因幡屋ぶろぐ

劇評かわら版「因幡屋通信」主宰
宮本起代子による幸せの観劇記録。
舞台の印象をより的確により豊かに記せますよう・・・

葛河思潮社第4回公演『背信』

2014-09-30 | 舞台

*ハロルド・ピンター作 喜志哲雄翻訳 長塚圭史演出 公式サイトはこちら 神奈川芸術劇場、東京芸術劇場シアターイーストの上演は9月30日で終了 仙台、豊橋、新潟を巡演

 舞台には3つの空間がつくられている。中央には白く高い壁があり、長方形の窓に、まるで十字架のように縦方向の飾り窓が作られて、縦横がまじわる中央部分からぽっかりと青空と雲がみえる。左右にはベッドやソファ、テーブルなどがさりげなく置かれ、これらがどのように機能するのか、みるものの想像を掻きたてる。

 画廊経営者のエマ(松雪泰子)と出版社を経営するロバート夫婦、ロバートの学生時代からの友人である作家エージェントのジュリーとの不倫関係が、時系列ではなく、時間を逆行しながら(一部例外箇所もある)描かれる。
 登場人物はいまの場面の顛末を知らずにそこにいるが、観客はすでに知っている。厳密に言えば、演じる俳優はすべて知っているけれども、人物としては知らないように演技をする・・・などなど、一筋縄ではいかない、複雑で微妙な作品だ。

 自分は1993年、デヴィッド・ルヴォー演出による『背信』を一度みている。エマを佐藤オリエ、ロバートを木場勝己、ジュリーを塩野谷正幸の布陣で、ベニサン・ピットで上演された。はじめてのピンター作品であり、年代が字幕で提示されるにしても、時間が逆行する構造にはとまどいがあり、深く味わうにはいたらなかった。当時ルヴォー演出で円熟の花を開かせた佐藤オリエ、木場勝己はまさに充実の演技であったが、本作の配役としてずばりなのか、さらに塩野谷正幸が加わることにもしっくりしない印象があった。
 しかし舞台転換時に流れるバッハの『ゴールドベルク変奏曲』が、この変則的な舞台の流れを支え、わからないなりに何となくであるが、『背信』は好きな作品になった。それ以来、21年ぶりの再会となったわけである。

 仮に本作の構造や流れなどの予備知識いっさいなしでいきなり舞台をみたとしたら、いったいどんな印象になるのだろうか。
 自分は以前にちがう座組みでみており、戯曲を読み、喜志哲雄先生の注解書『劇作家ハロルド・ピンター』も読んだ。

劇作家ハロルド・ピンター 劇作家ハロルド・ピンター
価格:¥ 6,048(税込)
発売日:2010-03-24

 だがいくら事前に勉強したからといっても、「これで完璧に理解したぞ」と思った瞬間、すでにそれはある種のまちがいである。

 曲りなりに観劇体験も重ね、さまざまな知識を得たいま、ルヴォーの『背信』の舞台をみたとしたら、もっと明確に理解し、深く味わうことができるのだろうか。もうこれはいくら想像してもわからないのである。

 自分は今回の『背信』を、いまの自分なりに楽しむことができた。作品の設定に俳優の実年齢がわりあい近いことによる親近感、神奈川芸術劇場での初日を終えた俳優陣のインタヴューをパンフレットに掲載したり、ワークショップやディスカッションを重ねて、何とかこの作品をよいものにしたい、客席に届けたいという心意気が伝わってくる。この健闘ぶりは讃えられるべきであろう。
 その効果なのか、舞台からは客席を強く意識していることが感じられた。この作品を上演する気負い、自意識である。このようにみせたいという意図、この方法をどう思いますか?という問いかけなど、つくり手からのメッセージが強く発せられている。
 これをどうとらえるか。観劇から数日経っても考えている。

