因幡屋ぶろぐ

劇評かわら版「因幡屋通信」主宰
宮本起代子による幸せの観劇記録。
舞台の印象をより的確により豊かに記せますよう・・・

因幡屋久びさ俳句日記

2014-07-31 | 俳句

 新しい月の観劇予定と句会をいっしょに記事にしておりましたが、このたびは因幡屋の俳句日記単独でお届けいたします。
 これまでの句会関連の記事はこちら→1,2,3,4,5,6,7,8,9,10,11
 8月の句会の兼題は、金星句会が「初秋」と「カンナ」、演劇人句会が「終戦記念日」と「相撲」。 立秋の8月7日ごろから暦の上では秋でありますから、「もう夏の季語の句は出さないように」とのこと。これは初学者にはむずかしいことなのです。気持ちの切り替えができない。こんなに暑いのですから(苦笑)。いまのうちに「浴衣」、「氷水」、「お化け屋敷」などで作っておきますか。
 今年の夏は3年ぶりに故郷でお盆を迎えますので、「帰省」でも詠んでみましょう・・・というより、もう締切まであまり日にちありませんよ。

 先日の演劇人句会の兼題のひとつは「夏芝居」でありました。夏の芝居といえば、因幡屋にはすぐに若手がおおぜい出演する八月納涼歌舞伎の熱気が思い浮かびます。歌舞伎座公演がいつもの昼夜の二部制から、時間も料金も少し緩んだ三部制になり、人間国宝級のベテランがひとやすみするかわりに、若手役者が大役に挑みます。 怪談ものが多いのは、背筋の寒くなるような話で観客を涼しくするというより、若手のがんばりで暑さをぶっとばせ!の勢いがあって、大好きです。
  しかし季語の「夏芝居」は、昔のことでエアコンもなく、暑さために客足は落ちる、本興行は休みで売れっ子は出演せず、未熟な若手やパッとしない役者が打つ 芝居・・・といった何と言いますか「イケてないない感じ」がベースにあります。作句のときは自分の感覚や意識ではなく、まずは本来の意味を踏まえることが 大切と教わりました。

 金星句会では、このたび世話役の方がご著書を上梓され、それをお祝いしての「贈答句」を詠む企画がありました。通常の句会では兼題に添って作句するのですが、贈答句の場合はお祝いの内容、贈る相手のことを句の中心にします。
 これがとても楽しかった。勢ぞろいしたお祝い句をみると、自分の句はさておき、皆さん素敵な句ばかり。「いつもの句会より出来がいいのでは?」という声が出るほどでした。

 これは句を贈る(読んでもらう)相手の存在、お祝いの気持ちを届けるという目的、このりょうほうが確実にあるためではないでしょうか?金星句会指南役の方が繰りかえしおっしゃるのは、「俳句は読む人にわかってもらわないといけない」ことでして、自分だけの体験、気持ちだけではとうてい句会で選句していただけない。読んでくださる人の存在あっての俳句であり、句会であるわけです。

 6月の鍛練合宿句会ではじめて「一字詠み込み」俳句というのを体験しました。本郷の「鳳明館」に宿をとりましたので「明」の一字を、また坂の多い本郷周辺にちなんで「坂」の一字を俳句のなかに入れるわけです。俳句ならではの遊び心ですが、これがなかなか大変。つまり「明」も「坂」もそれじたいは季語ではありませんから、一字を入れつつ季語も入れなければ俳句にならないと。
 前述の贈答句でも、相手のお名前の一字詠み込みをいたしました。たとえば「松重豊」なら(笑、いや笑ってことないか)、句のなかに「松」 「重」、「豊」のいずれか一 字を入れて、「松の木の~」、「~重なる何とかの」、「何とか何とかの豊かなる」という句をつくるのです。たとえの句が下手ですみません。お上手な方ならこうしたときもささっと見事にお詠みになるのですが・・・。
 どうしても詠み込みの一字を活かしたいと思いますから季語がなおざりになったり、無理が生じたりします。
 与えられる兼題にひたすら向き合うのはもちろん大切ですが、ときにはみずからに課題を与えるのもいいかも。まず夏休みの課題は家族の名前から一字詠み込みの四句です。句会のお仲間を控えめにお誘いしつつ、猛暑の日々に「初秋」や「新涼」の句をがんばってみます。

