レインマン

　第６１回アカデミー賞で作品賞を受賞した映画です。
　自閉症の兄がいることを知った弟が、父の遺産を独占することになった兄を病院から連れ出し、管財人に遺産の半分を要求します。
　兄のいた故郷のシンシナチからロサンゼルスへ飛行機で帰ろうとしますが、飛行機や高速道路を極端に恐れる兄のために、一週間かけて一般道を運転して帰る羽目になります。
　その間のいろいろな事件を通して、二人は互いに兄弟としての愛情に目覚めます。
　主演男優賞を獲得した兄役のダスティン・ホフマンの名演技はもちろんすごいのですが、弟役の人気俳優トム・クルーズも数多い出演作の中で一番の演技でしょう。
　この映画が、自閉症についてどのくらい医学的に正しいのかは分かりませんが、少なくともこの映画を見た観客は、自閉症の人たちやその家族について理解しようと努めはじめることは間違いないでしょう。

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緑の光線

　１９８６年のフランス映画です。
　ヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を受賞しています。
　パリで秘書をしている主人公の若い女性は、ヴァカンスの二週間前に、女友達から一緒に行くはずだったギリシャ旅行をキャンセルされて途方にくれます。
　あわてて、周囲の人たちに一緒にヴァカンスに連れて行って欲しいと頼みます。
　周りの人はみんな優しくて、いろいろと提案してくれるのですが、彼女はどれも気に入りません。
　自分の家族は、アイルランドに一緒に行こうと誘ってくれたのですが、アイルランドは寒いし雨が降るし海がないからいやだと断ります。
　昔の恋人は、自分が持っている山の家（部屋？）を貸してあげると言ってくれますが、一人じゃいやだと断ります。
　女友達たちに相談すると、一人旅や団体旅行を勧めてくれますが、そんなのみじめだと言い張ります。
　とうとう泣き出してしまった彼女を、女友達の一人が同情して、自分も参加する彼女の家族のヴァカンスに誘ってくれます。
　そこは海辺で彼女が望む太陽もたっぷりある素敵な所ですし、女友達の家族もみんな親切なのですが、彼女は少しも打ち解けず（例えば、彼女はベジタリアンなのですが、他のみんなが子羊のローストを食べている最中に、空気も読まずに動物を食べる行為を公然と批判します）、女友達が仕事の都合で途中で帰ることになった時に一緒にパリへ戻ってしまいます。
　しかし、パリでの休暇にも満足できず（若い男にナンパされそうになって、あわてて逃げます）に、また昔の恋人に電話して、彼の山の部屋を借りてその場所まで行ったのですが、やはり一人旅と山間地（彼女は、ヴァカンスは海と太陽がある所でと決めつけています）は耐えられずに、部屋にも入らずにパリへ帰ってきてしまいます。
　パリでの休暇はやはり満足がいかないのですが、偶然出会った女友達に、今度は彼女の家族が所有している海辺の部屋を借りることができます。
　そこでのヴァカンスは、有名なビーチも太陽もたっぷりあって、やはり一人旅のスウェーデンの若い女性とも知り合って、楽しくなりそうでした。
　でも、若い二人連れの男たちにナンパされると、ノリノリの奔放なスウェーデンの女性（海辺ではトップレスですごして、夜は男漁りをしています）についていけずに、その場を逃げ出してしまいます。
　最期に、パリへ帰る列車を待つ間に待合所で知り合った、彼女と同じ読書好き（その時に彼女が読んでいて彼の方も知っていた本がドストエフスキーの「白痴」というのは、舞台が１９８６年のフランスだとしてもちょっと無理があるように思えます）の若い男（家具職人見習い）と知り合って、ようやくヴァカンスに満足します。
　「緑の光線」というのは、ジュール・ヴェルヌ（「海底二万マイル」や「八十日間世界一周」や「月世界旅行」で有名なフランスの小説家でＳＦの祖と言われていて、「十五少年漂流記（二年間の休暇）」などで児童文学作家としても知られています）の小説の題名で、自然現象としては太陽が海に沈む時に光の屈折や反射のために一番波長の短い緑色だけが一瞬見えることです。
　フランスでは、ヴェルヌの小説の影響もあって、それを見ると幸運が訪れると信じられているようです。
　映画では、浜辺で老人グループがヴェルヌの作品について話していて科学的な説明もしている場面に、主人公が偶然出くわす（ご都合主義ですね）のですが、そのころでもまだヴェルヌの作品が読まれていたのかは興味深いです。
　他の記事にも書きましたが、１９４５年のフランスで、主人公の視覚障碍者の少女が、ヴェルヌの「海底二万マイル」の点字本（当時では貴重品です）を熱心に読むシーンが出てくる小説（アンソニー・ドーア「すべての見えない光」（その記事を参照してください）もありました。
　フランス人（たぶんパリなどの大都市の住人に限られていると思いますが）のヴァカンスへの異常な情熱（他の記事で紹介した映画にもたくさん出てきます）やイージーゴーイングな男女の出会いにたいする風刺がヨーロッパで評価されたのでしょうが、日本人の目で見ると主人公がわがまますぎるように思えますし、最期は女友達たちが彼女を評して言ったいわゆる「「白馬の王子様」を待っている女性」に、実際に「白馬の王子」様（彼女の好みに合っているだけでそんなに魅力的ではありませんが、それまで彼女をナンパしようとした男たちがいかにも軽薄でひどいので、観客もそれよりはましに感じられます）が現れるラストも感心しませんでした（おまけに、実際に「緑の光線」を二人で見ます）。
　この作品でも、「木と市長と文化会館　または七つの偶然」（その記事を参照してください）と同様に、相手を論破しようとする議論好きなフランス人（攻撃的な人もいますが、穏やかな人もいます）がたくさん出てきますが、それは監督のエリック・ロメールの好みなだけなのかもしれません。
　

