因幡屋ぶろぐ

劇評かわら版「因幡屋通信」主宰
宮本起代子による幸せの観劇記録。
舞台の印象をより的確により豊かに記せますよう・・・

こまつ座『小林一茶』

2015-04-22 | 舞台

*井上ひさし作 鵜山仁演出 公式サイトはこちら 紀伊國屋ホール 4月29日で終了
 NHK朝の連続テレビ小説『ごちそうさん』を見なかったため、和田正人という俳優さんのことをほとんど知らなかった。1979年生まれ、ワタナベエンターテインメントの若手男性俳優集団D-BOYSの最年長メンバーであるとのこと。なるほどこの夏で36歳になるのだから、もう「若手」とは言うにはむずかしい年ごろであろう。陸上競技では多くの大会で優秀な成績を納め、実業団選手としても活躍していたが、陸上部廃部によって俳優を志したという。Dステ15th『駆けぬける風のように』における演技に対して、2014年度文化庁芸術祭演劇部門新人賞を受賞した。
 先日あるシンポジウムにおいて、シェイクスピアの『ヴェニスの商人』で、和田がアントーニオを演じるDVDをみる機会があった。わずか数分の鑑賞ではあったが、共演しているほかの若手俳優とは明らかにちがう空気を纏っており、頭抜けた存在であること、これからさまざまな作品との出会いによって成長が期待される俳優であると感じられた。

 本作は、江戸の三代俳人のひとり夏目成美の別宅から大金が盗まれ、貧乏俳人の小林一茶に嫌疑がかかった事件が軸になる。見廻同心見習の五十嵐俊介は、「お吟味芝居」を仕立て、みずからが小林一茶を演じながら、彼を知る人々に証言させ、一種のドキュメンタリー演劇風の舞台を作って、真相を究明しようとする。井上ひさしが得意とする実在の人物の評伝劇を、これまた得意中の得意である劇中劇の趣向でつくり上げた舞台である。

 公演パンフレットによれば、「一茶という俳人を作者が書こうと決めた理由は、ひたすら俳句に取り組んだ一茶が発句のみを独立させた『五七五』の発案者であること。つまり、長い連句という慣習を一挙に簡略なリズミカルなものとして、後世に残したのはなぜかということでした」(井上麻矢)とのこと。
 物語は一茶がまだ少年のころ、「賭け俳句」の賭場へ足を踏み入れる場にはじまる。そこで一茶は生涯のライバルであり、句友である竹里に出会う。一茶と竹里が互いに相手の才能を畏れ、俳人としての出世をめざして格闘する様相におよねという女性が絡み、ふたりはいっそう激しく自らの業にもがき、葛藤することになる。

 一茶役の和田正人がすばらしく魅力的だ。竹里役の石井一孝はミュージカルの印象が強いが、自分より若い一茶の才能に嫉妬し、振り回される中年男といった様子が意外やなかなかはまっている。劇中劇からの出入り?にまだぎくしゃくしたところがあるせいか、この趣向が劇として有効であるのか、そもそも「お吟味芝居」というものが、事件の真相をあぶりだすのにほんとうに必要なのかといった疑問はある。ただ前述のように主演の和田正人の好演が瑣末な違和感や疑問を吹き飛ばしてしまう。

 一茶が江戸を見限って信濃に旅立つ終幕、影絵芝居の見立てで、ステージ中央の白い幕に旅人すがたの一茶の影が不気味に映されるところでは、背筋がぞくぞくするような高揚感と、一種の恐怖すら感じさせて圧巻であった。作者は、作品の対象である一茶を愛し慕ったというより、もう少しちがう心の注ぎ方をしたのではないかと思われるのである。

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水素74%vol.6『誰』

2015-04-21 | 舞台

*田川啓介作・演出 公式サイトはこちら こまばアゴラ劇場 22日まで
 田川啓介が、劇団掘出者時代に初演(ワンダーランド掲載の拙稿はこちら)した作品である。2009年春当時はいまほどスマートフォンが普及しておらず、ツイッターやfacebookなどのSNSも同様であった。2015年によみがえる、いやあらたに示される若者たちの心の様相は?