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劇団民藝稽古場特別公演『アンネの日記』

2014-07-29 | 舞台

*アンネ・フランク原作 フランセス・グッドリッチ/アルバート・ハケット脚色 丹野郁弓翻訳・演出 公式サイトはこちら 川崎市黒川/劇団稽古場 21日で終了

 ユダヤ人少女アンネ・フランクがナチスドイツの迫害を逃れて隠れ棲んだ2年間の生活をつづった日記は、家族はじめともに隠れた8人のなかでただひとり生還した父親のオットー・フランク氏によって1947年に出版された。1955年にはアメリカで劇化され、映画化もされている。
 劇団民藝の菅原卓が舞台の台本をいち早く入手して翻訳し、日本で1956年に初演、いらい1700回を越える劇団最多上演演目となった。アンネ役は若手女優の登竜門となり、吉行和子、阪口美奈子、樫山文枝、日色ともゑをはじめ多くの女優を輩出している。
 2001年に丹野郁弓が翻訳と演出を引き継ぎ、新しい配役で2011年に再スタートを切った本作が2013年に続いて上演の運びとなった。一般公募によるオーディションでアンネ役を射止めた新人八木橋里紗の母上は、8代目アンネを演じた故・成田美佐子である。

 民藝屈指の財産演目でありながら、筆者は今回ようやく上演をみることができた。川崎・黒川の劇団稽古場の客席は、夏休みに入った子どもたちもいて満席の盛況である。

 サブタイトルに「プロローグとエピローグのある二幕」とある通り、舞台は1945年11月の遅い午後、ただひとり生き残ったオット―・フランク(千葉茂則)が隠れ家を訪れ、潜伏に力を貸してくれたミープ(飯野遠)、クレイマン(山梨光圀)と再会し、保管されていた娘アンネの日記を手に取る場面にはじまり、そこから1942年にさかのぼって、1944年にゲシュタポに逮捕されるまでが時間の流れに沿って描かれ、そして最後は再び最初の場面に戻って幕を閉じる。

 前述の千葉、飯野、山梨に続き、母エディット白石珠江、姉マルゴー平山晴加、同居したファン・ダーン夫妻に吉岡扶敏、細川ひさよ、ペーターに本廣真吾、歯医者のデュッセルに齋藤尊史。まさにベテランから中堅、若手まで適材適所の配役だ。
 アンネ役が17代目を数えるだけでなく、1990年にペーター役でデヴューした齋藤尊史が歯医者のデュッセルを演じるなど、劇団の長い歴史のなかで育まれた宝を珠のように愛で、精魂込めて作られた舞台である。

 このような作品を演出はこう、俳優の演技はこうといった具合に批評することは非常にむずかしい。かといって感動的な舞台だとひとくくりにすることにもためらいがあって、しかもとうに千秋楽を迎えてしまったこともあって(苦笑)、どうにもことばが出てこない。

 2013年上演版のパンフレットに掲載された翻訳・演出の丹野郁弓の「雑記」によれば、2011年の新メンバーの座組みになって初めて、「スタッフ、キャストから戦争体験者がいなくなった」とのことだ。来年で戦後70年になるのだからいたしかたないことである。戦争をリアルな実体験として知る世代はそう遠くない将来、存在しなくなるのだ。

 不遜な言い方になるかもしれないが、そのことに対していたずらに心を騒がせるのではなく、むろん綿密、慎重にさまざまな資料にあたり、想像力のありったけを駆使して、何より謙虚にならねばならないが、実体験がなければ作れない、語れないと恐れることはないのではないか。この点はもっと考えを深めて書いていきたい。ひとまずここで終わる。

 イスラエル軍によるガザ攻撃はいっこうに収まらず、無辜の市民が殺されて両者はいよいよ憎しみを募らせている。日本では「アンネの日記」や関連書籍が破られる事件が起きた。日々の報道をみるにつけ、それでもわたしたちはアンネのように、「周りは悲しいことだらけだけど、それでも人間の心の中は絶対に素晴しい」と信じることができるだろうか。