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昨日、今日、明日

　１９６３年公開のイタリア映画です。

　翌年、アカデミー賞の外国語映画部門で受賞しました。

　以下の三話からなるオムニバス形式の映画で、イタリア女性の過去、未来、現在を描いています。

ナポリのアデレーナ

　失業中の頼りない亭主を支えるたくましい女性が描かれています。

　闇たばこ売りを摘発されますが、妊娠中及び出産後六ヶ月は逮捕されないことを知り、次々に子供を作って収監を逃れ、とうとう七人も子供が生まれます。

　妻の方は七人産んでもますますたくましく美しく輝いていますが、夫の方はげっそりしてしまって、八人目はとうとう期限までに妊娠できずに、彼女は刑務所に収監されてしまいます。

　しかし、周囲の人々のカンパと請願によって、無事釈放されます。

ミラノのアンナ

　仕事中毒の夫に愛想を尽かせて、留守中に浮気をしている有閑マダムが描かれます。

　彼女の高級車の運転を誤って事故を起こした、頼りない作家の浮気相手をさっさと見限って、その場を立ち去ります。

ローマのマーラ

　魅力的で気のいい高級娼婦が描かれています。

　彼女のアパートの隣に住む老夫婦の所へ休暇で来た、孫の神学生に一目惚れされて、大騒動（彼女に魅了されて、神学校をやめると言い出す。さらに、彼女の正体を知って絶望し、外人部隊へ入ると言い出す）が起きますが、根は善良な彼女のおかげで神学生も気を取り直して学校へ戻ります。

　三話を通して、主役のソフィア・ローレンの魅力が全開です。

　たくましい下町の主婦、奔放な有閑マダム、気立てのいい高級娼婦、どれをとっても、彼女の明るさ、素晴らしい肢体、美しさなどが存分に発揮されています。

　それを引き立てる相手役のマルチェロ・マストロヤンニの演技も素晴らしいです。

　女房の尻にしかれている気弱な亭主、頼りないインテリ風の浮気相手、マーラに振り回されるボンボン育ちの気のいい上客、どれにおいても、彼の人のよさと軽妙な持ち味が生きています。

　彼ら名優たちを自在に操って、明るくユーモアたっぷりにイタリア社会の断面を描いて見せた、名匠ウ゛ィットリオ・デ・シーカ監督の腕前はさすがです。

　

 

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フライド・グリーン・トマト

　１９９１年公開のアメリカ映画です。

　甘いものを食べすぎて太って、目的もなく怠惰に過ごしている自分と、テレビでのスポーツ観戦に夢中で自分に関心を持たない夫との生活（子供はすでに巣立っています）にうんざりしている主人公は、フェミニズム系のセミナーに参加したりしています。

　そんな彼女は、ひょんなことから老人施設にいる老婦人（他の人の付き添いできています）から、戦前にその地域に住んでいた二人の女性の友情についての話を、断続的に聞くことになります。

　二人は、さまざまな困難（最愛の人（一人にとっては兄で、もう一人にとっては恋人）の事故死、家庭内暴力、そこからの脱出、アメリカ南部における黒人に対する人種差別、子供の大怪我（片腕を失います）、夫による子供の誘拐、それを防ぐための殺人（実際は死体遺棄）、裁判、病気、死など）を、力を合わせて乗り越えていきます。

　主人公は、この話を聞く過程で、自分のアイデンティティを取り戻して、自立した女性になっていきます。

　変わった題名は、二人の女性が営んでいたカフェの名物料理の名前です。

　主人公と老婦人を演じた、ともにアカデミー主演女優賞の受賞経験のある二人の名女優、キャシー・ベイツ（「ミザリー」）とジェシカ・タンディ（ドライビングMissデイジー）の演技が光ります。

 

 

