没後50年回顧展 板谷波山 －光を包む美しいやきもの (その2)

見てきました

泉屋博古館分館

会期は2014年6月14日から2014年8月24日。

今回は板谷波山(1872-1963)
アール・ヌーヴォー様式を取り入れ、東洋に古典意匠との融合によって自らの芸術へと昇華させた日本近代陶芸の巨匠。
やきものの美を追求し、陶芸を芸術へと導きました。
陶芸家の社会的地位を高め、日本近代陶芸の発達を促した先覚者。

「葆光彩磁」などの作品はもちろんのこと、作品制作の過程で考案された図案や、陶片資料など貴重な資料による研究成果。
縁のあった人々とのエピソードなどもたっぷりの内容なため2回に分けて書いています。
今日は「その2」です。
★「その1」はこちら→「没後50年回顧展 板谷波山 －光を包む美しいやきもの (その1)」
★出光美術館での展示はこちら→「没後50年・大回顧 板谷波山の夢みたもの ―〈至福〉の近代日本陶芸」

《3.完成期　古典意匠の研究、そして葆光彩磁の完成へ》
ここでは公募展の受賞を重ねた大正中期から独自のスタイルである"葆光彩磁"に取り組んでいく昭和初期までを扱っています。
大正前期には東洋の古典意匠の学習もすすみ、その古典意匠が波山芸術の代名詞となる格調高さをより一層醸し出していくのです。

<波山の古典研究－更紗、仏教工芸>
鳳凰、孔雀など奈良時代、正倉院に伝わる工芸品のモチーフがモデルとなります。
背景には華麗な唐草文が配され、仙桃(3年に一度開花し実を結ぶ中国の伝統的な桃)をモチーフにするなど"幽玄の美"が表現されていきます。

「葆光彩磁細口菊花帯模様花瓶」
口が細い花瓶。
火焔と唐草文が施されています。
葆光彩磁の幻想的なようすが素敵です。
正倉院の夢殿、救世観音の光背がモデルとなっているのだそう。

「葆光彩磁仙果文様細口花瓶」
青海波文が全体に施され、窓絵内に桃のような果実。
こちらも淡い色彩が優しく幻想的。

<大作の時代>
「棕櫚葉彫文花瓶」
出光美術館でも見ています。
白一色の花瓶。
そこを覆いつくさんばかりの棕櫚の葉。
葉の隙間には雷文が入れられ空白はありません。
明治末期から大正初期にかけて大作集中。
明治時代は博覧会の時代とも言われていました。
19世紀後半は世界各国で万国博覧会が行われます。
世界中から珍しい文物が集まる見本市。
大きな作品は展示効果を発揮しました。

「彩磁蕗葉文大花瓶」
大正初期の家族写真にも写っている作品。
大きくても丁寧に文様が施されています。
なんと、高さは77.5cm.

<波山芸術を愛した関西の数奇者－住友春翠と板谷波山>

「葆光彩磁細口花瓶」
胴の一番太いところに菊花文があしらわれています。
繊細でかわいらしい。

<「葆光」－光包むうつわ>
「葆光彩磁珍果文花瓶」
最高傑作といわれているもので重要文化財。
近代陶芸作品では重要文化財指定第1号なのです。
青海波文に窓絵内に籠に入った果実。
桃、葡萄、枇杷が描かれています。
そして、1917(大正6)年、第57回日本美術協会展で最高賞を受賞した出世作でもあります。
住友春翠はこれを壱千八百円で買い求めました。

「葆光彩磁牡丹文様花瓶」
ここまで青系の作品ばかりだったのに、これは赤。
赤一色による彩磁は作例が少ないのだそう。
ぼかしを入れずに彫りにそって牡丹唐草文を描きだされています。

「葆光彩磁妙音紋様大花瓶」
獅子にまたがった童子が笛を吹くとその妙なる音に誘われて鳳凰が登場という場面を描いています。
人物が描かれているのはとても珍しい。
裏には鳳凰と大きな花。

「彩磁草花文花瓶」
更絵から草案されたと思われる縞模様が施されています。
窓絵内に薄肉彫でシンメトリーな花。
爽やかで好きです。

「彩磁唐草文花瓶」
白いドットが全体にあり、唐草文に大きく描いた果実。
構図がおもしろい作品です。

展示室1から展示実2の間には資料が展示されています。
奥さんは下館へ疎開中、刺繍教室を開いていたそうですが、その際の図案は波山が担当したそうで、その資料の桃の図。
波山は桃のグラデーションの配色や葉や花の光の表現などを生徒さんに重視するよう伝えていたとか。
む、むずかしいっす……
他には、彫刻刀や作業ガウン、孫へのはがきなども。
はがきには犬の絵と"ポチを見においで"との言葉。
かわいらしい。
また、杖の頭に鳩のついた鳩杖がありました。
波山は1933(昭和8)年以来、郷里の80歳以上の方に無料で配布していました。
1軒ずつ訪れ手渡ししていたそうです。
それによろこんだ片が鳩杖を手に集合写真を撮り、お礼の言葉を送ると丁寧に返事を返していたのだとか。
波山が80歳になるまで続けられ、300本を超える本数を作りました。
すごいな。。。
平成23年1月下旬から3月にかけて行われた東京・田端の調査結果も展示されています。
ここは開発対象地区となったため緊急で調査が行われたとのこと。
空襲で住居・工房は全焼してしまい、下館に疎開した波山。
ここからは磁器の破片がたくさん発見されたそう。

