中国地方の子守唄を聴く

日本の子守唄の中では、五木の子守唄、島原地方の子守唄、そして中国地方の子守唄の３曲が好きだ。
子守唄の魅力に気付いたのは３０代半ばであろうか。
この五音音階陰旋法（ミ、ファ、ラ、シ、ド、ミ）による音楽は、日本独自のものであり、外国の音楽に聴くことは無い。



西洋の音楽にも短調の悲しい曲は沢山あるが、この日本独特の音階による音楽は、「悲しい」と同時に「抑圧的な暗さ」を感じる。
現代の平和で豊かな時代に育った世代からすると、少し「怖い」と感じるかもしれない。
何か安らぎ、平安、幸せ、穏やかさ、から生まれてくる音楽ではない。
寧ろ、不幸、淋しさ、不安、暗く辛い生活から聴こえてくるような音楽だ。
しかし同時に、純粋で素朴な美しさも感じる。
子守唄が何故こんなに暗く悲しいのか、昔から疑問に思っていた。
もしかすると、子供を寝かしつけるために歌ったのではなく、封建的で閉鎖的、男尊女卑の、貧しく自由が無かった時代の若い女性が、１日の終わりに、やるせない気持ちを解放するためにあったのではないか。
もちろん日本古来からある箏や三味線の音楽や、民謡にも陰旋法によるものが多く、子守唄だけがこの独自のものを持っていたわけではない。子守唄の中には明るいものもある。
しかし、それでもこの「中国地方の子守唄」ような音楽を聴くと、心にとても強く作用してくるのを感じる。
その作用とは、底に堆積している強い感情を意識下に引き出すものである。
この子守唄を自ら歌うことで、自らの表現出来なかった辛い感情を表出しているようにも思える。
言葉を未だ理解できない幼子を相手に、誰にも言えない気持ちを吐露してた、と感じるのは考えすぎかもしれないが、この曲を聴くとそのように思えてしまう。

この「中国地方の子守唄」は、岡山県西南部が発祥地とされ、この地の声楽家の上野耐之が師事していた山田耕作に聴かせ、山田耕作が歌曲に編曲したことで広まったと言われている。

ねんねこ　しゃっしゃりませ
寝た子の　かわいさ
起きて　泣く子の
ねんころろ　つらにくさ
ねんころろん　ねんころろん

ねんねこ　しゃっしゃりませ
きょうは　二十五日さ
あすは　この子の
ねんころろ　宮詣り
ねんころろん　ねんころろん

宮へ　詣った時
なんと言うて　拝むさ
一生　この子の
ねんころろん　まめなように
ねんころろん　ねんころろん

Youtubeでいいと思った録音を下記に写しておいた。

（伴奏は絶対ピアノに限る。アカペラでは素人の、若い女性、できれば母親の歌ったものがいい）








【追記20170618】
人が、精神的に穏やかで安定した、前向きな気持ちで生活するには、表現されずに心の奥に堆積した感情を開放する必要はあると思う。
子守唄とは実はそのような意図があったのではないかと思う。
現代の世の中で、もはや殆ど聴こえてくることの無くなったこの子守唄のような音楽を聴くことで、普段、表出することのない感情を感じることは悪くない。
感情を持って生まれた人間の宿命とも言える。

太田キシュ道子 ピアノリサイタルを聴く

昨日（６月１０日）、千葉県千葉市美浜文化ホールで「太田キシュ道子　ピアノリサイタル」が開催され、聴きに行ってきた。
久しぶりに土日連続で休めそうなので、何かコンサートをやっていないか探していたら、先日記事で取り上げたシューベルトの「水車屋と小川（Der Muller und der Bach）」と「水の上で歌う（Auf dem Wasser zu singen）」を演奏曲目にしているコンサートが見つかった。
このコンサートが「太田キシュ道子　ピアノリサイタル」であった。
私はこのリストが編曲したシューベルトの歌曲が好きであり、またこの曲以外の演奏曲目も本格的な魅力のある曲だったので、場所は遠かったが聴きに行くことにしたのである。

