因幡屋ぶろぐ

劇評かわら版「因幡屋通信」主宰
宮本起代子による幸せの観劇記録。
舞台の印象をより的確により豊かに記せますよう・・・

唐組第60回公演『動物園が消える日』

2017-10-29 | 舞台

唐十郎作 久保井研+唐十郎演出 公式サイトはこちら 明治大学10号館裏猿楽通り特設紅テント、雑司ヶ谷・鬼子母神、静岡・駿府城公園富士見広場、金沢市民芸術村・憩いの広場特設紅テント 11月18日まで1,2,3,4,5
「演劇キック」より久保井研インタヴュー
http://kangekiyoho.blog.jp/archives/52037125.html

カンフェティより、久保井、藤井由紀インタヴュー
http://www.confetti-web.com/sp/feature/article.php?aid=346

 初日から雨がちで、台風も2度来襲。この季節にここまで雨に降られる公演も珍しいが、何があっても開幕するのが唐組の紅テント公演。今回は前半に行われた唐組による朗読ワークショップについても合わせて記載する。

 本作の初演は1993年秋。石川県金沢市で実際にあった金沢サニーランドがモチーフとなっている。映画館や小遊園地、温泉施設なども併設され、ちょっとした総合レジャーランドであったが、経営不振で閉園となった。そのいきさつが報道されたテレビ番組で、興行主のコメント(かなり自暴自棄な内容だったらしい)に触発された唐十郎が金沢を訪問し、当人とも面談したとのこと。
 閉園された動物園、よそに引き取られていった動物たち、従業員として
働いていた人々が、懐かしい職場、同僚たち、可愛がっていた動物たちを忘れられず、上野動物園の近くにある小さなビジネスホテルのロビーに吸い寄せられる。モギリの四人娘、飼育係たち、お菓子会社のビジネスマン、ゴリラの檻に入った動物学者とその姉(と称する女)、ホテルの支配人たちが、ホテルの狭いロビーで繰り広げる2時間の物語である。

 荒唐無稽な設定ではあるが、唐十郎戯曲は台詞の一つひとつが緻密に記されていることが実感できたのは、前述のワークショップであった。座長代行で演出をつとめ、俳優としても出演する久保井研は、ワークショップ参加者一人ひとりに役を配し、ト書きから読みはじめ、場面が終わるといったん止めて、「ここまで読んで、わかったことは何だろう?」と参加者に問いかける。設定された場所はどこか、煙草を吸っている女性は何者か、次にやってくる人々とは過去にどのようないきさつがあったのか

 むろん最初からすべてがわかるわけでもなく(わかったら劇としておもしろくありませんね)、ほのめかされたり、察せられたり、程度はさまざまである。読む人は、はじめてその場にやってきた観客と同じ気持ちで怖々と台詞を発し、また後戻りして最初から読み返す。少し情報を得てから読む台詞は、声の強さや深さが一回目とは明らかに変わる。

 演じる俳優は台本を読み込んで台詞を覚え、稽古を経て本番の舞台に立つのだから、ホテルのドアに押し入った巨大バケツが何なのか、中に誰がいるのか、カーペットのなかに何が(誰が)潜んでいるのかも知っている。けれど客席のわたしたちと同じ、「何も知らない」態で驚き、怒ったり泣いたりするのだ…と考えると、いったい戯曲というのは、演劇、観客の関係性とは何なのだろうと、今さらながら基本的なことが頭を回りはじめるのである。 

 観劇後にもう一度台本を読み返し、できれば朗読して、もう一度二度と舞台を見れば、作品のおもしろさ、唐十郎の台詞の魅力がいよいよ手ごたえをもって感じられるようになるだろう。しかし現実問題として、何度も観劇することはむずかしく、となると一回の観劇で多くを知ろうとしても、台本を読み込んでいない後半になるとだんだん頭での理解がむずかしくなる。しかし後半は中堅、ベテランの俳優と若手俳優の絡みがおもしろくなり、前半とは心身のちがう部分が楽しみはじめることがわかるのである。

 唐十郎作品は、意外と言っては失礼だがト書き部分にもおもしろさ、というか戯曲を読む人、それもはじめてこの作品に触れる人のことを「考慮」した書き方がされている。たとえば今回の作品で言えば、ビジネスホテルの玄関に謎の大バケツが置かれ、それに関する元飼育員たちのやりとりのあと、不意に大バケツの横っ腹がドアのように開く。すると一人の白い背広の男がそこにしゃがんでいるのが見える。

