３３-１/３RPMのコンパクト盤は６０年代から７０年代の初め頃にはよくレコード屋さんの店頭でお目に掛かった。
４曲程度の収録ではあるが、ヒット曲中心にまとめられていてお買い得。
当時はポータブル電蓄を側に置いて内蔵のモノラル・スピーカーを通してシングル盤を楽しむ時代ではあったので、２曲聴いてレコードを裏返すという作業はそれほど苦にもならなかっただろう。
しかしサブスク全盛時代において、オート機能なしのレコード・プレイヤーを使ってコンパクト盤の２ch再生を楽しむには些か慌ただしさを感じてしまう。
ただ、独自のジャケの写真や解説を読んでいるとその当時の懐かしい状況が思い出され結構楽しめるかも。
１９７１年のエルトンのヒット・シングル４曲入りコンパクト盤
当時吟遊詩人のイメージで売り出したエルトンとライブ・ステージでのワイルドなその姿のギャップに驚く立川直樹氏
エルトン・ジョンはアルバム、A Single Manを前作、Blue Movesから２年後の１９７８年に彼のロケット・レーベル第２弾として久々に出すことに。
バンド・メンバーもギターのデイビー・ジョンストンとパーカションのレイ・クーパーを除いて全員入れ替え。
更にそれまでエルトンのほとんどの曲の詩を書いてきたバーニーの代わりに、ゲイリー・オズボーンと組むことに。ゲイリーといえばヴィグラスとオズボーンと言うデュオ・グループで活動し１９７２年に彼らのアルバムからシングル・カットされた”秋はひとりぼっち”が日本でもヒットしたので覚えている人もいるだろう。この曲はForever Autumと言うタイトルでムーディー・ブルースのジャスティン・ヘイワードがカバーしている。
アルバムはそれまでと比べると少々地味と取られたのか、全盛期のアルバムの初登場１位と比べると物足りないかもしれないが、それでも全英/全米のチャートでそれぞれ８/１５位と健闘したと思う。
肝心の中身もじっくり聴けばその良さがわかる。
どのような経緯でバーニーとのコンビを解消したのか定かではないが、アルバム・タイトルの如くSingle Manとしてエルトンは新たなる航海へと旅立ったのであった。
あれ？ 船じゃなくて車で行くの？
回転チェアにどっしりと腰掛けるハゲワシ親分。その後ろには何癖もありそうな子分たちが控える。
親分の片手に握りしめられた規約書を盾に、首根っこをがっしり捕まれグゥの音もでない可哀想なエルトン。
犬はキッチンに入れたら絶対ダメですよ。やりたい放題になるからね。
１９７５年のエルトン・ジョンの９枚目のオリジナル・スタジオ・アルバム、Captain Fantastic Brown Dirt Cowboyが出た。
ナイジェル、ディーとデイビーを含むバンド編成はこのアルバムが最後となる。解雇されたナイジェルとディーのリズム・セクションはこのあとバンドに一時的に復帰した時もあるが恒常的な存在ではなくなった。
デビュー当時の自身を振り返ったコンセプト・アルバムで、発売当時はエルトンにとっても人気及び音楽創作活動でピークを迎えていた時期で、アメリカではアルバムの予約だけでチャート登場で即１位となる偉業に輝いた。
このアルバムでは３−４分程度のラジオ・フレンドリーなメロディーをエルトン自身も満足していたそうな。
アルバム全編をまったりと聴いていくのがお勧めではないかと。
ちなみにシングル・カットされたSomeone Saved My Life Tonightの邦題が僕を救ったプリマドンナと付けられているが、曲の歌詞とは異なる安直なイメージ先行のタイトルである。
実際は、エルトンが当時のガール・フレンドとのあまり気乗りしていなかった婚約を解消する手助けをしてくれたSomeoneのことを歌ったもので、プリマドンナがエルトンを救ったわけではなく、プリマドンナはここではエルトンと相対する存在で皮肉っぽく描写されている。
イラストレーター、アラン・オルドリッジによる少々おどろおどろしくも愛嬌のある作風のイラストもこのアルバムの魅力の一部となっている。