千葉市美浜文化ホールは東京駅から京葉線に乗り換え、快速で３０分程の検見川浜という駅の近くにある。駅の周辺は巨大なマンションが立ち並び、私にとっては異様な景観に見えた。
ホールは小さく、サロンに近いスペースであったが、ピアノの響きは抜群であった。
私はピアノから１０ｍも離れていない所に座ったが、今日のピアノの音は、今まで生で聴いた音の中では最高だった。
大きなホールで漠然した音で聴くより、小さな音響の優れたホールで近くで聴いた方がはるかに演奏を楽しめることを、今日の演奏会で実感した。これは大きな収穫だ。

太田キシュ道子氏は、４歳よりピアノを始め、ドイツに留学。ミュンヘン国立音楽大学大学院でゲルハルト・オピッツの指導を受け、１９９８年にパリのＵ．Ｆ．Ａ．Ｍ．国際コンクールで第２位を獲得。現在はドイツ、ミュンヘンに在住し、ヨーロッパ各地で活躍されているそうだ。
今回は日本へ一時帰国し、日本でのコンサートを持つことになったのである。

当夜のプログラムは以下のとおり。

ショパン作曲　

・バラード　第１番ト短調　作品２３
・バラード　第２番ヘ長調　作品３８
・バラード　第３番イ長調　作品４７
・バラード　第４番ヘ短調　作品５２

ブラームス作曲

・２つのラプソディ　第１番ロ短調　第２番ト短調

シューベルト作曲　リスト編曲

「美しき水車小屋の娘」D.795より
・「水車職人と小川」
・「水の上で歌う」

「白鳥の歌」D.957より
・「影法師」
・「アトラス」

最初のショパンのバラードは難曲だ。１番から４番まで弾き通すのは相当の技量と体力を要する。
第１番で初めて彼女の音に触れた。
高音が美しい。重い芯のある音。陰鬱な旋律が次第に激しさ増す。
長調に転調したあとの、東欧らしい、夕暮れ時の雄大な景色を想像させる旋律の歌い方、その後の和音の力強さは並のピアニストではないとまずは感じた。
ショパンの感情の激しさを表すかのような難しいパッセージも破綻がない。
最後の上昇音階も凄かった。

第２番はおだやかな出だしで始まった。
街角の家の窓から聴こえるくるような音楽だ。
その後、突然、激しい感情の嵐のような音楽に変化する。しかし再び冒頭の穏やかな音楽が再現される。
ショパンの音楽を聴くと、穏やかさと激しさ、明るさと不安とが頻繁に交錯し、聴く側もかなり神経を消耗させられる。
特にこの４曲のバラードは感情の激しさが際立っている。
この感情の激しい部分は、超絶技巧を要し、プロのピアニストでも生演奏で破綻なく弾き切ることは難しい。しかし今日の太田キシュ道子氏の技巧は常に安定しており、また力強い音であった。

第３番も長調でおだやかな曲で始まる。途中から舞曲風の音楽に転じる。私はスペイン作曲家の曲で以前どこかで聴いたようなフレーズを思い出した。
しかし、左手でアルペジオを奏でながら、右手で激しく和音をよく叩くことが出来ると思う。
ギター愛好家の私からすると、その技巧の難しさにとても圧倒される。

第４番も同様に明るいおだやかな曲で始まる。
しかしすぐにあの有名な憂鬱な旋律が流れる。ショパンという人物が感受性が強く悩み多き人であったことがすぐに分かる音楽だ。
太田キシュ道子氏のこの旋律の音は、やさしく、やわらかく、かつ音の下に悲しさを秘めていると感じた。
バラードの中ではこの４番が一番好きだ。陰鬱で暗い表現と明るく激しい感情とが見事に織り重なり、交錯する変化に富んだピアノの名曲である。
太田キシュ道子氏の演奏はこの感情的対比を安定した技巧に支えられて見事に表現していた。