 彼の役名は「その男」である。動物学者の田口との短いやりとりののち、ト書きには「その男、立ち上がる。これを灰牙という」と書かれ、そこから先、彼の役名は「灰牙」と記されるのである。同様のことが昨年の『夜壺』でもあり、登場からしばらくは「見舞い客」だった女性が、会話相手の有霧から「織江さん」と呼ばれると、ト書きに「という名であった」と記され、以後「織江」として会話が進んでいくのである。

 唐十郎の戯曲は、台詞とト書きで構成された一種の小説という見方もでき、むろん戯曲を読まなければこういったことはわからないのだが、知ってから舞台を見ると、多少の予備知識があるにもかかわらず、ニュートラルな気持ちになれるから不思議である。ワークショップでは、作品の前半の40ページあたりまでが読まれた。そのあと実際の舞台を見ると、やはり台本に書かれた台詞を目で読み、朗読される台詞を聞いたことは想像以上の「学習効果」があり、はじまったばかりの物語にぐいぐいと引き込まれる。しかしところどころ台詞のかけあいのタイミングや、俳優の呼吸とこちらの観劇の呼吸が合わずに、きっちりと「聞き取れた」実感のない台詞があって、これはむろん聞き手である自分の問題でもあり、むずかしいところである。

 そして戯曲を読んで舞台を見、さらに戯曲を読み返してもう一度舞台を見たらどうなるのだろうか。単に理解の度合いが深まるだけでない、見る者に何かもっとちがう力が及ぶように思われるのである。久保井研はワークショップ後半で、「自分は唐さんの言葉がおもしろくて芝居を続けている」と話した。自分は読み手に親切なト書きや、「ほえづらかくな、サムにおごるカツ丼に」、「てめえら、ビジネスで苦しめ」、「飼育係の三々五々」などなどの台詞をおもしろがっているが、この先自分の頭や心がどう変わっていくのか、楽しみでもあり、少し怖くもあるのである。

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劇団印象第22回公演『子ゾウのポボンとお月さま』

2017-10-20 | 舞台

*鈴木アツト作・演出 公式サイトはこちら 東中野・RAFT 22日で終了 (1,2,3,4 5,6,7,8,9,10,11,12,13,14,15,16,17,18,19,20,21,22,23) 
 公演チラシには「子どもと一緒に観る演劇シリーズ第2弾!」のキャッチコピーが躍る。観劇対象は3歳からだが、公演中数回、0歳の赤ちゃんでも入場できる日が設けられている。開演前鈴木アツトは「もしお子さんが泣き止まなかったらこちらの出口からいったん出て、泣き終わったら再度ご入場ください」と子ども連れの観客に温かな配慮を示す。自分が行ったのは平日の夜公演のせいか、子どものお客さんは多くなかったが、それでも主催者側にあらかじめこのように言われると親御さんは安堵するであろうし、他の観客も「そのように受けとめよう」と心の準備ができる。

 台詞は少なく、動きと音楽、ダンスで表現されるおよそ40分の物語だ。4人の俳優たちは登場人物…といってよいのか、もしかすると動物かもしれず、風や雲、木々などとも感じられる自在な空気を纏っている。それぞれがアルミのコップなどを鳴らして音楽を作る場面は、台詞なしでもじゅうぶんに楽しさが伝わるものだ。やがて登場する子ゾウの「等身大パペット」については、作・演出の鈴木アツトがタイはチェンマイの「エレファント・キャンプ」を訪れた体験を基に物語を書き、俳優がパペット(人形)の中に入ったり、鼻を操ったりする趣向は文楽の手法を取り入れたとのこと。ポボンの長い鼻は蛇腹状に見えたが、鼻の太さの輪切り型(ここ、うまく書けない)が丹念に繋げられており、どんな素材かわからないが先端にはバナナをくっつけることができる。

 子どもたちとバナナのやりとりをする場面もあるが、いわゆる客いじりや観客参加型というほどではなく、子どもたちに文字通りお芝居の手触りを伝えつつ、きっちりと物語を運んでゆく。決して感動巨編ではなく、教訓的な内容でもなく、非常に淡々としたものである。子どもたちと親御さんのコンディションを考えると、40分は妥当な上演時間であり、劇全体のボリュームであろう。しかし正直なところを言えば、もう少し手ごたえがほしい(時間的に長い芝居を、ということではなくて)。これまでの鈴木アツトの作品、取り組んできた企画等々を思い起こすと、子どもと大人の観客が楽しめる舞台にもまだまだ発展の余地が多くあると思われる。