 舞台は父オットーが娘の遺した日記を抱きしめて、「わたしはアンネに恥ずかしい」と振り絞るような声でつぶやいて幕を閉じる。希望の光が差し込むようなメッセージが告げられて終わると予想していた自分の甘さに打ちのめされながら、非常に重く痛々しい終幕であったことをまだじゅうぶんに受けとめられないでいる。これは父というもっとも身近な人の個人的な悔恨を越えて、いまのわたしたちもまた同じ心持ちにならざるを得ないことを突きつけられたのではないだろうか。
 アンネのことを考えるとき、いつも思い浮かぶのが新約聖書の「一粒の麦は、地に落ちて死ななければ、一粒のままである。だが、死ねば、多くの実を結ぶ」(ヨハネによる福音書12章24節)である。アンネは戦争によって理不尽に人生を断ち切られた。しかし遺した日記は世界中に広まり、数えきれない人々に読み継がれ、多くのものを与えつづけている。結んだ実のひとつが民藝の舞台『アンネの日記』であり、それをみた自分もまた何らかの実を結びたいと祈り願うのである。

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くちびるの会第1回公演『旅人と門』

2014-07-23 | 舞台

*山本タカ作・演出 公式サイトはこちら 渋谷ギャラリー・ルデコ5F 27日まで
 声を出すと気持ちいいの会(コエキモ)主宰の山本タカ(1,2,3,4,5,6,7,8,9)が、新しい創作の場を立ち上げた。何年もともに舞台を作りつづけてきた仲間ではなく、他劇団の俳優たちと芝居を打つ。劇作家、演出家としての自分、俳優、劇団のありかた。それぞれに可能性を求めての試みであると想像する。
 コエキモには2010年晩秋から通っているので、舞台をみるたびにおなじみの顔ぶれに再会できること、適材適所はもちろんだが、配役や造形にハードルを上げて取り組む様子などを嬉しくみていた。今回はその懐かしさがないぶん、新鮮で刺激的な舞台ではないだろうか。

 ルデコ5Fにはみごとなまでに何も置かれていなかった。俳優は上手と下手、客席の通路も使って出入りする。5歳の哲と両親が暮らす近未来のこの国。哲のうちのトイレは科学が支配するカッパの国とつながっていて、そこでは人間の夢をエネルギーにしている。盗まれた夢を探して、哲の旅がはじまった。

 夢と科学。この相反するもののがどのように拮抗するか、融合に導かれるか。これが劇作家が本作を通して示したいものであると思われる。

 ときおり思うのは、劇作家というのは、いったいどのような思考を重ねて戯曲を書くのだろうか。実在した人物の評伝であれば、その人物に関する資料や映像にできうる限りあたって材料を揃え、吟味する。書きたいテーマ、使いたいモチーフをどのように料理し、舞台に乗せるか。リアリズムの作品であればどうにか想像がつくのだが、SF風の設定やファンタジックな作風の場合、あまり理詰めで考えずに心を委ねるくらいのゆとりをもって舞台に接したほうがいいのだろうが、ついつい「〇◎は△▼の象徴だろうか」、「ここがあれにつながって」といった具合に、目の前の事象を整理整頓、交通整理しながらみる傾向がある。なのであまりに「ぶっとんだ」作品になると早々にお手上げになってしまう。
 じつは野田秀樹という方の舞台を、自分はきちんと理解できたことがない。こういう人の頭のなかはどうなっているのかしらんと困惑する。ほとんど唯一の例外が『半神』だが、これは衛星放送の上演の録画を何度もみたこと、萩尾望都の原作漫画があるために、完全な野田オリジナルに比べるとわかりやすかったためである。

 さて『旅人と門』に話を戻すと、率直に言って野田作品に対する感覚と似たようなものを強く受けた。小さなスペースで、すぐ目の前の俳優の熱演が苦しく感じられるところもあり、話もいささか盛り込み過ぎたか・・・という印象である。
 しかし上演台本を読み直してみると劇作家の言わんとしていることが、周到に練られた台詞で緻密に展開していくことがわかり、これをどうして本番の舞台から受けとれなかったかが悔やまれるのである。
 この台本に書かれていることが立体化する舞台がどんなものなのか。
 ぜひみたい!という思いが掻きたてられる。遅いよ因幡屋。
 上演台本を読んで、今夜の舞台がいよいよ魅力的に思われてきた。嬉しいのだが、なぜこの幸せを本番の舞台で感じとれなかったのか。嬉しいのにはがゆく残念で、いまはこの困った感情を受けとめるしかない。