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Ｊ．Ｄ．サリンジャー「ブルー・メロディ」倒錯の森所収

　二十歳の時に初めてこの作品を読んだ時、こんなにかっこいい短編は今まで読んだことがないと思いました。
　その感想は、五十年近くたって、読み直しても少しも変わりません。
　まず、これほど完璧な「ア・ボーイ・ミーツ・ア・ガール」的な作品は、他にはないでしょう。
　二人（ラドフォドとペギィ。１１歳？）が出会うシーン（ペギィが噛みかけのガムを首の後ろのくぼみにさし込むところが格好良かったので、ラドフォドが声をかけました）。
　二人を強く結びつけた完璧な音楽的センス（ラドフォドが前から友だちだった酒場の黒人ジャズピアニストの演奏と、途中から彼の店へやってきた姪のジャズシンガーの歌声に対する二人の反応に対する描写は、音楽ファンなら誰でもしびれることでしょう）。
　二人の婚約（？）（ペギィが、ちょっと怪我しただけ（あるいはしていない）の額に、ラドフォドをだましてキスさせて、それで婚約が成立したと宣言します）。
　二人の別れと再会。
　こうした「ア・ボーイ・ミツ・ア・ガール」的ストーリーの中に、１９２７年当時の南部（テネシー州）の黒人差別（病院をたらいまわしにされて、黒人ジャズシンガーは急性虫垂炎で死にます）、二人が再会した１９４２年の雰囲気（第二次世界大戦中で、インターン（医者になろうとしたきっかけは黒人ジャズシンガーの死が影響しているかもしれません）のラドフォドは陸軍に召集されるところで、ペギィは海軍の航空兵と結婚しています）、１９４４年の戦地での様子（語り手（サリンジャーの分身でしょう）がラドフォドからこの話を聞きます）などが、簡潔にしかし印象的に描き出されています。
　だいたい「ブルー・メロディ」というタイトル自体が、すごくかっこいいですよね。
　ほとんどの創作を始める人が同様だと思いますが、私も好きな作家の模倣からスタートしました。
　私の場合の模倣する対象は、アラン・シリトー（「長距離ランナーの孤独」など）、ペイトン（「卒業の夏」など）と並んで、サリンジャーでした。
　サリンジャーの作品で、「笑い男」（その記事を参照してください）と並んで真っ先に模倣したのが、この「ブルー・メロディ」でした。
　その「ア・ボーイ・ミーツ・ア・ガール」的短編は、当時の雑誌「日本児童文学」の創作コンクールの選者の人たちはすごく褒めてくれたのですが、もちろんその出来が本家に遠く及ばなかったことは言うまでもありません。

 

倒錯の森   J・D・サリンジャー 角川書店

 

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リトル・ミス・サンシャイン

　２００６年公開のアメリカ映画です。

　小学生低学年の娘が子供のミスコンテストに出場するために、崩壊寸前の家族六人（父親は啓発セミナーの本を売り込んでいるが見込みはなく破産寸前、父方の祖父はヘロインの使用で老人ホームを追い出されて同居している、母親の兄は同性愛の相手に失恋して自殺未遂を起こしたばかり。兄は引きこもりで家族とも口をきかないで筆談している。母親だけはヘビースモーカーで家事を手抜きしている以外は大きな問題はない）が、ニューメキシコ州からカリフォルニア州までの８００マイルをおんぼろバスで旅行する（お金がないのと自殺未遂者を家に残しておけないため）ロードムービーです。

　いろいろな困難（おんぼろバスが故障して、押してスピードが出てからでないとクラッチが入らなくなる。祖父がヘロインのために急死する。パイロット志望の兄が色覚障害だったことが判明する。母の兄が失恋相手にばったり出くわす。肝心のコンテストに遅刻する）を乗り越えて、コンテストの特技コーナーで場違いなストリップ的なダンス（亡くなった祖父が振り付けた）をし始めた娘を、止めさせようとする主催者たちからみんなで守って、一緒に踊るシーンは感動的です。

　アカデミー賞では、惜しくも作品賞は逃しましたが、脚本賞と助演男優賞（祖父役）を受賞しました。

 

 

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モスラ対ゴジラ

　１９６４年の日本の特撮映画です。

　ゴジラシリーズとしては四本目、モスラシリーズとしては二本目にあたります。

　お話自体は、悪の怪獣ゴジラに襲われた日本を、インファント島に住む正義の怪獣モスラに頼んでゴジラを倒してもらって、守るという他愛のないものです。

　このころのゴジラは悪者で、それを正義の怪獣が倒すという図式は、前作のキングゴジラ対ゴジラで確立された図式で、その後の怪獣映画ではこのパターンが多いです。

　その後、ゴジラの人気が高まったので正義側にまわり、代わってスケールアップした悪の怪獣としてキングギドラが創作されました。

　登場する放射能などの科学知識も、今から考えるとかなりひどいものです。

　それでも、精巧なミニチュアと、スーツアクターと、夥しい人数のエキストラを使った特撮シーンは迫力十分で、安易なＣＧに慣れた今の目で見ると手作り感が満載で、今でも十分に少年たちの心をくすぐるものがあります。

　こうした特撮シーンを見たり、小美人を演じるザ・ピーナッツの完璧すぎるハーモニーのモスラの歌を聴くだけでも、この映画は一見の価値があります。

 