 舞台をみることはもちろん、戯曲や関連書を読むことも楽しい。とくにピンター作品は観劇と戯曲、関連書を何度も繰り返し往復することによって、ますます楽しくなるという、ほかの劇作家では得られない特殊な喜びがある。
 その過程において、完璧に正しい理解を得ようとするのではなく、不完全、不十分であること、ときにますますわからなくなることをも受け入れること、あきらめて放り投げるのではなく、倦まずたゆまず向かい合うことを学びつつかる。
 「今度こそ絶対理解してやる」とばかり喰らいつくよりも、自然体でゆったりした気持ちで接しているうち、もしかしたら何かがつかめる可能性もあるのではないか。

 ピンターは読者や観客に対して優しくも易しくもない。しょっちゅう肩すかしのつれないふるまいをされ、かと思うと不意打ちに引き寄せたり、まるで不実な恋人、永遠に片想いの相手のように不確かで、それだけにどうしてもあきらめきれないのである。困ったものだ。
 しかしそういう相手に出会えたことは、大変な幸せではなかろうか。いや劇作家の話です、念のため。                   

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『炎 アンサンディ』

2014-09-29 | 舞台

*ワジディ・ムワワド作 藤井慎太郎翻訳 上村聡史演出 公式サイトはこちら シアタートラム 10月15日まで
 本作は『灼熱の魂』(You tube予告編)のタイトルで映画化もされた。映画にはたいへんな衝撃を受け、舞台が楽しみでもあり、怖くもあった。麻実れい、岡本健一に加えて、『ボビー・フィッシャーはパサデナに住んでいる』の舞台の記憶が生々しい那須佐代子、中嶋しゅうが共演する。 ほかにも、今回が初見の若手の小柳友、『運転免許 私の場合』の中村彰男、『終の楽園』につづく栗田桃子。いったいどんな舞台になるのか。

 客席がコの字型に組まれ、演技エリアを囲むかたちになっている。舞台の床は軽く前方に傾いた、いわゆる「八百屋舞台」である。中東とカナダを行き来しながら、ひとりの女性の半生数十年の物語が展開する。主人公ナワル役の麻実れいと、公証人エルミル役の中嶋しゅう以外の俳優は、少なくても2役、中村彰男は最多の7役を演じ継ぐ。

 これ以上ないほと削ぎ落した舞台美術、絶妙な照明、音響、緻密で慎重でありながら、心身が破れんばかりの、まさに渾身の演技をみせた俳優陣、それらを統べた演出。すべての要素が結実した稀有な舞台であった。
 みていて楽しいところ、心が弾むように嬉しくなるところはまったくないと言ってよく、泣くに泣けない、悲しくてやりきれない、何をどういってよいのかわからなくなるような物語である。しかし登場人物ぜんいんが、一枚の布の下で降りしきる雨を見上げるラストシーン、「それでもこの世に生まれてきたことを喜んでほしい」と願う気持ちがあふれるように湧いてきた。
 映画と舞台の表現の比較等々ははじめれば切りがなく、ただ受けとめるのが精いっぱいだ。この舞台に出会えたことは今年の大きな収穫のひとつである。

 さて自分の観劇日、劇場に入って驚いたのは、客席に男子高校生がおおぜいいたことである。チケット予約のときに気づかなかったのか、目にしてもそれほど気に留めていなかったのか、公式サイトの上演スケジュール欄には、「学生団体あり」とちゃんと明記してあった。数年前、あるミュージカルのチケット予約のために帝国劇場に問い合わせたときのこと、希望日時を告げると、「この日は修学旅行生の団体客がありますので、あらかじめご承知おきを」と言われた。「もしかすると騒々しかったりするかもしれないが、こうして事前にお断りしておりますからそのように」という説明があったように記憶する。

 『炎 アンサンディ』の場合、内容が重すぎて引いたのか寝落ちしている子もいたが、「騒がしくて困る」ことはまったくなかった。これははっきり申し上げておきます。
 しかし開演前はもちろんのこと、上演のさいちゅうも「だいじょうぶかな?」と気になって、集中を欠いてしまったことはたしかである。人数にしてひとクラス分くらいであっただろうか。シアタートラムの客席がかなりの部分で占められており、しかもコの字型の左右の席のほとんどが男子高校生であることには、とまどいがあった。
 どうして彼らが今回の舞台をみることになったのか詳しい事情はわからない。『炎』はひとりでも多くの人にみてほしい、この思いを共有したい、語りあいたいという願いが湧いてくる。だがどのような意図や願いをもって、高校生にこの舞台を体験させることになったのか、そのあたりを測りかねるのである。
 休憩時間中や終演後も、彼らの様子からは舞台を楽しんだというよりも、困惑している印象をもった。あくまで表情などをかいま見ての印象であるが。