１５分間の休憩のあと、プログラムはブラームスのピアノ曲に移る。
２つのラプソディ　第１番ロ短調と第２番ト短調は初めて聴く曲だ。
第１番の低音の底から響いてくる音が凄い。この曲もショパンと同様難曲だ。
低音の和音が力強く、重厚だ。私がいつもピアノで求めている音。
多くの録音で聴いてきたが、この低音の重厚な音を出せるピアニストはなかなかいない。
ブラームスのピアノ曲には後期の晩年に書かれた曲にいいものがあるが、この曲もなかなかの曲だ。

第２番も重厚な強い低音の和音と短調の旋律との対比とが印象的な曲だ。
ブラームスの曲の中でもあまり演奏されることのない通好みの音楽だと思った。

プログラムの最後は、リストがピアノのために編曲したシューベルトの歌曲集より４曲。
太田キシュ道子氏の解説によると、このリストによるピアノ曲への編曲は、「シュベールトへの冒涜」だと批判されたという。
「一聴しただけでは技巧の誇示とも取られかねない難しい演奏技巧が見られる事が主な理由だったようです。けれどもこの華やかな編曲は、リスト自身の演奏技巧の誇示やショーピースとしての外面的効果の為に行われたのではありません」と彼女は言っているが、私も全く同感だ。
旧ソ連のピアニスト、マリヤ・グリンベルクの死の前年に行われた演奏会のライブ演奏の録音を聴いて、とりわけ「水の上で歌う（Auf dem Wasser zu singen）」に感銘を受け、この曲のとりこになったが、リストの編曲はこの歌の持つ魅力を更に引き出したものと確信する。

１曲目は「水車職人と小川」であるが、この曲は丁度１週間前の記事でアンドレイ・ニコルスキーの録音で紹介していた。
太田キシュ道子氏の今日の演奏は、ゆっくりとしたテンポで始まる。旋律の持つ感情をかみしめるような演奏。しかし何とも悲しい歌だ。
長調に転じた後は非常に美しい音楽が流れる。ここで気付いたが、左手の伴奏と右手の旋律をかみ合わせるのが非常に難しい曲であることが分かった。こんなシンプルに聴こえる曲でも高度な編曲をしていることに驚く。
本当に感情を刺激される曲だ。

２曲目は「水の上で歌う（Auf dem Wasser zu singen）」。
この曲もとても悲しい曲。でも素晴らしい曲。感情を強く刺激される曲。
この曲も左手の伴奏と右手の旋律のかみ合わせが非常に難解で超絶技巧を要する曲。微妙な不協和音も垣間見せる。
太田キシュ道子氏の旋律の歌わせ方が素晴らしい。やわらかく、やさしく、しかし強く情熱的。
曲は次第に徐々に速く、強くなっていくが、ものすごく難しい曲だ。

３曲目の「影法師」は重々しい低音の和音と旋律で始まる。
ハイネの詩に霊感を得て作曲されたとのこと。低音の和音が力強い重厚で、神秘的。最後は宗教的な感じの終わり方だった。

４曲目の「アトラス」は激しい和音とアルペジオとが交錯する難しい曲。
途中リズミカルな展開になり、激しさを増していくが、太田キシュ道子氏の演奏は力強く全身で曲の持つ魅力を出し切っていた。

全てのプログラムを終えてからアンコールを２曲演奏してくれた。
曲目は聞き逃してしまった。いつか分かったら追記しておきたい。

彼女の演奏の魅力は、何といっても高音のやわらかさと、低音の力強さ、重厚さである。そして感情的情熱である。
今回のリサイタルのプログラムに「今回のプログラムのテーマは音楽の原点である「歌」です」と書かれていたが、私は今回の彼女の演奏に「歌」を十二分に感じることができた。
とくに高音の歌わせ方は素晴らしい。歌うということは、人間の心の深いところから出てくる感情が理解できていないと出来るものではないし、相応の人生体験を経ていなければ実現できるものではない。「水の上で歌う（Auf dem Wasser zu singen）」の「歌」を表現できる演奏家がどれだけいるであろうか。
加えて彼女の魅力は、力強い重厚な低音である。
ピアノでこのような低音を出せるピアニストは少ない。
力強いといっても彼女の場合、力みや硬さが全くない。何故ならば彼女は演奏を通して「歌」を歌っているからに違いない。
「歌」は人間の素直な感情そのものであり、意思や意識というものが入り込む余地がないからである。
意思や意識が入りこむと、演奏が硬くなるし、聴き手は意識していなくてもそれを無意識に感じ取る。

