃんを抱くところにはじまり、お弁当を作り、学校に出かける息子を見送る様子をパントマイムでみせる場面がある。おにぎりを結んだり、お弁当を包むしぐさの優しいこと、だんだん息子の背丈が伸びて、たぶん「弁当いらない」と出ていったのか、成長を喜びながらも淋しさを覚える母親の気持ちが痛いほど伝わる場面であった。

 さまざまな問いを受けとり、「ならば自分はどうしよう?」と考え、何らかのアクションを起こそうと背中をひと押しをされた感覚を得た観客が多いのではないだろうか。喫茶店やギャラリーなど、いわゆる劇場でなくても上演できる演目なので、ぜひこれからもいろいろな場所で、ひとりでも多くの人がこの舞台に出会えることを祈っている。自分もまたあの母子にもう一度会いたい。

 シェイクスピアやお能をベースに書かれた作品について、現代のことばを使って親しみやすくしたいという願いは伝わる。とてもわかりやすい。しかし若干くだけすぎというか、けたたましく感じられるところもあり、なかでは『刀を研ぐひと』が折り目正しい空気を作りだしていて見ごたえがあった。研ぎ師を演じた國津篤志が肩の力を抜いた自然体の演技のなかに渋い味わいをみせる。劇作家、演出家は、こういう俳優さんを大切にしなければならないだろう。

 さて春カフェの名のとおり、劇場がロビーも客席もカフェ状態であることの長短はいろいろあるだろう。にぎやかで楽しく、親しみやすい。客席と作り手の垣根がなく、リラックスして楽しんでいらっしゃる方が多い印象であった。しかしひっきりなしに飲みものやパンやケーキやプリン(どれもおいしそうだった)を勧められたり、作り手が出ずっぱりで売り子さん状態であるのは、開演前は静かに心身のコンディションを整えたい者にとっては賑やか過ぎた。できればそっとしておいてほしいのです。

 上記は筆者の個人的な好みの問題なのでいいとしても、気になったことがひとつある。数本の演目において、カフェタイムの雰囲気が収まらないままで、上演が始まった印象があったことだ。暗転のない舞台進行であったからそのように感じたのだろうか。芝居だからと肩ひじ張らず、作り手も受け手もいっしょに楽しみましょうというコンセプトは構わないが、舞台とオフの緩急やめりはりは必要なのではないか。観客もさあはじまるぞと背筋を伸ばして舞台に臨みたいのである。

 融通が効かず、頑ななのは自分の悪い癖である。どうかお読み流しを。

 いくつものカンパニーが知恵を絞り、心を尽くして「せんそう」を考える今回の試みはとても清々しく、肌寒い春の夕暮れから夜にかけて豊かな心持ちになれた。これからもさまざまな場所で、戯曲と俳優が出会い、観客に届けられることを願っています。
 でもやっぱりプリンを食べればよかったかなあ。

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