 むろん「高校生にはまだ無理」とひとくくりにするつもりはなく、若い心に何かが届く可能性はじゅうぶんにあり、今日すぐにわからなくても、何年も経ってすとんと胸に落ちるものがあるかもしれない。

 見知らぬ誰かと時間と場所を共有すること。今日の数時間だけともに過ごした人と、ひとつの劇世界を体験する喜びは、観劇の醍醐味である。たまたまお隣にいた方が、舞台に対してとてもすなおで新鮮な反応をされ、ほんとうに楽しんでおられることが伝わってくると、こちらまで嬉しい。今日みにきて、この席でよかった。お隣のあなたにも「ありがとう」と言いたくなる。

 残念ながら、今回は豊かな演劇体験にはならなかった。高校生みずからが「この舞台をみたい」と希望したのならべつであるが、先生方が選んだとして、主催者側がそれを受け入れたこと、この舞台を選択した意図というものに、いささか疑問がわくのである。

 舞台意外の記載が長くなってしまったが、『炎 アンサンディ』は素晴しい。これだけはまちがいなくはっきりと言えることであり、いっしょに舞台を体験したたくさんの男の子たち、どうか演劇を好きになって、自分からどんどん劇場に足を運ぶようになってほしい、そう心から願うのである。

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演劇集団円 女流劇作家書き下ろしシリーズその1『初萩ノ花』

2014-09-27 | 舞台

*内藤裕子作・演出 公式サイトはこちら 田原町/ステージ円 28日まで
 2005年に行われた次世代の作家シリーズの第2弾。9月に座付作家であり、green flowers(グリフラ1,2,3,4,5)主宰でもある内藤裕子、10月にKAKUTAの桑原裕子、11月に関西演劇界から角ひろみが新作を競う。まずは9月に内藤裕子の『初萩ノ花』から。

 杉田家は埼玉県で農業を営んでいる。長男(山崎健二)は定年を過ぎて工場の契約社員として働きながら、父母の残した田畑やビニールハウスを守りつづけている。独身だ。ほかには亡くなった弟の妻(高林由紀子)と独身の三女(馬渡亜樹)、離婚した長女(谷川清美)と高校生のその娘(牛尾茉由)が同居している。三女は嬉々として伯父の農業を手伝い、結婚しないつもりでいる。次女(岸昌代)は嫁いで家族と東京に住む。

 弟の妻には頼れる実家や親戚がないとのことだが、亡くなった夫の実家に身を寄せるというのは、珍しいのではなかろうか。
 兄は無口でそっけなく、弟の妻はしとやかで優しい印象だ。三姉妹が戻ってくると姦しいのなんの。女きょうだいのある人なら、共感できるだろう。
 しかしこの家族には何かわけがある。言ってはならないこと。ずっと言いだせないこと。それを示すことが、本作のひとつの目的であり、観客にとっての興味である。

 東京には毎日毎晩数えきれないほどの演劇公演があって、とてもすべては網羅できないから、あれこれ悩んで予定と予算を組み、足を運ぶ。
 当然「みたいもの」が最優先になるわけだが、そのつぎはどういうものになるのだろうか。
 「みなくてはならないもの」という表現はあんがい意味が深くて、観劇の必然をどこにどのように持ってくるかは、その芝居によって変わってくるのである。自分の演劇歴のために、勉強として、昨今の世相を鑑みて・・・などいろいろあるが、「みなくてはならない」という気持ちが、義務や責任を越えて、自分の演劇的必然に結びつけられれば、きっと豊かな演劇体験になるだろう。
 「みないほうがいいもの」。演劇の作り手の方々に対して大変失礼な言い方になるが、正直なところ、そういう芝居もたしかにあるのである。
 そしてもっともやっかいなのが、「みてもみなくてもいいもの」なのだ。