久々に１９７３年のエルトン・ジョンの２枚組スタジオ・アルバム、Goodbye Yellow Brick Road(邦題は黄昏のレンガ路)でも聴いてみようと取り出した。
彼の作品の中で一番売れたアルバムであり、個人的にも彼のベストだと思っていて当然のことながら捨て曲なし。
またアルバム・ジャケのデザインも魅力的なイラスト満載で聴いて見て非常に楽しめた作品だった。
ゲッ、アルゼンチン負けちゃった！
何と５月の太陽が、黄昏時、黄色いレンガ路の続く彼方へと沈んでいっちゃった。
エルトン・ジョンの１０枚目のオリジナル・スタジオ・アルバムは、録音スタジオだったカリブー・ランチの所在位置、West Of The Rockies(ロッキー山脈の西)を文字ってRock Of The Westiesと命名され１９７５年に発売。
前作のエルトンの自叙伝的アルバム、Captain Fantasticもそれまでのアルバムと同様び発売と同時に全米チャートNo.１に輝き、飛ぶ鳥を落とす勢いの如くヒット街道まっしぐらのエルトンで、このアルバムでも発売前の予約段階でチャート・トップ確定だった。
大きな変化は、前作の制作完了後長きに渡ってバンド・メンバーだったドラムスのナイジェル・オルソンとベースのディー・マレーを解雇し新メンバーと共にアルバムを制作することだった。
当時エルトンと彼らの間に実際のところどんなわだかまりがあった(一般的に伝えられたのは確か音楽の方向性が異なるという話だった様な？)か想像もつかないが、個人的にはそれまでの彼らの演奏やバック・コーラスなどバンドにとって貢献度が高かったので一ファンとしてその決断は非常に残念に思った。
後年ナイジェルがインタビューでエルトンから解雇の通知を受けた時は、非常に打ちのめされたって語っていた。
このメンバー・チェンジが影響したのかどうか、それまでのエルトンとは違うディープなアメリカン志向のサウンドで、全体的にハードでファンキーなイメージに仕上がった。
アルバムはいつも通りチャートのトップを獲得しシングル・カットされたIsland Girlも大ヒットしたものの、当時アルバムを通して聴いてみて、個人的にはナイジェルやディーのいた頃に一番思い入れがあったので、何だかな～と感じたのは確か。
他のリスナーも同じ様に感じたのか、アルバムの売上はそれまでの作品と比べると落ち込み、次作のBlue Movesで少々方向転換へ...
その後、ナイジェルとディー(ディーは１９７２年、４５歳の若さで病気でこの世をさることに)もスポットでエルトンのアルバムしばしば参加し、旧友が帰ってきた感じで嬉しく思ったこともあった。
とは言えこのアルバム、特にオーバー・プロデュースされているとも感じないし、歌唱・演奏もしっかりしていていいアルバムだと思う。
多分、当時こうあるべきだと思い描いていたエルトンのイメージとは違っていただけなのかもね。
１９７６年に自身の設立したロケット・レコードよりアルバムを出せる事になったエルトンだが、１９７６年のBlue Move、１９７８年のA Single Manと１９７９年のVictim Of Loveなどのアルバムは彼の絶頂期と比べるとその勢いに翳りが出てきたのは間違いないだろう。
そして１９８０年には21 At 33(３１歳で２１枚目のアルバムと言う意味らしい)と言うタイトルのアルバムが出た。
１９６９年アルバム、Empty Skyが出てから１１年で２１枚のアルバム。ただオリジナル・アルバムだけでは２１枚にはならないのでコンピ・アルバム、ライブ・アルバムなどもその数に入れて計２１枚になるとの事らしいが...
それまで短期間に数多くのアルバムを出す度に常に新しい何かを求め続けられてきた超ハードな活動を顧みて、少々行き詰まりはあったかも。
今回作詞陣には盟友バーニーだけで無くゲイリー・オズボーン、トム・ロビンソンとジュディ・ツークらも起用、またレコーディング・セッションでも数多くのミュージシャンが参加し、あらゆるバリエーションを試し今後どうあるべきかを模索したアルバムではなかったかと思う。
てな事でジャケにエルトンの姿はなく、先入観なしでこのアルバムを聴いてほしいと思ったのでは...