 演劇集団円の「こどもステージ」や、「子供のためのシェイクスピア」に勝るとも劣らない、劇団印象の鈴木アツトにしか作れない舞台に出会う日が訪れることを心から願っている。

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板橋ビューネ2017参加 サイマル演劇団 イヨネスコ作『授業』

2017-10-19 | 舞台

・ウジェーヌ・イヨネスコ作 赤井康弘演出 板橋ビューネ2017サイトはこちら 板橋サブテレニアン 22日まで(1
 昨年サブテレニアンにて、ちがう劇団による『授業』を観劇し(1,2)、同じ劇場で3度めの本作となった。因幡屋の『授業』歴については、1に書いております。サイマル演劇団の『授業』は、2012年に神楽坂ディプラッツで初演ののち、今年5月、韓国の礼山で行われた「礼唐国際演劇祭」で再演、今回が凱旋公演となる。

 演出によって、座組によって、さまざまに変化しうる柔軟性と、相当な荒技力技をもってしても、戯曲の核が壊れない堅固な構造を持っていることとは矛盾しない。両立するのだということを改めて実感する。

 今回の『授業』は客入れから時計の振り子の音がずっと鳴らされている。やや耳に障るほどの音量である。場内が暗くなり、開演の導入で流れてくるのは、きゃりーぱみゅぱみゅの「CANDY CANDY」。なぜこの曲なのかはわからないが、見る者の気持ちを弾ませることは確かで、明転すると、女生徒(岩澤繭)は既に部屋の中央にすっくと立っている。金髪のショートボブにふっくらした頬、黒い瞳は生き生きと光り、白い半袖のブラウス、ミニのフレアスカートから伸びた腕や足にも若さが漲る。上手奥の車椅子に座って登場する教授(山本啓介)は顔を白塗り(といっても歌舞伎の化粧ほどではない)にしている。女中(葉月結子)は、何か巻いているのか、下半身が異様に大きい。音楽はいつのまにかパッヘルベルの「カノン」の美しい調べに替わっており、そのあいだも時計の振り子は鳴りつづけている。

 渋谷ジャンジャンで見た、中村伸郎直伝(という認識でよいと思うが)の『授業』における中山仁の教授と中村まり子の女生徒や、アドリブを多発しながらも、戯曲の構造を変えない東京乾電池の柄本明の舞台とは、明らかに異なる空気だ。教授は異様にテンション高く台詞を発し、女中は前述のような衣裳で、腰を落とした姿勢をとり、能役者のような摺り足で、女生徒と教授がやりあう周辺をゆっくりと歩き、声も非常に大きい。女生徒が唯一日常的なものを持ち込んでくる存在なのであるが、彼女もまた舞踊のような動きを見せて、舞台の緊張感を否応なく高めている。

 さらに大きな特徴は、冒頭とラストシーンに棺おけに釘を打つ音をさせなかったところだ。この趣向については、自分の中で躊躇と受容の異なる感覚が湧いてきて、それが今回の観劇の収穫となった。

 冒頭では、導入の仕掛けとして「この音は何だろう」と観客に疑問を抱かせる。そして終幕、殺してしまった女生徒を教授と女中が抱えて奥へ運ぶ。そこに聞こえてくる、同じあの音。そうだったのか!途中の段階で、訪れる女生徒を教授が次々に殺していることは徐々に示されており、観客にとってもわかりやすい流れではある。しかしはじめての観劇なら、「あの音は!」と衝撃を受けるに多大な効果があり、『授業』リピーターであっても、「あの音」を聞く終幕に向かって気持ちを高めていけるのである。

 サイマル演劇団の『授業』から聞こえてくるのは、声にならない死者たちの声であろうか。時計の振り子の音は、棺おけを叩く音に代わる効果音かとも思ったが、演出の赤井が当日リーフレットに「循環性をモチーフとした作品」と記しているように、飽くことなく繰り返されている殺人、もしかすると教授と女中の二人だけの行為ではなく、世界のどこかで絶え間なく行われている夥しい殺人行為(戦争、内紛を含めて)を示すものであるとも考えた。