彼女は演奏しているときは完全に曲に集中、没頭している。
まるで作曲家と感情交流しているように見えた。

太田キシュ道子氏の情報は意外に少ない。
Youtubeでは、シューマンの交響的練習曲のライブ録音が１つあるのみだった。
ドイツを拠点にヨーロッパで活動しているからであろう。
知られていないが実力者であることには間違いない。
長い間、厳しい研鑽を積んできたこと、音楽に対する感性を磨いてきたことを演奏を聴いて十分に感じ取ることができた。
会場で売られていた彼女のＣＤを買っておいてよかった。武満徹の「雨の樹　素描」やプゾーニ編曲のバッハの曲などが収録されている。

今回は身近な距離でピアノの素晴らしさを堪能できた。自分にとっては大変な収穫である。
今度はいつ日本に帰国するのであろうか。次のコンサートも聴きにいきたい。

アンドレイ・ニコルスキー演奏 リスト編曲シューベルト作曲 「水車屋と小川」を聴く

最近、アレックス・ワイセンベルクとアンドレイ・ニコルスキーというピアニストに注目している。
ワイセンベルクは多くの人が知っているが、アンドレイ・ニコルスキーは知られていない。

アンドレイ・ニコルスキー （Andrei Nikolsky、1959-1995）は旧ソ連出身で、１９８７年の第１０回エリザベート・コンクールで第１位となったが、３６歳の時に夜間の山道で小動物を避けて崖から転落し事故死した悲運のピアニストだ。
録音は極めて少なく、どれも廃盤だ。しかしYoutubeで彼の演奏のいくつかを聴くことができた。

テクニックが正確で全くごまかしの無い誠実な演奏をする。
低音はやや軽いが、高音が非常に美しい。
リストのソナタロ短調を聴けばその特徴がはっきりする。
ピアノで美しい高音を出せるピアニストは限られているが、ニコルスキーの高音は特別に美しく感じる。繊細さと芯の強さが同居した何とも言えない美しさだ。

今回聴いたのは、シューベルト作曲、リスト編曲のミュラー歌曲集より、Der Muller und der Bach（水車屋と小川（若者と小川）） 。
しかし、悲しくも美しい曲だ。シューベルトの、孤独の中にも幸福を追い求めた気持ちが伝わってくるようだ。

中央大学マンドリン倶楽部 第１１２回定期演奏会を聴く

今日（３日）、東京八王子市の南大沢文化会館で中央大学マンドリン倶楽部第１１２回定期演奏会が行われた。
中央大学の定期演奏会を聴きに行くようになって、もう４年目だ。
これまでの各年の正指揮者の姿をはっきりと憶えている。今年で４人目である。
毎年聴きにいく演奏会の中でも、この中央大学マンドリン倶楽部の定期演奏会はとりわけ楽しみにしているのであるが、今年は休日出勤が多く、今回の演奏会を聴くことができないと思っていたが、運よく時間が空いた。しかし明日は仕事に行かなければならない。

八王子は遠い。京王線など滅多に乗ることは無いが、南大沢という所は新興住宅地なのであろうか。
駅前に大きな商業施設が立ち並んでいた。
南大沢文化会館のホールはわりと聴きやすい、いいホールだと思った。音響も悪くない。

現役の部員数は１年生含めて約２５名。かつてよりも少ないように思う。
１年生は早くも演奏会に参加すること自体驚きであるが、高校時代にマンドリンクラブに所属していたのであろうか。
今日は１０名のＯＢが賛助出演していた。