全体的にはおとなしめでロッカーのエルトンはそこにはいないが、AOR調ミディアム・テンポのLittel JeannieやSartorial Eloquenceなど聴きどころは沢山！
いつぞやは “知人の証言ってことで、１９７１年１０月に日本で行われたコンサートでの男は小太りでピアノの上で飛んだり跳ねたりしていた。”なんて非常に失礼な書いてしまって本当に申し訳ありませんでした。
数ヶ月前に某通販サイトであなたの当時のコンサートを収録したCDを見かけました。そのCDは１９７１年１０月１１日に東京で行われたコンサートの模様をサウンド･ボード経由で録音した代物で、当然正規盤では無いですがこれが結構良い出来らしいみたいで。
個人的には、アーティストをサポートする意味でもブートの音源は買わない主義でありましたが、セット･リストを見て何とIt’s Me That You Needが収録されているではありませんか！
この曲はあなたの３枚目のシングルとして１９６９年に発売されたものの欧米では不発でしたっけ。しかしその２年後日本で大ヒット(オリコン洋楽シングル･チャート２位)を記録しましたね。
それまでこの曲がライブでは全く披露されなかった事からシングル･カットされたものの多分あなたはそれ程気に入ってはいなかったのかも？
でも日本のファンに対して感謝の意を表して初来日のコンサートのオープナーとしてこの曲を披露されたと個人的に思っているのですが… しかもピアノによるスキヤキのメロディーもコンサートの終盤でちょろっと出てきますね。
まあ何と言っても日本公演の後はライブでは全く登場しない幻の曲ですからね、って事でこの一曲のために私にとって禁断のブート盤取り寄せてみました。
まあライン録音なので基本的に音は悪くはないのですが、全体的にはブートゆえしっかり音源が調整されていない、例えばナイジェルの手数の多いドラムスやディーの唸るベース･ランニングは正規盤ライブ、１７−１１−７０と比較すると迫力不足なミキシングかな？ それに観客の反応が抑え気味で少々間の抜けた箇所もいくつかあるので、いつか正規盤出して頂ければと思います。
因みに、このブートの音源の最後のアンコール曲、Whole Lotta Shakin’ Goin’ Onは７０年代にNHKのテレビかラジオでオン･エヤーされたような記憶が？ Shakin’ Baby Shakin’ってエルトンがシャウトしたフレーズに何故か聴き覚えが…
それでブートの割に音質がいいのかもね。
８０年代中頃になるとドラッグの影響なのか制作するアルバムに今ひとつキレがなくなり、セールスも低迷。
施設での矯正を受けドラッグ禍からようやく立ち直り１９８９年にアルバム、Sleeping With The Pastを発表。
そしてそれに続くアルバムが、１９９２年のThe One。ようやく往年の充実したサウンドが戻ってきた。
ジャケ･デザインのコンセプトはお馴染みベルサーチ
お馴染みのギターのディビィー･ジョンストンはもとより、ナイジェル･オルソンやキキ･ディーらエルトン･ファミリーも参加。
ベースにはのちにジョン･メイヤーとトリオを組ピノ･パラディーノや、さらにエリック･クラプトンやデヴィッド･ギルモアもそれぞれ１曲だけだがギターで参加。
当時一聴してようやくエルトンも闇を抜けたかって思った。
ただ個人的にはもう少し曲の長さを切り詰めてメリハリ効かせた方がよかったかな？
LPレコードは両面の収録時間を合わせると大体４４−５分ってところ。CD時代になるとその特性により更に長い収録時間が確保出来ることにより、一曲の長さが長くなったり曲数が増えたりすることになる。
そのためアルバム全体やそれぞれの曲が冗長になる様な時が…
聞き手が緊張感を持って音源を聴き続けるにはやっぱり限界があって、レコード世代の私などは２０分ほど聴いてレコードを裏返してまた２０分というサイクルが体にフィットする。
わざわざサビをこれでもか！って何度も繰り返す必要はなく、ここぞというときに心地よいサビを一発かまし曲を終わらせば、またもう一度聴きたくなるって思うのだけれど。
作詞家バーニーの憧れの地、淡い土色のイメージでアメリカ西部をレトロな感覚で描いた１９７０年の作品、Tumbleweed Connection。
翌年の次作、Madman Across The Waterは前作と同じくアメリカを描いてはいるが、その全体的な印象は青い色彩で描かれたジャケットの様に冷たさが…
さらにポール･バックマスターによる鋭利なストリングスのアレンジにより暗さも感じられる。
(写真のエルトンもシリアスな感じに写っている)
(全くカントリーぽくないB.J.コールの爪弾くスティール･ギターが印象的)
そんなイメージからか、エルトンの初期の作品の中では販売当初チャート的には良くなかった。
ただ通算販売数となると他のアルバムに劣らないほどの売り上げがあり、何度も聴き返すことによってその良さが味わえるって作品ですかね？
今日だけで４度もフルで聴いたことに。
個人的に何度聴いても飽きのこないアルバムです。