 女中は前述のような動きをしながら、腰に巻いたものを少しずつ外して床に落とす。それは夥しい量の女の子の服であった。棺おけを見せず(感じさせず)、ブラウスやセーターなどで、死者の存在、生きていたときの少女たちの体温や、叫び声までもが迫ってくるよう。
 
不意に想起されたのは、ユダヤ人絶滅収容所に残された大量の服や髪の毛である。『授業』終盤では、女生徒の金髪は吹っ飛び、ブラウスを脱がされる。もしかすると彼女は棺おけにも入れられず、服を剥ぎとられ、髪の毛も切られてそのまま埋められたり、焼かれたりするのではないか。町なかのアパートメントの一室で行われている殺人が、空前絶後の大量殺戮のひとつの風景として描かれているようにも思われた。

  緩みの一切ない演出で、舞台の空気は終始張りつめている。しかし思いのほか爽快感があり、その理由は、冒頭とカーテンコールで流れた歌のせいであろうか。きゃりーぱみゅぱみゅの「CANDY CANDY」。軽く可愛らしく、まさにポップな曲である。だからといって、劇の雰囲気が壊れたり、別ものにならなかったのはなぜだろうか。

 わたしが『授業』を見る楽しみのひとつは、目の前の舞台から、あの昭和の名優・中村伸郎の教授を想像することである。これまで見た『授業』のどれとも違い、けれどどこかに匂わせるもの、通じるものがあるのではないか。こうして心のなかの『授業』はどんどん変容していく。幸せなことである。

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劇団1980公演 vol.66『素劇 楢山節考』

2017-10-10 | 舞台

深沢七郎原作 関矢幸雄構成・演出 公式サイトはこちら 両国/シアターχ 15日まで
 その名の通り、1980年に結成された劇団1980の公演を見るのは何と今回がはじめてである。劇団主宰者である藤田傳作・演出の作品を中心に、三味線や太鼓、口三味線に歌を取り入れたオリジナル作品を幅広く取り入れ、演劇鑑賞会や学校公演など日本国内のみならず海外公演も行う。
 なかでも「素劇」(すげき)という独自のスタイルは、日本のレコード歌謡草創期の歌手・佐藤千夜子の生涯を描いた『素劇 あゝ東京行進曲』で高い評価を得た。
 今回の『楢山節考』は昨年2月、下高井戸HTS(非常に小さな劇空間とのこと)で初演された。奇しくも今年は深沢七郎の没後三十年の年にあたり、主人公りんに
阿部壽美子(1,2)を迎え、両国はシアターχにて再演の運びとなったものである。

 さて劇団1980の「素劇」について、さまざまなwebサイトや今回の観劇から、リアルな舞台美術や衣装、メイクなどを取り除き、俳優のからだと黒い箱、白いロープによってさまざまな場所やものを自在に作っては壊し、また新しいものを作りながら観客の想像力を呼び覚まし、より豊かな劇世界を構築する試みであると理解した。
 再演の『楢山節考』も、俳優は全員紺色の作務衣のような衣裳を着て、白いロープを数人で家の形に広げたり、黒い箱を積み上げて山にしたり、飯の場面は茶碗も箸も使わずパントマイムで(しかし椀に入った汁の温かさが伝わる)等々、非常にシンプルな作りである。

 小説の完全戯曲化ということではなく、地の文も俳優が読み上げながら進行する。この形式の効果は、舞台の話の流れが非常にわかりやすくなること、(おそらく)おりん役を除いて、俳優は語り手になったり、村人や動物や植物はじめ森羅万象を次々に演じ継ぐことで、観客の想像力が呼び覚まされ、リアルな映像よりもずっと豊かなものが目の前に広がっていくことにある。

 演劇倶楽部『座』公演の『おたふく』(山本周五郎原作 壌晴彦構成・演出 2006年2月シアターvアカサカ)を思い出す。作り手の心が伝わる温かな舞台だったが、「詠み芝居」の形式という点で、しっくりこないところがいくつかあった。

 1980の素劇は、あのときの「なぜしっくりしないか」という感覚を気持ちよく解消してくれるものであり、俳優が読むこと、動くこと、台詞を発すること、演じることのバランスの取り方が実に巧みで、それがテクニックを超えて、見る者の心に強く訴える力を発していたためと思われる。