 夢は、眠っているときにみるものと、起きているときに抱くものの2種類があり、本作ではおもに前者の認識で進行するが、ときに後者のニュアンスも滲ませている。前者の夢は人間の努力や意識とは無関係にみるものであり、後者は社会常識や経験などによって消えたり消されたりするものである。科学という具体的で現実的で、人間が努力研鑽によって作り上げたものはその対極にあり、夢と科学はたがいに相いれない部分がありながら、夢は科学によって実現でき、また科学によってさらなる夢が生まれる可能性も秘めており、車の両輪のような関係でもあるのだ。また劇中で「原子」と受けとったことばは、台本では「原始」である。しかし劇作家が311の震災と原発事故を潜ませていることが伝わってくる。

 これまで劇作家山本タカは、既にある小説や戯曲をベースに独自の劇世界を構築する作品を多く発表してきた。みるものにとっては原作の存在が作品の方向性を考える上で重要なナビゲーターであった。それがあるがゆえに、自分の苦手な「ぶっとび型」の舞台ではないだろうという安心感もある。しかしちがう見方をすればどうしても原作に頼ってしまい、彼がほんとうは何を言いたいのかを見極める妨げになる可能性もあったのではないか。

 ここ数回の公演において原作の存在は次第に控えめなものとなり、劇作家自身が「書きたい」と願う部分がより強く提示されるようになった。まだ過渡期にあり、たがいをよく知るコエキモのメンバーだけでなく、今回の新ユニットの立ち上げなど新しい面々との仕事を重ねながら、変容していくと想像する。
 これが筆者が山本タカに抱く夢である。実現するにはもちろん先さまが(笑)どんな作品を書くかによるのだが、客席の自分もまた単に夢みているだけではなく、台本を読み込む力、目の前の舞台の展開をからだと頭と心ぜんたいで受けとめる力を養わねばならないだろう。
 夢の実現にはやはり努力が必要なのだ。

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シアター風姿花伝プロデュース『ボビー・フィッシャーはパサデナに住んでいる』

2014-07-21 | 舞台

*ラーシュ・ノレーン作 富永由美翻訳 上村聡史演出 公式サイトはこちら シアター風姿花伝 30日まで

 ボビー・フィッシャー(Wikipedia)は世界的な天才チェス・プレイヤーである。そしてパサデナはアメリカ・カリフォルニアの都市。これがなぜ本作のタイトルかはひとまず置き、公演情報を掲載した新聞記事に「手ごわい戯曲」、「せりふがうまくつながらないくらい飛躍する部分もある作品」、「せっかくなら、これぐらい難しいものをやりたい」(演出の上村談 いずれも朝日新聞)などとあると怖じ気づいてしまい、最後まで向き合えるかどうか、実は心配だった。これからお芝居をみにいくという浮き浮きした気分になれず、いつもは喜び勇んで歩くJR目白駅からの道のりも、足取りが重かったのである。

 あいだに10分の休憩をはさんで2時間40分、後半少し疲れたものの、だいじょうぶであった。たしかに生やさしい内容ではない。描写も激しいから正視するのが辛い場面もある。作る方はもちろん、みる方にもそうとうなエネルギーが必要だ。しかしこの4人の家族による会話として成立しない会話、一方的な自己主張、執拗な暴力暴言のひとつひとつに引き寄せられたのだ。
 観劇前の心配は杞憂であった。

 現代のスウェーデンのストックホルム。何らかの事情があって長いこと会うことがなかった4人家族が久しぶりに再会し、芝居を見に行った。うちには会社経営者の父(中嶋しゅう)、元女優の母(増子倭文江)、心を病む長男トーマス(前田一世)が暮らし、トーマスの姉エレン(那須佐代子)は教師をしており、別の住まいがあるらしい。あまり気乗りしていないエレンをやや強引に実家に立ち寄らせ、家族で少し話そうよというところから物語がはじまる。