 といささか気負いながらの観劇となった。さすがに初演での「ブログ」の台詞は、ツイッター、facebook、LINEなどに変わっていたものの、SNS環境の変化が本作の核に与えた影響はそれほど大きくはない。劇作家が自己の旧作を冷静に見つめなおし、必要な改訂を加え、新しい俳優を適材適所に配して的確な演出を施した。俳優も戯曲をよく読みこみ、演出を信頼して自分の役が何を求められているかを理解しての演技であった。
 その結果、目の前に展開される劇世界はじつに堅固であり、再演に耐えうる作品であることを示している。

 派遣社員の箕輪は孤独な日々に耐えられず、近所に住むだ学生の木田の姉に横恋慕したあげくに木田を脅迫、無理やり友だちにさせた・・・と、物語がはじまる前の設定からしてすでに異常なのだが、この状況はどんどんエスカレートしてゆく。
 木田が所属するサークルは「まなざしの会」といい、メンバーたちがお互いを見つめあうこと、毎日電話やメール、ツイッターやfacebook、LINEなどにリプライやメッセージ、コメントをしては、メンバーの悩みを親身になって聴き、受け入れるのだという。箕輪は自分を大学生だと偽り、まなざしの会へ強引に入り込もうとする。

 冒頭から箕輪がその異常ぶりを暴力的といっていいほどどかどかと示すために、観客はまず「おかしいのは箕輪だ」と認識し、彼に振り回されている木田はまともな人で、「迷惑を被って気の毒に」と思う。しかし部室につぎつぎと訪れるまなざしの会のメンバーたちは一見普通の大学生ながらサークルの趣旨がちょっとどうかというだけに、正常と異常、普通やまともという認識が気持ちの良いほど壊されていくのである。木田も例外ではない。
 いまどきの若者はこんな風なのか、どこかの大学に取材をしたのか、実際のモデルがあるのかなどと、頭の中が「信じられない」モードで働くが、舞台は不思議な吸引力でこちらを引きつけ、彼らのような若者には、自分が会ったことがないだけで、もしかするとこういったコミュニティは現実にもありうるのではないかと思わせる。

 高崎線で事件が起こり、死者が出た、紙コップの飲み物に毒物が混入されていたなどなど、外部のできごとは台詞のなかにでてくるが、それは物語にあまり影響は及ぼさない。本作が初演された2009年からいまの2015年のあいだには、東日本大震災、原発事故という未曽有の大災害と大事故が起こっている。しかし作品にはまったく反映されていない。2011年3月11日以来、多くの創造者が少なからぬ影響を受け、311を題材にしたさまざまな作品が生み出されており、観客も創造物を通して311と、この国のありようを考えることを余儀なくされた。それらが一種の同調圧力を産んだこともたしかで、311と創造者との関係は、これからも検証が必要であろう。

 『誰』は311とも新しい安全保障法とも、大学生のブラックバイトなど昨今の世相の変化に、びくともしない。登場人物たちの関心は何より自分自身である。自分が相手にどう思われているか、自分を受け入れてもらうこと、認めてもらうことに汲々としている。ひたすら内側の世界でもがくばかりで、そこには311も貧困格差もイスラム国も存在しない。だから世相を反映しない2015年版『誰』は、まちがっていないのだ。

 田川啓介の作品を振り返ってみる。性格がいちじるしく歪み、周囲へのふるまいが粗暴な「極端側」の人々がいて、彼や彼女たちに振り回され、傷つけられる「まとも側」の人々がいる。前者からは悪意が溢れ出し、その毒気に充てられながら、後者に同情する。しかし後者にもそうとうな問題があることがわかってくる。にも関わらず、「現実ばなれしたありえない設定」でもなく、「現実にはこんな人ぜったいいない」とも思われないのは、田川作品の人物と似たような匂いを持つ人、何かのはずみに壊れてしまいそうな人の存在を現実に実感しているからであり、他者だけではない、自分もまた、そういった資質を持っていることを認めざるを得ないからであろう。

 いずれにしても「周囲にいてほしくない人たち」であり、自分が似ていることなど、できれば認めたくない人々ばかりである。こういう人物を演じることに対して、俳優はどんな思いを持つのだろうか。今回の俳優さんたちは、普通にみえながら急激に、あるいは徐々に歪んだ面をさらけ出していく過程をみごとにみせており、かといって過剰で劇画風の演技にはなっていない。
 何かというと半裸で大学構内を走り回る学生や、うっとうしい中年の守衛などは若干スパイス的なポジションになるが、それでもある種の現実感を根底に持っている。自分がもっともおもしろいと感じたのは、恋人の暴力に悩む友だちに同情し、手を差し伸べるふりをしながら、手のひらを返したように本音を吐き出す女子大生であった。