 

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Ｊ．Ｄ．サリンジャー「笑い男」九つの物語所収

　主人公の少年にとっては、おそらく子ども時代におけるもっともショッキングな一日だったことでしょう。
　なぜなら、敬愛するコマンチ・クラブの団長と、美人で魅力的なガールフレンドとの関係が破局を迎え、同時に数か月にわたってコマンチ・クラブのメンバーに団長が語ってくれていた、オリジナルの連続冒険活劇の主人公、世界一の盗賊「笑い男」が死んで、お話が突然終わってしまったからです。
　この短編の中に、サリンジャーは自分が好きな（そして、私も含めてほとんどすべての男の子も好きな）ものをギュッと一つにまとめています。
　まず、コマンチ・クラブです。
　団長（ニューヨーク大学で法律を勉強している２２歳か２３歳ぐらいの学生）が、アルバイトとして親たちから報酬をもらって、放課後や週末に、二十五人の男の子たちを改造したオンボロバスに乗せて、セントラルパークなどの公園に連れて行いって、野球やアメリカン・フットボールをやらせたり、デイキャンプをしたりしてくれます。
　もちろん、雨の日には、自然博物館やメトロポリタン美術館（カニグズバーグがクローディアの家出先に選んだことで、児童文学の世界では非常に有名な場所です）へ連れて行ってくれます。
　この子どもたちの遊び相手という設定は、「キャッチャー・イン・ザ・ライ」（その記事を参照してください）の主人公のホールデン・コールフィールドの「僕がほんとうになりたいもの」とピタリと重なります。
　そして、それは、私自身の「僕がほんとうになりたいもの」でもあります。
　三十年以上も前に、今は亡き児童文学作家の廣越たかしの家で行われた同人誌の忘年会（私が今までに参加した忘年会で一番楽しいものでした）で、「本当になりたいもの」を問われて、「遊びだけの塾の先生」と答えたことが今でも記憶に残っています。
　次に、団長です。
　アメリカン・フットボールではオールアメリカンの最優秀タックル（と、コマンチ団のメンバーは固く信じています）で、野球ではニューヨーク・ジャイアンツから誘われている（と、コマンチ団のメンバーは固く信じています）スポーツマンで、スポーツの試合の公正で冷静な審判で、キャンプファイヤーの火付けと火消しの名人で、彼らから見るとすごくかっこいい（実際は、がっしりしているけれど背が低くて、ルックスもイマイチのようです）「男の中の男」（サリンジャーはこうした男たちが大好きで、「ソフト・ボイルド派の曹長」（その記事を参照してください）も同タイプです。サリンジャー自身はハンサムで背が高く、ホールデン・コールフィールドと同様に女の子たちにもてたみたいなので、見かけだけに魅かれて言い寄ってくる内容のない女の子たちにうんざりしていたのかもしれません）。
　そして、団長のガールフレンドです。
　少なくとも、主人公がその後大人になるまでの間に出会った中ではベスト３に入る美人（団長の時に書いたことと矛盾していますね）で、コマンチ団と一緒に野球をした時に驚異的な長打率を記録して彼ら全員を魅了し、外見はパッとしない団長の魅力もちゃんと理解している女性です（それでも、二人が破局を迎えたのは、おそらく団長の極端に内気でおとなしい性格が災いしたのでしょう）。
　最後に、「劇中劇」ならぬ「物語中の物語」である「笑い男」には、当時の男の子たち（実際は今の男の子たちも同様です）を魅了するあらゆる要素（子どもの時に誘拐されてその顔を見ると死をまねくほど醜く改造されてしまった主人公、彼をさらったシナ人の匪賊（時代が時代だけに差別的表現をお許しください）、宿敵のフランス人の刑事とその娘の男装の麗人（当時の連続活劇映画では、洋の東西を問わずに欠かせないキャラクターです）、忠実な部下たち（斑ら狼、小人、モンゴル人の大男、目が覚めるようなヨーロッパ人とアジア人の混血娘）（これらの表現も現代から見れば、白人中心主義的で差別的ですがお許しください）、そして、残酷で美しいどんでん返しの数々）が含まれています。
　これらのすべてが一日で失われてしまったのですから、主人公が「歯の根も合わぬほど震えながらうちへ帰り、まっすぐ寝床にはいるようにと言われた」のも、まったく無理のないことなのです。

 

 

九つの物語 (集英社文庫)   サリンジャー 集英社

 