 本作のテーマから少し離れてしまうかもしれないが、この家族がいっしょにみた芝居はどんなものだったのだろうか。かつて女優だった母の台詞からは、断片的な様子しか示されない。家族みんなで楽しめる芝居というのは、めったにないのではないかしらん。気の合う友だちや、互いの趣味趣向をよく知った上で同道するならまだしも、ただでさえ長いこと疎遠だったエレンや、精神的に不安定なトーマスを連れ出すのに、観劇というチョイスはいかがなものか。

 これは無用の深読みかもしれないが、たぶんこの芝居を楽しんだのは母だけで、いや母としても後輩が脚光を浴びているのはおもしろいものではなかったろう。その嫉妬心をふり払うために饒舌に褒めちぎったのかもしれない。
 もし芝居を4人がじゅうぶんに楽しんだのであれば、もっと言えば芝居でなく、何かスポーツ観戦などであれば、その後の家族のやりとりはちがったものになったのではないか。

 家族のやりとりに聞き入りながら、観劇前は予想もしていなかった幸福感がじわじわと心を満たしてゆく。
 陰惨と言ってよい家族のありさまをこれでもかとぶつけるように書いた戯曲。翻訳者はどれほど苦労したのだろう。演出は戯曲を立体化するために、どのような思考を重ねたのか。それに応えるために俳優、スタッフ、制作者、作品に関わるすべての人々が、大変な労苦があったのではなかろうか。

 楽しい話ではもちろんなく、単純な感動巨編でもない。日本人のメンタリティでは共感しにくい面が多い。興業的に成功するかも、むずかしいところであろう。
 しかし舞台から発せられるのは、この作品に注がれる作り手の情熱であり、献身の姿勢である。作るのも、宣伝し売り込むのもやっかいな作品だが、関わった方々は非常に幸福ではなかろうか。それが伝わるからこそ、客席の自分も作り手の心意気に負けていられないと気合いが入るのである。

 今日はゲストに女優の鷲尾真知子氏を迎えてアフタートークが行われた。
 途中から演出の上村氏が加わったこともあってか、客席からも率直、素朴にラストシーンのエレンの行動の意図、トーマスの造形、風変わりなタイトルの意味などに対する質問が寄せられて、楽しい時間となった。登壇したのが出演者の那須、増子、ゲストが鷲尾真知子という親しみやすい顔ぶれであることに加え、演出家の上村聡史がとても温かで気さくなお人柄が感じられることも、質問が多くでた理由であろう。何より、舞台から発せられる情熱に応えたい、この作品のことをもっと知りたいという気持ちを掻き立てられたのではないだろうか。客席から盛り上げていく、こういうアフタートークはめったにない。

 本作はシアター風姿花伝プロデュースの第一弾作品である。作り手にとって大勝負、賭けであったと想像する。
 観客が演目を選ぶのも、ひとつの賭けだ。『ボビー・フィッシャーズはパサデナに住んでいる』は、客席も一か八かの賭けに打って出るのに、じゅうぶんな手ごたえがある。
 自分が長丁場に耐えられるか、この家族の物語を最後まで見届けられるか、結論や解決のない結末を受けとめられるか、さまざまに混乱する心を抱えてなお、考えつづける体力気力があるかどうか。家族。このどうしようもなくひ弱で醜悪で残酷な交わりから完全に離れて生きることができない自分という存在であることを受けとめられるかどうか。

 物語の内容、舞台美術や照明、音響、俳優の造形や演出面などにほとんど触れない記事となった。観劇当日に書けるのはここまでであるということもまた、自分の能力としてしかと受けとめ、明日からも演劇人生は続くのである。

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猫の会番外公演「猫のサロン~家族のはなし」より『クツシタの夜』

2014-07-20 | 舞台

*北村耕治戯曲 元田暁子演出 公式サイトはこちら 南阿佐ヶ谷/ひつじ座 田中圭介演出の『水底の静観者』と交互上演 27日まで(1,2,3
 『クツシタ~』は2009年1月、『水底~』は2011年1月にそれぞれ猫の会で初演されている。筆者はいずれも未見で、今回がはじめての観劇となった。
 JR阿佐ヶ谷駅から商店街を抜けて徒歩十数分、青梅街道沿いにある「ひつじ座」も今日がはじめて。