 みなくてもいいものをみなかったのなら、何の問題もない。また観劇後に「みないほうがよかった」とはっきり認識できれば、それはそれで良心的であると思う。その劇団、劇作家の作品を、つぎからみなければいいのだから。
 みてもみなくてもいいものという芝居は、何も生み出さない。ただ虚しく、疲れるだけだ。

 『初萩ノ花』は、非常に地味であるし、主役をドンと置いて華々しく盛り上がるものではない。とくに今回は、グリフラの『かっぽれ!』三部作のように、笑いがどかんどかん沸くようなものではなく、舞台の空気が熱くなるまでに時間がかかる。
 長男がいつどのように義理の妹、つまり弟の妻に思いを伝えるのかが本作最大のみどころであるが、ここがあんがいあっさりというか、読めてしまう展開だ。
 これを「男が女にずっと好きだったと言うだけの話じゃないか」とまとめられてもいたしかたない面はたしかにある。最後まで告げないでおくという流れでも劇として成立したかもしれない。
 また長女は学校関係者であることはすぐにわかるが、教師をしていると明確にわかる台詞はなかったように記憶する。それでよいのかそうではないのか、判断ができない。
 杉田家の禁忌が明かされる場面も、劇的に盛り上げてほしいということではなくて、あとひと息こちらをぐっと引きつける可能性が掘り起こせるのではないだろうか。

 しかし単に話の運びを知りたいという気持ちではない緊張の高まりが、今夜の客席にはたしかにあった。はやる気持ちを抑えて、わけありの家族の様子を見守る。縁談がまとまってほしいんだがな、梨農園の長男(玉置祐也)くんと三女は、なかなかいいではないか。でもやっぱり本人の気持ちが大事だし、それより伯父さんと母はこれから具体的どうするつもりなのか・・・などなどいつのまにか「親身になって」舞台に見入っている。
 そんな自分に気づいて嬉しくなるのである。

 この嬉しい気持ちが『初萩ノ花』から与えられた最大の贈りものだ。あまたある演劇公演のなかで、上演されてほしいと願えるもの、必要性のある舞台だと思う。自分にとって「みておかなければならない」、「みてよかった」と思える舞台なのである。

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オクムラ宅『さくらんぼ畑 四幕の喜劇』

2014-09-23 | 舞台

*アントン・チェーホフ作 堀江新二、ニーナ・アナーリナ翻訳(群像社刊『さくらんぼ畑 四幕の喜劇』) 奥村拓演出 公式サイトはこちら東上野・ギャラリースペースしあん 28日まで(1,2,3,4,5
 3年前にも同じ堀江新二翻訳の『かもめ』を上演したオクムラ宅が、これまでずっと『桜の園』の題名で上演され、読まれてきた作品を、ロシアの原語、感覚どおりの『さくらんぼ畑』で上演した。JR御徒町駅から徒歩10分、大通りからいっぽん路地に入ったところに、今回の会場「しあん」がある。築60年の古民家がさまざまな展示会やワークショップ、イベントのスペースになったものだ。『かもめ』を上演した目白の緑豊かな「ゆうど」もよかったが、しあんはもう少し広く開放感があって、なかなか素敵なところだ。
 オクムラ宅は公演のたびに、ちょっとやそっとでは思い浮かばない場所へ連れて行ってくれる。

 上演時間は2時間45分。あいだに10秒の休憩が2回、10分の休憩が1回ある。板の間に座布団、ベンチ、小さな椅子での観劇は身体的には楽ではないが、何とかだいじょうぶであった。表に面したスペースが演技エリアになり、俳優はガラス戸を開けて庭に降りたり、観客が入って来た玄関からも出入りする。通常の劇場とは使い勝手がちがうので、さまざまな不自由もあろうが、それも含めて、作り手は「しあん」のスペースをのびのびと楽しんでいる様子だ。