 『楢山節考』は、老いた親を山に捨てる、つまり姥捨の話である。おりんは見事なまでに達観し、みずから進んで山へ行こうとするが、その分「捨てる側」である息子の苦悩は壮絶であり、山へ登るにつれて亡骸があちこちに横たわり、鴉(これも俳優が演じる)が増えていく様相の描写はからだが震えるほどであった。

 山へ入ったおりんの頭上に雪が降ったことを、孫娘は「うちのおばあやんは、うんと運がいい」と無邪気に喜び、それまで「早く山へ行ったほうがいい」と言い募っていた孫息子がにわかに打ち萎れ、食い意地の張ったその嫁におりんの形見の綿入れを着せてやる後添いの妻ら家族の様子を見つめて、悲嘆の極みにあった息子は自分もやがて同じ定めであることを思いつつ、温かな笑顔を取り戻し、出演者全員が祭の歌を歌い、踊りながらの終幕となる。ここに本作の救いと希望があり、陰惨な姥捨物語であるにも関わらず、清々しい心持ちで劇場をあとにできたのである。

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日本のラジオ『カーテン』

2017-10-08 | 舞台

*屋代秀樹作・演出(1,2,3,4,5,6,7,8,9
 MITAKANeXTSelection 18th参加作品
 公演チラシに次のような文章が掲載されている。
「わたしは わたしの 居場所がなかった。
 わたしは わたしの 居場所をつくろうとした。
 わたしは わたしの 居場所をこわした。」

 この謎めいた詩のようなつぶやきは、次のように続く。「某国における独立派武装勢力による国立劇場占拠事件は 特殊部隊が化学兵器を用いた突入を敢行し 人質多数を巻き込みつつも 武装勢力の全滅により終結した」
 これは、2002年10月に起こったモスクワ劇場占拠事件(Wikipedia)がモチーフになっていることを、公演終了後に作・演出の屋代がツイッターに示している。そのほか作中の人物名(覚えにくい!)の由来なども「元ネタ」として連続ツイートされており、これは観劇前に明かせないなと思った次第。
 さてチラシのメッセージは次のように結ばれる。
「夢と死と生活と暴力にまつわる ひとごとのお話」
 ここを読むだけで
見る前からすでに翻弄される感覚があり、観劇から数日経って、あの日の舞台の印象と、この短い文章が持つ不可思議な何かは見事に一致した。

 日本のラジオが星のホールで公演を行うことを知ったとき、「一気に大きなところへ来たな」という印象を持った。少し構えながら足を運ぶと、客席は横長に設置され、目の前にカーテンがある。開演前のアナウンスは、劇場を占拠したテロリストによるもので、カーテンが左右に開くと、目の前に劇場の客席が現れるのである。登場人物は15名、いつもの日本のラジオに比べると多い印象だ。中規模程度の座席数のある客席に人物が数名ずつ点々と配置されている。顔にオレンジのカバーをかけているときは人質で、人質役だけを演じる俳優もあるが、顔のカバーを外してテロリストとして演じる俳優もあって、この構成が巧みでもあり、見る方にとってはいささか混乱するきらいも。
 
 パンフレットには例によって各人物ごとに詳細なプロフィールが記されている。テロリストも人質も過去や背景はなかなか複雑で、しかも過去公演のように、実際の物語にはほとんど反映されていないのではなく、相当に重要な情報が満載であった。
 物語は、彼らが個々に交わす会話が「点在」して、劇場が占拠されて制圧されるまでの数日間であることはわかるのだが、各人物の性質、人々の相関関係を探り、構築して物語の経過を味わうということが非常にしづらい作りになっている。

 これまで見た日本のラジオの公演は、いずれも小さな空間であり、いつのまにか自分の中に「小さめに捉える」体質ができていたようである。これは固定概念にほかならず、観劇の幅をみずから狭めるようなものだ。ある劇作家、劇団の舞台を続けて見るようになったら要注意。意識してそれまでのイメージをいったん置き、新しい気持ちで目の前の舞台に向き合うことを心掛けたい。

 今回の作品は、中央と地方、地方の土俗的な宗教と、そこに政治思想を貫くための武力闘争が加わることなど、個々の人物を超えた複雑で恐ろしいものが存在する。日本のラジオのメンバーはじめ、常連の客演陣も、「いつもの感じ」+「地味な新境地」的なものがあって、それぞれが「わたしの居場所」を探し、作り、壊していった惨劇(それが起こる直前で劇が終わる)をさまざまに想像させるのである。

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