青春デンデケデケデケ

　１９９１年に直木賞を受賞した芦原すなおの青春小説（その記事を参照してください。現在でしたら、児童文学のヤングアダルト物にジャンル分けされるでしょう）を、大林宣彦が監督した１９９２年の映画です。
　１９６５年の３月の高校入学前の春休みから、１９６８年２月の大学受験のために上京するまでの、丸々３年間の高校生活を、エレキバンド（リードギター、サイドギター、ベース、ドラムという非常にオーソドックスな構成です）結成から文化祭での演奏会までを、きっちりと描いています（メンバーを集めて、バイトで楽器を買い、練習場を確保し、合宿へも出かけます）。
　原作もそうですが、登場人物は、主人公を中心とした４人のバンドメンバーを初めとして、技術サポートしてくれるエンジニア志望の友だちや応援してくれる女の子たちなどの高校生たち、メンバーの家族や先生などの彼らを支えてくれる大人たちまで、かなり風変わりな人もいますが基本的にはみんないい人たちで、一種のユートピア小説の趣があります。
　日本が高度成長時代で、まだ現在よりも未来の方が良くなると信じられたころなので、こうした青春時代は一種の通過儀礼のようなもので、多くの人たちの共通の想い出ととして残っています。
　私は、主人公たちよりも５年遅い１９７０年から１９７３年が高校時代なので、すでにエレキブームは去っていましたが、こういった雰囲気が日本中の至る所にあったことは、実体験として理解できます。
　映画化にあたって、原作者の望みどおりに、こうした地方都市を舞台にした青春映画（故郷の瀬戸内海を舞台にしたいわゆる尾道三部作（「転校生」「時をかける少女」「さびしんぼう」）など）を得意にしていた大林宣彦が監督をしたので、原作の舞台である香川県観音寺市に長期ロケをして、地元の言葉や風物を生かした作品になっています。
　出演している男の子たちや女の子たちも、みんな当時の地方都市の普通の高校生のような子ばかり（新人が多かったようです）で、その後主役級の俳優になったのは白井清一役の浅野忠信ぐらいでしょう。
　一方で、大人の出演者は大林作品の常連の役達者がそろっていて、つたない（それが魅力なのですが）高校生たちの演技をしっかりサポートして、作品の完成度を高めています。
　原作の発表された１９９１年や映画化された１９９２年はバブル崩壊の真っ只中なのですが、人々の心の中にはまだまだ高度成長時代とそれに続く安定成長時代の雰囲気が続いており、そういった意味では、舞台になった１９６０年代の高度成長期とかろうじて地続きにあったので、私も含めて当時の読者や観客には受け入れやすかったのかもしれません。
　特に、地方都市である観音寺市は、バブルの影響も少なく、撮影当時も１９６０年代の雰囲気を多く残していたそうなので、その風景も魅力の一つだったと思います。

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ミラノの奇跡

　１９５１年公開のイタリア映画です。

　第４回カンヌ映画祭でパルムドールを受賞しています。

　ウ゛ィットリオ・デ・シーカ監督らしい、庶民への愛情があふれたファンタジックな映画です。

　赤ちゃんの時に、おばあさん（トトはママと呼んでいます）に拾われて愛情豊かに育てられた捨て子のトトが主役です。

　ママが死んでからは、孤児院で育てられました。

　お話は、トトが大きくなって、孤児院を出るときから動き出します。

　トトは、これ以上ないほどのお人よしで、常にポジティブです。

　そのため、いつのまにか、私有地に掘っ立て小屋を建てて住み着いている貧乏人たちのリーダーになっています。

　その私有地から石油が出たことから、持ち主の大金持ちに退去を迫られます。

　立ち退きを迫る大金持ちの私兵たちとのユーモラスな攻防戦が始まります。

　その過程で、トトは天国から抜け出してきたママからなんでも願いの叶う白い鳩を授かります。

　それからは、トトが起こす奇跡の大安売りで大混乱が起こります。

　貧乏人たちの願いは、たいていは毛皮とかドレスとか家具（小さな掘っ立て小屋には入らないのがおかしいです）やお金などの他愛のないものですが、中には身につまされるものもあります。

　黒人の男性は好きな白人女性のために白くなることを希望しますが、彼女が逆に黒くなることを希望したために、思いはすれ違ってしまいます（当時は黒人と白人の男女が結ばれることは難しかったのでしょう。この映画より後ですが、シドニー・ポアチエ主演の「招かれざる客」を思い出します）。

　孤独な自殺願望のある青年は、広場にある天使像に生命を吹き込むことを希望しますが、生まれた美少女は奔放で彼の手には余ります。

　そうしたドタバタ騒ぎを、トトとエドウ゛ィジェという少女との可愛らしい恋愛も交えて、デ・シーカはユーモアと庶民への愛情を込めて描いています。

　ラストでは、トトとエドウ゛ィジェを先頭にして、みんながほうきにまたがって、「幸せの国」に飛び去っていく姿が痛快です（「E.T.」（その記事を参照してください）を思い出させます）。

　こうしたある意味無責任な終わり方は、「卒業」（ダスティン・ホフマンとキャサリン・ロスが、花嫁姿のままでで教会から逃げてしまいます）、「小さな恋のメロディ」（マーク・レスターとトレイシー・ハイドが、トロッコに乗って逃げてしまいます。その記事を参照してください）などと共通していて、先のことを考えなければ、最高にスカッとします。

　今回、久しぶりにこの映画を見直してみて、「ああこういう作品を書きたかったんだ」と、改めて思い起こせました（今からでも遅くないか）。

 