 今日は終演後に翻訳の堀江新二氏をゲストにトークショーが行われた。昨年の4月16日朝日新聞に掲載の「桜の園じゃなくて さくらんぼ畑?」の記事が参考資料として配布され、これにあるとおり、チェーホフ原題の訳を考え直すところから新訳がスタートしたこと、売れなければ困る出版社は、これまでとおり『桜の園』で刊行するとしていた矢先、東日本大震災が起こった。「あいまいな抒情によりかかるのはやめて現実を直視しよう」。こうして本作は原題のとおり、『さくらんぼ畑』で世に出たというお話を伺う。
 新聞記事や、群像社の『さくらんぼ畑 四幕の喜劇』のあとがきと重複するところは多かったが、堀江氏ご自身が、宮城県石巻市に在住の姪御さんが津波でお子さん3人を失った悲しみのなかにあることなども話され、あらためて311が与えた衝撃の甚大なることを思わされた。

 新劇系の『桜の園』に慣れた身には、実にのびのびと自然体の『さくらんぼ畑』であった。今回はじめて拝見する俳優さんのほうが多かったこともあり、「この役はこんな俳優さん」の既成概念からも解放される体験であった。

 特にロパーヒンを演じた古村勇太(T1project1)は色白で長身、こざっぱりした服のすっきりした印象は、草食系の男子の風情である。とても元農奴の成りあがりには見えない。あくの強い俳優がエネルギッシュに演じるロパーヒンのイメージとはかけ離れているのに、しだいに魅力的にみえてくる。
 これは周囲からさんざん彼との恋仲を冷やかされているヴァーニャ(藤田早織)とのバランスが絶妙であることにもよるだろう。
 この屋敷から立ち去るときがきて、ラネフスカヤが何とか彼らを結婚させようと、部屋に二人きりにする場面だ。ふたりは観客に背を向け、並んで庭をみつめながら会話をする。互いに手を伸ばし、それがつながれた!しかし庭から呼ばれてロパーヒンは手を離し、ふたりの会話は終わるのである。

 今回のオクムラ宅の舞台をみてはじめて、このふたりが惹かれあっていることが自然に思えた。とてもお似合いなのに、なぜか肝心な一歩が踏み出せない。もどかしく思い、話はわかっているのに何とかならないかと気を揉む。こんな体験ははじめてである。

 ほかにも『かもめ』につづいて今回も短パンで登場する村上佳久のエピホードフが、庭でギターを弾き語りするところや、横手慎太郎のヤーシャがガーエフのシャツの襟を極端に立て、噴き出して退場するところなど、なぜここでそうするのかとか、意図や意味は何かなどということを軽やかに越えたおもしろさがあって、オクムラ流のチェーホフを楽しむことができた。

 しかしながら、俳優の台詞の言い方、演技については納得しかねるところ、理解に苦しむ面も多々ある。ヴァーリャとアーニャ(日野あかり)は、なぜあそこまで小声で話すのか。たんに声が小さいだけでなく、演技なのか資質なのかわからないくらい舌足らずなのである。自然な日常会話をとの意図なのか、それにしても聞きとりにくい。
 反対に、なぜここまで大声で大仰な演技になるのか意味不明な登場人物も複数あり、場面によっては直視するのが苦痛に感じられるところもあった。

 芝居はあくまでも虚構であり、現実ではない。けれどもそこに一片の真実を求めるとき、どのような台詞術、演技が必然であるかはもっと検討する余地があるのではないか。
 奥村拓は、とても研究熱心で、しかも新鮮で柔軟な発想をもつ演出家だ。また堀江新二氏はスタニフラフスキーの『俳優の仕事』の翻訳もなさっており、劇団の養成所とはひと味ちがう大阪の「シアター・コミュニケーション・ラボ」で所長をつとめておられる。つまり翻訳だけでなく、俳優の演技についての研究者で、こういった方の応援があってチェーホフに取り組めるのは、大変な恵みであると思う。

 オクムラ宅のチェーホフは斬新で新鮮であると同時に、原作の根本に立ち返り、それまで知らなかった世界を観客にみせてほしいのだ。あれもこれも要求しているようで心苦しいのだが、楽しい体験ができたことを感謝しつつ、敢えて苦言も呈する次第である。

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価格:¥ 972(税込)
発売日:2011-07

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unks第5回公演「二本の二人芝居」より『命を弄ぶ男ふたり』