今の若い人にとってマンドリンオーケストラというジャンルは、人気があるとは思えない。
マンドリン音楽に対する先入観やイメージが部員数の減少につながっている。
また３０、４０年前に比べて、力のある名曲が生み出されていないことも原因なのかもしれない。
吹奏楽、合唱、管弦楽に関心を持つ人はたくさんいるだろう。
しかしマンドリンオーケストラをやってみようと思う人は昔に比べて少なってきている。
しかし、マンドリンオーケストラの魅力に真に気付いたならば、この音楽のジャンルがとてつもなく大きな感動をもたらしてくれることを身を持って体感するに違いない。
この中央大学マンドリン倶楽部は、マンドリンオーケストラの真の魅力を感じさせてくれる、数少ない演奏集団の一つなのだ。

さて今日の演奏会のプログラムは下記であった。

第Ⅰ部

『幸せな一日』序曲　ドメニコ・チマローザ　作曲
『ジプシー風狂詩曲』　マリオ・マチョッキ　作曲
『ロマン的間奏曲』　アッリーゴ・カペリッティ　作曲
序曲『過去への礼賛』　ロドヴィコ・メラーナ＝フォクト　作曲

第Ⅱ部

『海の少女』　服部　正　作曲
『２つの動機』　吉水　秀徳　作曲

どの曲も初めて聴くが、決して豊富とは言えないマンドリン曲の中でも、オリジナルの力作である。
この大学は安易なポピュラーものは選曲しない。徹底している。決して妥協しない。
やるからには、マンドリン音楽の本当の素晴らしさを感じさせてくれる内容の濃い、難曲に挑戦しよう、という気持ちがプログラムを見ると伝わってくる。
聴く側だって真剣だ。行きの電車の中で、日頃の睡眠不足を補うために居眠りし、会場に着くとできるだけ集中力を高める。

第Ⅰ部の１曲はイタリアの作曲家チマローザの曲。指揮は副指揮者。
チマローザと言えば、ギターのジュリアン・ブリームが若い頃に編曲して弾いていたのが思い出される。
イタリアらしい軽快な明るい曲だ。
２曲目で正指揮者に代わる。『ジプシー風狂詩曲』という曲の作者はマリオ・マチョッキという人はイタリア人であろうか。
強いユニゾンのやや悲愴的な旋律で始まる。ヨーロッパの曲は短調でも日本の曲のように陰鬱な感じは無い。リズムが激しく、頻繁に長調にも転じる
途中でプログラムに書かれていたように「黒い瞳」を思わせるメロディが現れる。
私は７０年代に見た「ゴット・ファーザー」で出てきた音楽を思い出した。
３曲目もイタリア人の曲、『ロマン的間奏曲』。
マンドリン音楽の発祥地イタリアの全盛期の曲であろうか。
穏やかな明るく、雄大な感じがする。途中、パートトップによるソロが奏される。
こういう曲を聴くと国民性の違いを感じる。風土や歴史の違いといってもいい。日本人が真似をしようしても作れない曲だ。
第Ⅰ部最後の曲は、序曲『過去への礼賛』という曲。速度が速く、技巧を要する難曲だ。
中間部で繊細でゆっくりとした音楽に転じるが、最初のテーマが繰り返される。マンドリンの下降する単音のパッセージは技巧を要するところ。何度か冒頭の激しい主題と繊細かつゆったりとした部分とが折り重なる。

第Ⅱ部は日本人作曲家の曲。
服部正は聞いたことのある名前だ。家に帰って学生時代の楽譜を引っ張り出して探してみると、「旅愁の主題による変奏曲」という曲が見つかった。