 自分はいま「本音」ということばを使った。『誰』の若者たちは即座に、「本音ってなに?」、「建前ってなに?」と突っ込んでくるだろう。本音をぶつけあうことも、相手を気づかって本心を明かさないのも人間のほんとうの心である。
 「ほんとうってなに?」。それを探すために、田川啓介の作品はあるのだと思う。

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句会覚書/2015年4月

2015-04-19 | 俳句

 ひと月に参加する句会が3つになって、3か月が経ちました。俳句をはじめたころは、月1度の句会の5句が精いっぱいだったのがひとつ増え、だんだん欲が出てきて遂に月3つになったわけであります。句会が月に3つですと、毎月提出の締切がつぎつぎにやってくる。自分から俳句を追い求めるというより、「句会の締切に追われている」のが実情です。
 句会の場数を踏めばそれだけ上達しているかというと、それがどうもよくわからないという・・・。
 「この句ならいけそう」という予想はほとんどはずれ、あまり考えずに何となく浮かんだことばを五七五にした(この過程ではそれなりに努力している)ものに選をいただいたり、句会本番まで自分の出来がまったくわからないというのも不思議でありますが、そういうものなのでしょう。

 金星句会と演劇人句会については過去記事こちら、今年1月から参加している本部句会のことはこちらへお運びくださいませ。

 先週、4月の本部句会が行われました。出席者は54名、ひとり5句、合計270句から選び、考える数時間です。
 句会の大きなポイントのひとつは、「自分の句が選ばれるかどうか」だと思ってきましたし、たぶんまちがいではないでしょう。しかしこれほどの大人数で、句歴の長いベテラン、主宰も幹部方も出句される句会においては、「自分の句」にこだわっていては肝心なことを見のがし、この句会ならではの恩恵をじゅうぶんに受け取れないことに気づきます。
 幸いなことに、これまで参加した本部句会ではいずれもどなたかの選をいただきました。中には望外の評価を賜った句もあり、とても励みになっています。しかしこれはもう奇跡というか、めったにないことであり、それだけを気にしていると、披講で自作に選がはいった時点で句会が完結してしまいます。
 大切なのはほかの方々の句に心を注ぐことではないでしょうか?

 たとえば4月の兼題は、「春筍」(はるたけのこ、しゅんじゅん)、「若鮎」、「駒鳥」、「葭切」(よしきり)でした。たけのこと鮎はともかく、鳥の季語についてはイメージすら浮かばず、句を作ることを早々にあきらめました。ならば参加した方々の句をしっかりと味わって、その季語の個性を知り、使い方や活かし方を吸収しなければなりません。自分の5句を提出したあとは、清記作成や披講による点盛などの「作業」だけやっていればよいのではない。そこからが句会の旨みであり、重要なところ。
 270もの句をどんどんみていくとき、どうすればよいか。いまのところ、先輩方の様子をチラ見しつつ、知らない季語や言い回しをみつけたらノートに書きだして、あとで調べるのがせいいっぱい状態です。あとは自分がどの句を選ばせていただいたのかをちゃんと記録しておくことですね。結構忘れているのです。どなたの句か、そのかたはほかにどんな句を作っていらっしゃるか。どんな句を選んでいらっしゃるかを覚えようとすること。
 大人数の句会は、自分のような初学者にはとかく流れ作業をこなすことに終始しがちな面があり、自戒しつつ試行錯誤しながら、たくさんの句に出会える時間をもっと大切にしたいと思います。

 と書いているうちに、明日の夜は演劇人句会です。「御影供」、「鳥帰る」に加え、「変ロ長調」という冗談のような課題(兼題ではない!)もあって、さてどうしたものでしょう?

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平成中村座 陽春大歌舞伎

2015-04-18 | 舞台

*公式サイトはこちら 浅草寺境内 5月1日まで
 前回平成中村座に行ったのは3年前のこと。このときは隅田川沿いをしばらく歩いたところに小屋があり、十八代目中村勘三郎は存命であった。というより、あの人がこの世から、舞台からいなくなるなど考えたことがなかった。あっという間に旅立ってからもう2年数カ月が経つ。今回は賑やかな仲見世を通りぬけた浅草寺の境内奥に小屋が建ち、「十八代目中村勘三郎を偲んで」と題して、ゆかりの演目がずらりと並ぶ。演じるのは長男勘九郎、次男七之助はじめ、義弟橋之助、その息子の国生、宗生、宣生三兄弟、勘三郎によって見出された中村獅童、盟友の坂東彌十郎や片岡亀蔵、そして中村屋のお弟子たちである。演じる役ぜんぶが初役という俳優もあり、勘三郎の遺志を受け継ぎ、さらに発展させようとする熱い思いが伝わってくる。