 

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森忠明「きみはサヨナラ族か」

受験競争に明け暮れる学校に嫌気がさした主人公は、仮病を使って立川病院に入院し長期に学校を休むことになります。
病院で知り合った友だちの死や別れ、さらには長期欠席のための留年によるクラスの人たちとの別れなどを通して、「人生なんてサヨナラだけだ」と自覚しつつも、絵を描くことに自分のアイデンティティを見つけようと、主人公は決意します。
このあたりの芸術至上主義的な考え方は、森が師事していた寺山修司の影響がかなり感じられます。
あとがきでは、１５年前（初版が１９７５年１２月なので１９６０年ごろ）の自分の事を描いたと書かれていますが、この作品では出版されたころの年代にアレンジされているように感じられました。
それが、出版当時の高い評価と、多くの読者をつかむことに成功した一因になっているのではないでしょうか。
　他の森作品と同様に、異常ともいえるほどの子ども時代の鮮明な記憶（子どものころの記憶を持っているということは児童文学作家にとっては重要な資質で、特にエーリヒ・ケストナーの「わたしが子どもだったころ」や神沢利子の「いないいないばあや」（その記事を参照してください）が有名ですが、森はそれに匹敵するほどです）によって、ディテールがくっきりと描かれているのが、この作品でも大きな魅力になっています。
　ただ、現代の目で眺めてみると、小熊英二が「１９６８」(その記事を参照してください）で指摘していた、団塊の世代（森はその中心の年である１９４８年生まれ）の直面した「現代的不幸」を作品化した典型を見る思いがしました。
　彼らは、義務教育のころは戦後民主主義教育を受け、その後激烈な受験戦争に巻き込まれ、大学の大衆化に直面し、アイデンティティの喪失、生きていくリアリティの希薄化などの「現代的不幸」に直面した最初の世代でした。
　ここで「現代的不幸」とは、戦争、貧困、飢餓などの「近代的不幸」との対比で使われている用語です。
　彼ら団塊の世代の大半は、十代後半になってこの問題を自覚するようになって、全共闘世代となって学生運動に突入していきました。
　しかし、異常なまでに早熟だった森は、小学生時代にこの問題に直面していたのでしょう。
　また、この本が出版された１９７０年代には、小中学生でも森と同じ問題に直面するようになっていたので、少なからぬ読者に受け入れられたものと思われます（今回読んだ本は１９８３年１１月で１２刷です）。
　一方で、ネグレクト、世代間格差、少子化、虐待、貧困などのさらに新しい問題に直面している現代の子どもたちとは、すでに大きなギャップが生まれているのではないでしょうか。

追記
　作品論からは離れますが、森忠明とは一度だけ会って直接話を聞いたことがあります。
　彼の「へびいちごをめしあがれ」が出た後で、彼が「蘭」のおかあさんと共に立川を去る前ですから、おそらく１９８７年だったと思います。
　児童文学の同人誌の仲間たちと、「注目の書き手に会いに行こう」シリーズの第一弾として、立川まで彼に会いに行きました（実際にはこのシリーズは、第二弾として村中李衣に高田馬場で会っただけで打ち切りになってしまいましたが）。
　このシリーズの第一弾に森忠明を選んだのは、同人の一人に森の熱狂的なファンがいたためで、彼女は後に森の「グリーンアイズ」の編集を担当しました。
　待ち合わせをした喫茶店から、その後行った寿司屋（おごってもらったのがみんな一律に並寿司の盛り合わせだったのが、いかにも彼の世界っぽくていい思い出になっています）、名残惜しそうにわざわざ送ってくれた立川駅の改札口まで、間が空くのを恐れるように一人でしゃべり続けていたシャイな彼の姿が今でもはっきりと思い出されます。
　今振り返ってみると、「注目の書き手に会いに行こう」シリーズは大成功で、私は今まで会った中で、一番感受性の豊かな男性（森忠明）と一番聡明な女性（村中李衣）に出会えたことになりました。