エルトン・ジョンの１９７０年の３枚目のオリジナル・アルバム、Tumbleweed Connectionを久々に聴いてみた。
以前に書いた通り、ヨーロピアン調だった前作よりもロック色を高め、Tumbleweed、アメリカの乾いた荒野で風に吹かれてコロコロ転がる枯枝の残骸、をイメージしたのかアメリカン・フレーバーをちりばめたものとなった。
今回はレコードではなく、２００８年に出た二枚組のCDにしてみた。もちろん目当てはピアノ･デモやBBCのライブ音源を収録したDisc２。
何故かピアノ･デモ･バージョンの方が正規の音源よりゴスペルやブルース臭があってを個人的にはアメリカさをより感じさせる。
それから、ボツになったミック･ロンソンのギターによるMadmann Across The Waterも収録されていてようやく日の目を見たわけだが、この時期の収録だからTumbleweed Connectionに収録されていても違和感はないアレンジと感じた。
因みにこの曲は次作のタイトル曲になり、クリス･スペディングとデイヴィー･ジョンストンらのギターにポール･バックマスターの重いストリングスが被さった英国よりの重いアレンジに変更されている。
このアルバムでアメリカに接近しすぎたからなのか、次作のアルバム、Madmann Across The Waterの制作で少々揺り戻しがあったのかな？
今日はこれっ！
なんだエルトンとキキ･ディーの例の”恋のデュエット”か～
と思いきや、B面に収録されたSnow Queenであります。
シングルのB面って、だいたいアルバム収録から漏れたアウト･テイク、もしくはアルバム収録されたちょっとマイナーな曲ってイメージがあるけど、隠れたジュエルとでも言うべき掘り出し物がしばしばある。
デュエットで感情をセーブして淡々と歌われるギター･ベースの美しいバラッド。なんだか病みつきになって何度も何度も聞いてしまう。
歌詞はかってCandle In The Windで登場したノーマ･ジーン（マリリン･モンロー）に続くハリウッド物語第二弾とも言える内容で、作詞家バーニーが思い浮かべたSnow Queen（シェール）をイメージしたものだとか。
スノー･クィーン、きっとあの丘のどこかに住んでいる。
憂いの表情を浮かべたような冷めた目でロスの街を見下ろしている。
って感じでなんだか映画の１シーンのような…
本日は１９７０年のエルトン･ジョンのセカンド･アルバム。
と言っても、今回は２００８年に２０曲が収録されたボーナス･ディスクのついた２枚組の再発CDの話。
特に１曲目から９曲目のピアノ･デモが秀逸。
エルトンのピアノとボーカルだけのシンプルな構成だが、多分一発どりで収録されたそれぞれの曲は臨場感に溢れ本編に引けを取らない歌いっぷりだ。
ピアノの伴奏だけでこれだけ歌えるシンガーって当時それほどいなかったのじゃないかと改めて感心した次第で…
１９７３年の２枚組アルバム、Goodbye Yellow Brick Roadから２枚目のシングルとしてカットされたアルバム・タイトル曲。
先行シングルとしてカットされたハード・ロック系のSaturday Night’s Alight For Fightingとは打って変わったメロディアスなバラード。
場を盛り上げるハードなナンバーも悪くはないが、やっぱりエルトン・ジョンは自身のピアノ伴奏に合わせて歌うバラードがお似合い。
当時コレをラジオで聴いて、もう一度聴きたいが為に近所のレコード屋まで自転車で一走り。
今ならサブスクでなくともYouTubeで検索すれば簡単に音源が、しかもタダで。
まあ便利な世の中になったものだが、瑣末な事柄でもそれなりに労力をかけると結構有り難みを感じる場合もある。
学校で習ったテストに出る最重要事項なんてほとんど忘却の彼方だけれど、その自転車の一走りは今でも不思議と記憶に残っている。
１９７０年１１月１７日、ニューヨークでのスタジオ･ライブ、17-11-70。
デビュー･アルバムからサード･アルバムまでの曲を取り上げている。
パワフルなのはエルトンのボーカルやピアノだけでなくサイドを固めるディー･マレーの軽快なベース･ランニングとナイジェル･オルソンの手数の多いドラミングがさらに場を盛り上げる。
吟遊詩人の肩書きも吹っ飛ぶ様な迫力のある演奏は、残念ながら日中において我が国の標準的な家屋で十二分に楽しむにはチト厳しい。
一夜漬けのテスト勉強もそっちのけで、ジャケの写真の雰囲気を味わいたく、ヘッドフォンを装着し小さなランプだけを灯し深夜の真っ暗な部屋でボリュームを上げた。
草木もねむる丑三つ時、いよいよ締めの曲“布教本部を焼き落とせ(Burn Down The Mission)”で最高潮を迎える事に。
そして消し忘れた深夜ラジオからは、か細い音量でひと昔前流行った歌謡曲が聴き疲れた体に染み入り夜明けは近いとふと我に返る。
しまった! 出題範囲を全て復習する時間がないじゃん。山を張って一点集中の丸暗記に賭けるしか…
結果は当然のごとく悲惨なものに。
まあ、いっか〜
懲りもせずこれを何度も繰り返した故、今の自分があるのだと変に胸を張る今日この頃。