 筋書きは単行本サイズで持ちやすく、読みごたえのあるものだが、出演者のなかに「中村小山三」の名前をみつけると、やはり悲しくなった。十七代目中村勘三郎の時代から、十八代目、息子の勘九郎、七之助、さらに勘九郎長男の波野七緒八まで、じつに中村屋を四世代にわたって支えてきた献身の老優である。4月6日に歌舞伎界最高齢の94歳で旅立った。高齢ゆえ、最近の出番は非常に少なかったが、小山三さんが登場すると客席がどっと沸く。元気なすがたをみるのがほんとうに嬉しかったのに。

 客席入口の掲示によれば、平成中村座の収容人数は870名とのこと。とすると世田谷パブリックシアターやシアターコクーンよりも大きいのだが、ほどよい大きさの居心地のいい劇場、いや芝居小屋の風情がある。もう少し床に傾斜があれば、前の方の頭が気にならないのだろうが、桟敷席と椅子席のバランスもよく、天井に「平成中村座」と書かれた大きな提灯が揺れて、休憩時間には窓のカバー?をはずして日光が入ってきたりなど、ここでしか味わえない江戸の芝居小屋の雰囲気が溢れるようだ。
 舞台と客席も近い。花道などもあまり高さがなく、観客のすぐ脇という印象である。

 昼の部は『双蝶々曲輪日記』より「角力場」、歌舞伎十八番『勧進帳』、最後は『魚屋宗五郎』である。
 『勧進帳』は橋之助の弁慶、勘九郎の富樫、七之助の義経である。これまで歌舞伎座で一等席を奮発したことはあるが、こんなに舞台と「近い」ところで『勧進帳』をみるのははじめてではないか。兄の頼朝に追われ、山伏に身をやつして奥州へ落ち延びようとする義経一行は何としても安宅の関を越えねばならない。そして迎え撃つ富樫はぜったいに見のがすことはできない。両者の激しい攻防が、やがてことばにはならない温かな情を生じさせる。
 たとえ追われる身であっても、最後まであるじ義経を守り抜こうとする弁慶たちの忠義、それを感謝しながら、応えられない落魄の義経の哀れ、彼らが義経一行と確信しながら、敢えて見のがす富樫の情け。
 現代には存在しない心のありようがみっしり詰まった人間ドラマは、みるたびに「ほんとうに関を越えられるだろうか」と手に汗握る緊迫感があり、弁慶が先に行った義経たちを見届けながら、飛び六法で花道を駆け抜ける終幕は、何度みても胸が熱くなる。

 残念ながら平成中村座でみた『勧進帳』には、ことばにしづらい奇妙な違和感をもった。単純に言えば、「近すぎた」のだろうか。
 クライマックスで、橋之助の弁慶は激しい息づかいが客席に聞こえるほどであり、飛び六法では、思わず声が出てしまうのだろうか、何か叫びながら駆けてゆく。これを臨場感として味わえればよかったのだが、自分にはその感覚はもてなかったのである。

 弁慶も義経も富樫も、劇世界に生きる人間であり、演じるのは生身の俳優である。額の汗が見えたり、息づかいが聞こえたりするのは当然であり、そこに歌舞伎ならではの味わいをみるべきなのだろうが、今回実感したのは、自分が『勧進帳』に対して、ある種の「距離感」を求めていることである。
「距離感」というのは、まだまだこなれていない表現であるが、最後の演目の「魚屋宗五郎」の場合、舞台と客席の近いことが最大級の効果を発揮し、じゅうぶんに楽しめたのである。
 『勧進帳』の人々は、生きた人間でありながら、どこかこの世の人ではない何かを纏っている。あるいは背負わされている。作品ぜんたいがもつ幽玄、死生観とでも言おうか。安宅の関を超えても義経一行の末路は滅びである。義経も弁慶もまたそれをわかっている。そして見のがした富樫はやがて腹を切って責任をとることになる。人々が向かうのは例外なく死の世界なのだ。
 その世界が、中村座の小屋では身近な人間ドラマのように感じられた。小さな小屋では不向きな演目かというと、決してそんなことはないはず。つまり小屋の大きさや、小屋の性質、風情、客席も含めた空気感に合わせた作り方があるのではなかろうか。