大学２年生の時の定期演奏会間近の秋合宿最終日に、大学のある町の社会人団体とのジョイントコンサートで弾いた曲だ。この曲はあまり練習する時間が無かったが今でも覚えている。
今日聴いた「海の少女」という曲は変化に富んだ曲。
ギタートップ奏者のソロに続き１ｓｔマンドリンソロの哀愁ある旋律が続き、曲想は一転する。
ここからしばらく日本風でもありヨーロッパ的な書法による音楽に展開されるが、再び最初の軽快で華やかな音楽が繰り返された。
今日の演奏会の最後の曲は、吉水秀徳作曲の「２つの動機」という曲であった。
プログラムによると、この曲は吉水秀徳が１９８２年、大学生の時に作曲した処女作とのことだ。
１９８２年というと私も大学生であったから、私と吉水氏はほぼ同世代だ。
曲は７０代の片鱗をかすかに感じるが、もはや８０年代の新しい音楽に向かっていると感じた。
つまり、８０年代以降の新しい感性による曲だと感じる。
正指揮者がギターパートの方を向いて、集中力を高める。そしてゆっくりと、しなやかに指揮棒が降られる。
ギターの低い低音が繰り返され、ドラのソロで始まる。
徐々にマンドリンやベースなどが加わり、フルートのソロも加わる。
伝統的なマンドリン音楽とは異なる。頻繁に転調し、つかみにくい感じがするが、変化に富んでおり、新しい感性を感じる。各パートの特性をよく活かしている。特にギターの音色と和声の使い方が上手い。難しいパーッセージが随所に現れ、難易度のとても高い曲だ。
２０代前半でよくこのような曲を作れると思う。力作だと思う。
リズムの刻みが難しそう。
しかし生命感にあふれる曲だ。「生きている」という実感を強く感じる。しかも前向きの強いエネルギーだ。
芥川也寸志が著書で「リズムは生命に対応するものであり、リズムは音楽を生み、リズムを喪失した音楽は死ぬ。リズムは音楽の基礎であるばかりでなく、音楽の生命であり、音楽を超えた存在である」と語っていたが、マンドリン音楽ほどリズムを強く感じる音楽は無い。
冒頭にマンドリン音楽の魅力のことを言ったが、マンドリン音楽に特有な魅力は強い生命力を感じさせるリズミの刻みにある。
中央大学マンドリン倶楽部のこの最後の曲の演奏は、今まで聴いた定期演奏会の演奏の中でもとりわけ強く感動を与えてくれた。
正指揮者はこの曲を解釈し、演奏をまとめあげるのにとても苦労したに違いない。
曲が終ってから拍手がなかなか鳴りやまなかった。素晴らしい演奏であった。

今日の演奏会が終ってから家に帰るまで、感動の余韻がずっと消えることはなかった。
数多く聴いてきた演奏会の中でもこのような経験は極めて少ない。
彼らがリズムの刻みに呼応して体が自然に反応し、揺れる姿を見て、その計り知れないエネルギーの強さ、強いモチベーションがどこからくるのか、帰りの電車の中でしばらく考えていた。
力作、名曲であればあるほど作曲家のその曲に賭けた思いは強い。その曲を作り上げるプロセスにおいてさまざまな目に見えない苦労や、生の感情が存在している。
五線紙に記譜された音符や文字から、作者の思いや作者の曲づくりに至るプロセスを理解することは並大抵のことではない。
しかし、プロであろうとアマであろうと関係なく、演奏者が作者の思いやプロセスを理解し、完全に同化するためには強いモチベーションと忍耐強い努力を要する。
この強いモチベーションはマンドリン音楽が本当に好きでないと生まれてこないし持続できない。
そして作者の思いやプロセスに同化するためには何よりも練習に対する「誠実さ」が要求される。
しかも演奏するのは一人ではない。数十人のメンバーが思いを一つにすることの困難さは、言葉で表現できるものでは無い。

演奏会で彼らから放射されるエネルギーを浴びて感じたのは、彼らのここまでに至るさまざまの目に見えない道のり、すなわち人知れず苦労したことや影の努力の大変さが聴き手に意識せずとも伝わるからではないか。
聴き手はまず表向きは音楽の内容に注意を向けるが、実はこの奏者たちの音楽に対する思いの強さや、ここまで来た道のりで乗り越えてきたものを潜在的に感じ取って、感動しているのだと思う。

中央大学マンドリン倶楽部の今日の演奏に対し、彼ら自身としての評価は知る由もないが、少なくとも私は、このような演奏をした自分自身に対し、素直に感動に浸って欲しいと願う。
冬の定期演奏会ではどんな曲、どんな演奏をしてくれるのであろう。楽しみだ。
やるからには聴き手に最高の演奏を聴いて欲しいという、ひたむきさを強く感じた一日であった。