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堀江敏幸「いつか王子駅で」

　２００１年に「熊の敷石」で第１２４回芥川賞を受賞した作者の、初の長編作品です（それまでは短編集しか出していませんでした）。
　といっても、この作品も、一章から七章までは「書斎の競馬」という雑誌に掲載された連作短編で、八章から十一章までを追加したものなので、連作短編集的な味わいもあります。
　専門のフランス文学だけでなく日本文学にも造詣が深い作者は、昔ながらの「文士」的な雰囲気があり、若い（この作品を書いた時は三十代半ば）のに老成した印象を受けます。
　文章も擬古的で滋味があって、伝統的な文学ファンには魅力があることでしょう。
　出てくる人物は魅力がありますがすべて善人ばかりで、「なずな」の記事にも書きましたがユートピア小説の趣があります。
　作者の古風な（あるいはそれを装った）作品群は、時には鼻につくこともあるのですが、この作品には初めて読んだ時から児童文学に通ずるものを感じて、作者の中では一番好きな作品です。
　それは、主人公が家庭教師をしている中学生の女の子（その親が彼の住んでいる部屋の大家でもあるのですが）が非常によく書けていて、日本のどの児童文学作品に登場する女の子たちよりも生き生きと魅力的に描かれている点にあります。
　彼女は、主に後半の書き足された部分に出てくるので、この作品を長編として成立させているのは彼女を創造できたおかげだったかもしれません。
　この作品には、彼女の外に、主に前半活躍する主人公いきつけの小料理屋の女将も魅力的に描かれていて、主人公にとって対照的な二人のミューズになっています。
　この作品を好ましく思っているのには、個人的な理由もあります。
　まず、舞台になっている北区の「王子」は、私の育った足立区の「千住」と非常に近く、自転車でよく遊びにいっていました。
　また、曾祖母が住んでいたり、祖父が晩年に入院した病院があったりと、個人的になじみ深い場所でもあります。
　作品に頻出する都電荒川線も、学生時代に時々大学に通うのに使ったりしていて懐かしい路線です。
　もう一つの理由は競馬です。
　この作品が競馬関連の雑誌に連載されていたこともあり、タカエノカオリ（１９７４年の桜花賞馬で、前述した小料理屋「かおり」の名前の由来）を初めとして、ニットウチドリ（１９７３年の桜花賞馬）、テスコガビー（１９７５年の桜花賞（大差勝ち）とオークス（八馬身差勝ち）の二冠馬。当時は秋華賞はおろかエリザベス女王杯もない時代なので牝馬としてはパーフェクトな成績で、戦前のクリフジや最近のウォッカやアーモンドアイなどと並び称されるような最強の牝馬）、キタノカチドキ（１９７４年の皐月賞と菊花賞の二冠馬）、そして今では懐かしいフレーズになった「三強」（この三頭が一着から三着を占めた１９７７年の有馬記念は、史上最高のレースと言われています）のテンポイント（１９７７年春の天皇賞と有馬記念の勝ち馬）、トウショウボーイ（１９７６年の皐月賞と有馬記念、１９７７年の宝塚記念の勝ち馬）、グリーングラス（１９７６年の菊花賞と１９７８年春の天皇賞と１９７９年の有馬記念の勝ち馬）などの懐かしい馬名が頻出します。
　作者は私より十歳も若いのに、１９７０年代の競馬に精通しているので、私に限らず古い競馬ファンにはたまらない作品になっています。
　私が競馬に熱中していたのは、タニノムーティエ（１９７０年の皐月賞とダービーの二冠馬）のダービーからテンポイントの死（１９７８年１月２２日の日経新春杯で小雪舞う中６６．５キロという今では信じられないような過酷な負担重量（その後ＪＲＡではどんなハンデ戦でもこのような馬鹿げた負担重量にはしないようになりました）のために骨折し、ＪＲＡの総力を挙げての治療と子どもたちも含めた全国のファンの願いもむなしく３月５日に亡くなりました）までなので、この作品で取り上げられている名馬たちはまさにジャストフィットしています。
　それにしても、優駿（ＪＲＡの機関誌で今のように通俗化していませんでした）１９７８年２月号の表紙（毎年２月号の表紙は前年の年度代表馬の全身をとらえた写真でした）のテンポイントは、信じられないほど美しく、まさに神が舞い降りたようでした。

	いつか王子駅で (新潮文庫)
	クリエーター情報なし
	新潮社

小さな恋のメロディ

　少年少女（１１歳ぐらいの設定と思われます）の瑞々しい恋を描いた、１９７１年のイギリス映画です。
　本国やアメリカでは不評でしたが、日本では大ヒットしました（１９５０年代の半ばから１９６０年代の初めごろに生まれた人ならば、ほとんどの人が見たことがあるんではないでしょうか？）。
　その理由としては、いくつかの事が考えられます。
　まず、主人公の男の子（撮影当時１２歳だった人気子役（「華氏４５１」、「オリバー！」、「小さな目撃者」など）のマークレスター）と主人公の女の子（撮影当時１１歳だった無名のトレーシー・ハイド）が、日本人好みの可愛らしさだったことがあげられます（二人ともぜんぜんすれていなくて、子どもらしい子どもでした）。
　次に、舞台になっているイギリスの学校（１１歳から１６歳ぐらいまで通う小中学校）の雰囲気が、当時の日本の中学校（公開当時の観客ではこの年代が一番多かったでしょう）よりも大人びて感じられて（ダンスパーティ、煙草、ミニスカートの制服、男女交際など）、魅力的に映ったものと思われます（私自身は公開当時、すでに高校二年生になったところでしたが、男子校だったので男女交際の感覚が中学生当時からストップしたまま（いやむしろ中学時代の女友だちとの関係が次第に薄れて、より飢餓感があったかもしれません）でしたので、中学生たちと同様に羨ましかったです）。
　また、子どもたちだけで二人の結婚式をあげて、止めさせに来た大人たち（教師たちとマーク･レスターのママ）と戦って勝利（失敗続きだった爆弾マニアの少年の爆弾がついに成功して、マーク・レスターのママのスポーツカーを爆破して大人たちを敗走させます）して、二人はトロッコで旅立つというファンタジックなストーリーが、いつも大人たちに抑圧されている日本の子どもたち（特に、当時（今もそうかもしれませんが）の中学生は、受験勉強や内申書で、教師たちにがんじがらめにされていました）にとって痛快でした（この映画の根本的な考えは「大人たちは信用できない」なので、出てくるほとんどの大人たちはかなり俗物的に誇張されていました）
　また、７０年安保末期の高校紛争も、ほとんどが子どもたち側の敗北（私の通っている高校は私立の付属高校だったので、生徒側がかなりの勝利を収めて、制帽、制服、中間試験などが廃止になっていましたが）に終わっていましたので、その鬱屈感の解消にもなったかもしれません。
　個人的には、全編に、ビージーズ（「イン・ザ・モーニング」、「メロディ・フェア」「若葉のころ」、「ラヴ・サムバディ」など）やクロスビー・スティルス・ナッシュ＆ヤング（「ティーチ・ユア・チルドレン」）などの、映画のシーンにピッタリの美しい曲が流れていたことも大きな魅力でした（「卒業」とサイモン＆ガーファンクルと同様に、映画と音楽の融合の成功例の一つでしょう）｡