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劇団民藝『冬の時代』

2015-04-16 | 舞台

*木下順二作 丹野郁弓演出 公式サイトはこちら 紀伊國屋サザンシアター 28日まで 1,2,3,4,5,6,7,8,9,10,11,12,13,14,15,16
 一昨年『夏・南方のローマンス』、昨年の『白い夜の宴』に続いて、劇団民藝が丹野郁弓の演出で木下順二の戯曲を上演する。前ニ作が硬派のリアリズム演劇とすれば、今回の『冬の時代』は劇作家の力の入れよう、方向性を異にする作品ではないだろうか。
 長く続いた明治と昭和にはさまれた15年間の大正は、第一次世界大戦やロシア革命、関東大震災など国内外で激動の時代であった。その一方で、大都市における大衆文化や新しい生活様式が形成され、学校に行く子どもたちの数が増え、高等学校はじめ、公立、私立、単科大学などの創設が続き、、一部の知識人や上流階級の人々だけでなく、一般の市民が楽しむ文化が生まれた。新聞や雑誌の発行部数が爆発的に伸びた時代でもある。

 東京・四谷にある「売文社」の執務室で、楽天家の社長・渋六はじめ、ショー、ノギ、不敬漢、デブ、飄風と呼ばれる人々が議論を戦わせている。渋六は社会主義者で文学者でもある堺利彦、ショーは社会主義者の荒畑寒村、瓢風はアナーキストの大杉栄と、実在した人物があだ名や愛称で登場する。
 タイトルのとおり、物語の設定は日本の初期社会主義者たちが徹底的に弾圧された、まさに「冬の時代」、「暗黒時代」と言ってもよい。しかし売文社に出入りする人々は時代の風などぶっとばさんばかりに元気で明るい。

 劇団民藝に書き下ろされた本作は、1964年に初演された。半世紀を経たいまの日本はあらたな「冬の時代」にあるとも考えられ、時を得た上演であろう。

 公演パンフレットには、演出の丹野郁弓が本作に悪戦苦闘する様子を率直に記している。まず「戯曲に書かれている日本語が読めない」。読めない漢字、意味のわからないことば、事柄にも聞き覚えがない。「ということはつまり、耳で聞くしかない観客にはもっと理解されないかもしれない、という恐怖が襲い掛かる」。さらに本作は「ほとんどが長いセリフだけで構成されている」ことも指摘している。丹野は、ひとりの人物が滔々としゃべる長台詞を、「そこにいる人物たちが共有する、と考えた」とのこと。膨大な台詞をひとつの塊として客席に届けようとしたそうである。
「この試みが吉と出るか凶と出るかは初日を待つしかないのだけれど」。

 観劇前に演出家の試みについて読んでいれば、もしかすると舞台の印象が変わったかもしれない。残念ながら自分の観劇は、演出家の懸念が当たってしまったようだ。冒頭から、客席後方まではっきりわかるほどプロンプが聞こえ、さすがにその箇所だけではあったものの、台詞の言いだしが複数の人物でかぶったり(本作に平田オリザばりの同時多発会話の指定が?)、言いよどんだり場面が散見し、冷やひやして集中できなかったことは残念だ。演技がこなれるころを見計らって、上演の中日以降に観劇すればよいのかもしれないが、初日には初日にしかない緊張感や味わいがある。観客はその日を目指して劇場に足を運ぶのだから、せめて台詞はきちんと聞かせてほしいのです。

 帰宅してパンフレットをじっくり読み、この作品の輪郭や核を探ってみる。歴史が激しく動くとき、市井の市民が何を考え、どう生きようとするか。人物その人というよりも、「歴史」が生きもののように立ち上がり、客席に迫ってくる。木下順二戯曲をみるとき、重苦しさや内に秘めた激しさに、「自分には受けとめる力がない」と打ちのめされる。それでも台詞のひとことでもいい、何かを掴みたいという願いが湧きおこる。舞台を楽しむというより、勉学、修業の心持ちなのだが、そこには「演劇を楽しむ」というわりあい素朴な味わいがあることもたしかなのだ。
 舞台をみた、戯曲を読んだというずっしりした手ごたえ。これが木下順二作品の醍醐味である。

 今回の『冬の時代』について、自分はアプローチのしかたをまだ模索している状態である。数年まえに上演されたパラドックス定数の『インテレクチュアル・マスターベーション』の印象も思い起こしながら、演出家が「木下順二流エンターテインメント」と位置づける『冬の時代』にもう一度向き合おう。あの時代の人々がどんな思いで生き抜いたのか、もっと知りたい。

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