2014-09-22 | 舞台

*岸田國士作 公式サイトはこちら 新宿ゴールデン街劇場 23日まで
 文学座の若手俳優によるユニットの公演で、上田桃子と増岡裕子の二人芝居、別所文+竹内銃一郎作『かごの鳥』の交互上演が行われる。
『命を弄ぶ~』は、なぜか数回みており→1,2 さらに風琴工房公演も観劇したが、ブログ記事がない。「書きにくい演目」なのだろうか。

 開場が告げられて中に入ると、すでに眼鏡の男(細貝光司)が板付きになっている。場内は薄暗いが、小さな劇場で観客がすぐ目の前にいる状況での板付きは、お互いに居心地の悪さがある。そこに顔を包帯でぐるぐるまきにしたもうひとりの男(斉藤祐一)がやってきて、物語がはじまる。

 男たちはいずれも死ぬつもりで鉄道線路の土手にやってきた。こんな時間にこんな場所にひとりでやってくるだけで、相手の目的がわかる。戯曲には男ふたりに名前はない。「眼鏡」、「繃帯」と、あたかも記号のように記され、それぞれ「センチメンタルなことは嫌いな男ですがね」(繃帯)、「人一倍物事を考える方」(眼鏡)と、自分の性格の特徴を分析してみせる。
 応用化学の研究中に薬品が爆発して顔に大やけどを負った繃帯には愛らしい許嫁がおり、やけどの跡がある顔をみてもなお、彼を愛していると泣くのだという。
 一方、眼鏡にも恋人がいたのだが、俳優をしている彼に女優との醜聞が起こり、それを悲しんで亡くなったというのだ。
 ふたりとも自分を心から愛してくれる恋人がいる、あるいはいたにも関わらず、その愛を受けとめ切れずに死のうとしている・・・という解釈で合っているのかしら。
 というのは、何度見てもふたりの男が死ぬまで追いつめられていることが理解できないのである。ほんの少し歩けば踏切があるところまで来ていながら、ふたりとも実にいきいきとよくしゃべり、自分の心を冷静に分析して、相手の気持ちを慮る。消耗していまにも死にそうどころか、活力に溢れているといってもよいくらいだ。
 これは岸田國士のなかでは、たとえば『屋上庭園』や『驟雨』などのリアリズムの芝居ではなく、『風俗時評』のような一種の寓話劇ととらえるのが妥当であろう。

 これがつまづきになると舞台を楽しむことはむずかしいのだが、今回は幸いにも、「改めて言い分を聞いてみよう」と前のめりでみることができた。いや、それでも理解できたとは言えないのだが。

 もしかすると、ふたりの男はひとりの男であり、「死にたい」と「死にたくない」、あるいは「死んではならない」という葛藤に苦悩しているのではなかろうか。自分の人生にはもう希望はないが、君はこれからどんな仕事でも恋でもできる、だから死ぬのはよしたまえと諌めながら、自分は相手の手を振り払って線路に飛び込もうとするも、思わずなのかわざとなのか、失敗してぬけぬけと戻ってくる。
「命を弄ぶ」という題名そのものであり、彼らは自分の命であってそうでないような、「何かに弄ばれている」とも言えよう。
「こうなると命なんていうものは、誰のもんだかわからなくなるね」という繃帯の台詞が、あとになって効いてくるのである。

 上演後、本編に発想を得た『90年後のおまけ』(斉藤祐一作)がつづけて上演される。今度は富士山の火口付近に、やはり自殺志願のふたりの男が訪れるという物語だ。

 台詞のひとつもおろそかにできない本編の直後であるにも関わらず、若い俳優はエネルギーがありあまっているのか、まさに現代版『命を弄ぶ男ふたり』もなかなかおもしろかった。 片方の男が演劇をやっているという設定もあって、舞台俳優業の裏事情や本音などもいささか自虐気味に描かれていて客席をわかす。もうひと息、刈りこんで凝縮した舞台になるのではないか。

 文学座という老舗の劇団に所属すると同時にユニットを結成し、公演を重ねることがどれほどの労苦を伴うものなのかはわからないが、どうかこれからもさまざまな作品に取り組み、試行錯誤しながら継続してほしいと願っている。

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