 どこかの町に住まう夫婦の部屋が舞台である。中央にテーブルと椅子が数脚、天井には数枚の服が吊り下げられ、床にもさまざまなものが散乱している。父のあとを継いで電気店を営む夫、バイトをしながら女優業を続けている妻。夫は本業もそこそこに、町の野良猫を保護する「地域猫活動」を行っている。この部屋にはそれぞれ映画関連、猫活動関連の人々が出入りする。

 劇場奥に演技スペース、手前に客席が並ぶオーソドックスな形式である。客席の段差があまりなかったことから、後方の座席を選んだ。すぐ目の前の俳優をみつめるのは少しつらそうで、距離を置きたかったこともある。芝居がはじまってほどなく、この位置を選んだのは失敗だったのではないかと思いはじめた。
 想像したよりも舞台が遠い。これは単に距離の問題ではなく、俳優の発する声、台詞の内容、物語の展開などが頭に入ってこない。どうしてだろう。眠気に襲われたわけでもなく、芝居の内容やつくりがあまりに前衛的でついていけないわけでもない。思い切って最前列に座れば、俳優の手元や足元がよく見え、台詞も聞きとれて舞台ぜんたいを把握して細かいところまで味わうことができたのではないか・・・と思ったが、やがてそれともちがうのではないかという気が。

 この作品は、夫婦がゆるやかに壊れていく物語である。
 電気店主の夫は家業もやってはいるが、地域猫活動のほうにより熱心であるようにみえる。女優の妻はもっと活躍したいと願いつつ、叶わないうっ屈を次第に募らせる。おたがいに好き合って一緒になった夫婦であるから、相手が一生懸命になっていることを理解しようとしているものの、それよりも自分のしていることのほうが大切であり、相手に理解のないことに不満が募りはじめる。

 個々の場面のやりとりはおもしろいのだが、いくつもの場面、人々が連なってひとつの物語を形成しているという手ごたえには至らなかった。夫婦の部屋に、なぜこの人物がいるのか、どうしてこういうことを口にするのかといった、非常に基本的なことにつまづいてしまうのだ。

 たとえば猫活動に参加している主婦が悪酔いしてしまい、男性たちと帰る帰らないのやりとりをする場面は非常におもしろい。だが終幕ちかく、電器屋と女優夫婦が別れることになってあれこれ持ちだされたあとの部屋にやってきた主婦は、作りすぎたからと言って、おもむろにタッパーに入れたきんぴらを差し出す。
 これから出て行こうとする女優妻に「食べてみて」と差し出すところがよくわからない。箸や小皿が用意されているわけでもなく、手でつまんで食べるのである。主婦は夫にも同じようにすすめる。いささか強引ではないか。なぜ彼女はこの場でそこまでするのか。
 
 日常のあれこれを突き破って別れようとしている夫婦がいる。それを案じて仲を取り持つほどの強い意志はないが、せめてやわらげたい・・・という心づかいであろうか。手づくりのお総菜を口にすれば気持ちが落ち着くかもしれない。実際きんぴらはたいそうおいしいらしい。主婦は自分の家庭でもいざこざがあって、それに対してはさっぱりしている。
 主軸ではない人物によって、物語が変わること、客席の空気がなごんだり、緊張したりすることは舞台の醍醐味のひとつである。
 しかし主婦がきんぴらで何をしようとしたのかが見えてこないために、この場面は非常に唐突な印象をもった。
 すべてをわかりやすくみせてほしいわけでなく、人物の背景や過去などわからないままでも構わない。しかしなぜきんぴらなのか。手でつまんで食べることにあまり抵抗や違和感のないもの、たとえばおにぎりやサンドウィッチ、クッキーなどではだめなのか。
 物語の重要なモチーフではないとは思うが、こういった細かいところに作者がどのような意味や意図、思いを込めているのか、それが人物の行動の裏づけ、行動によって舞台にもたらす影響につながっていくわけで、もうひと息ほしいのである。

 きんぴらにつまづいてしまった本作であるが、これまでの猫の会の舞台を振りかえると、背景や意図を明かさないことが作者の作劇の特徴、優しさの表れであるとも考えられる。どうしても理詰めで考えてしまう自分の観劇姿勢を省みつつ、来たときとは反対の地下鉄阿佐ヶ谷駅に向かう道を歩いた。

 

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