小さな恋のメロディ [DVD]   マーク・レスター KADOKAWA / 角川書店

ふたりのロッテ

　１９９３年公開のドイツ映画です。

　１９４９年に出版されたエーリヒ・ケストナーの児童文学の古典「ふたりのロッテ」（その記事を参照してください）の比較的最近の映画化です。

　もともとこの作品は、戦時中に映画の脚本として書かれたということもあって、ケストナー作品の中では最もたびたび映画化されています。

　一番最初は出版された翌年の西ドイツ映画ですが、日本でもすぐに当時の人気子役だった美空ひばりの一人二役で映画化されています。

　同様に、アメリカの人気子役だったヘイリー・ミルズの一人二役による「罠にかかったパパとママ」という題名のディズニー映画も日本で封切られ、子供のころに見た記憶があります。

　さて、この映画では、実際に双子の子役がシャルロッテとルイーズを演じていて、二人の性格の違い（元気いっぱいのシャルロッテとおとなしい優等生のルイーズ）が非常に良く表現されていて、原作の雰囲気をうまく出しています。

　また、この映画では、以下の基本コンセプトだけを守って、後は現代の事情に合わせて自由にストーリーを展開したのが、かえって作品の精神を今の子供たちに伝えることに成功していると思います。

＜両親が離婚したために離れ離れになっていた双子が、偶然サマーキャンプで再開して意気投合し、二人が入れ代わってそれぞれパパとママの元に戻り、二人の機知と策略によって、両親の関係を修復します＞

　この映画でも、つねに子どもたちの側に立つケストナーの精神が、見事に継承されています。

 

 

ふたりのロッテ [DVD]   フリッツィ・アイヒホーン 松竹ホームビデオ

 

 

 

フェリーニのアマルコルド

　１９７３年公開のイタリア映画で、アカデミー賞外国語映画賞（監督のフェデリコ・フェリーニは史上最多の四度目の受賞です）を受賞しました。
　フェリーニの作品の中ではもっとも児童文学の世界に近い作品で、子ども時代（中学生ぐらいか？）の想い出をもとに作られています。
　海辺の田舎町を舞台に、綿毛の飛ぶ季節（春の訪れ）から翌年の綿毛が飛びはじまるまでの一年間が描かれています。
　頑固な父親や口やかましいけれど優しい母親などとの家族生活（ファシストによる父の拷問や母の死なども描かれています）、権威主義的な教師や牧師たち、ファシズムのイタリア席巻などを風刺的に描いていますが、フェリーニならでは猥雑なシーン（あこがれの年上の美女、誰とでも寝る若い女、超グラマーなタバコ屋の女主人など）もふんだんに盛り込まれています。
　こうしたある意味雑多な事象をフェリーニ独特のユーモアや皮肉をちりばめて描いていますが、それを圧倒的な映像美（冒頭とラストの綿毛の飛ぶシーン、春の訪れを告げる祭りの焚火、記録的な大雪によって一変した町の風景、雪の中を舞うクジャク、豪華なリゾートホテル、真夜中に沖を通るアメリカの豪華客船（町民総出で小舟に乗って迎えに行きます）、結婚式やパーティが行われる郊外の風景など）で、フェリーニ独特の世界が展開されます。
　１９７３年４月、大学の入学オリエンテーション前に、京橋の国立フィルムセンターで行われたイタリア映画祭で、初めてフェリーニの「道」を見て以来、都内のあちこちにあった名画座でそれまでのフェリーニ作品を片っ端から観ていたのですが、この作品以降は封切り時にリアルタイムで見られるようになりました。

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	KADOKAWA / 角川書店