また、波山は写真で見るとかなりの美男子。
実際もてて夫婦喧嘩もあったとか。
その際は近所の香取秀眞宅に逃げ込んでいたそうです。
そういったエピソードも面白い。

《4.観賞の器から、茶湯の器へ》
ここでは昭和初期以降の作品となります。
この時期のスタイルは文様意匠が器全体を覆いつくすよりも、むしろ器形・色彩(釉薬)・文様の要素の三位一体を考え、バランスの良い器を目指すようになります。
また彩磁ばかりではなく、単色釉の割合も増えました。
実用的な面へいったため、観賞用の台もつかなくなります。
そして葆光彩磁は激減。
純粋な磁器から磁器に土を混ぜ陶器に近い素地をつくるようになります。
あたたかみがあってさわり心地のいい新しい形となりました。

<単色釉－中国官窯スタイルへの挑戦>
「葆光青磁唐花彫紋花瓶」
青磁釉。
唐草文に大きな果実と花。
色彩がとても美しい作品。

「青磁立瓜花瓶」
縦に長いく、シンプルな造形。
つるりとしていて涼しげです。

<ロイヤル・テイスト－近代の宮廷文化と波山(皇室、財界人のサロン)>
「彩磁椿花文花瓶」
椿花をほぼ正面から描く大胆なもの。
小ぶりですが、品のいい作品。
1909(明治42)年10月、皇后(のちの昭憲皇太后)職御用品として献上。

<茶湯と波山－近代茶道具>
工芸家たちとの競作
波山の作品は、大正後期以降、"用の器"へと変わっていきました。
1918(大正7)年、"長岡波山会"が数奇者らによって結成されます。
長岡は茶の湯の盛んな地。
そのことによって茶道具へ挑戦します。

「淡紅磁四方香爐」
立方体でワイン色の香爐。
蘭の意匠の彫金文様が施されています。
おしゃれ。

「彩磁珍果文香爐」
青海波文に窓絵内に果実。
取っ手は鹿。
蝙蝠シルエットの彫金文様が施されています。
モチーフからして縁起物かな。

「葆光白磁菊香爐」
菊の花のつぼみのようでつややかで光っています。
つまみも花のよう。
素敵です。

「白天目茶碗」
「分琳茶入 銘 龍宮」
大正12年、宗偏流八世山田宗有は襲名披露の茶会に使用する茶碗と茶入れの制作を依頼しました。
これがその品。
白天目ってきれい。
星座のようです。
垂れる釉薬もまた素敵。
茶入も宝物の玉に見立てた銘。
つるっと丸っこい。

「瓶花図(賛：香取秀眞)」
これは水墨画。
鶴首の をかめの つばき八千代にも 葉かへぬえだに
との賛は友人で鋳金工芸作家、歌人の香取秀眞。
花ははっきりシンプルに描かれいてます。

「氷華磁仙桃文花瓶」
大型の作品。
胴中央部に果実、下部に花文。
出光佐三は知人宅でこの作品を見て深く感銘を受け、その後収集したそうです。

「天目茶碗」
出光美術館で見た"命乞い"と似ています。
赤から青へ移りゆく色がとてもキレイ。

<陶胎への接近－和洋アール・ヌーヴォー、ふたたび>
「彩磁桔梗文水差」
出光美術館でも見た作品。
丸く優しいフォルムに優しい色。
花の美しさ、輝きがとにかく美しい。

「紫陽花文茶碗」
大きな紫陽花が椀に描かれています。
1963(昭和38)年に亡くなった波山。
世に波山の絶作として伝えられている作品の一つです。
出光美術館でも終わりは絶作でしたが、ここでも絶作です。

情報盛りだくさん＆美しい作品だらけととても楽しい展示でした。
波山の生涯を追う形で展示が構成されているので、分かりやすい。
出光美術館での展示を見た人も改めて、見れると思います。
おすすめです。



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没後50年回顧展 板谷波山 －光を包む美しいやきもの (その1)

見てきました

泉屋博古館分館

会期は2014年6月14日から2014年8月24日。

今回は板谷波山(1872-1963)
アール・ヌーヴォー様式を取り入れ、東洋に古典意匠との融合によって自らの芸術へと昇華させた日本近代陶芸の巨匠。
やきものの美を追求し、陶芸を芸術へと導きました。
陶芸家の社会的地位を高め、日本近代陶芸の発達を促した先覚者です。
そんな波山の没後50年を記念した展示です。

「あれ?? 波山展って先日も出光美術館で……。」
そう、先日もあったばかり。
(記事はこちら→「没後50年・大回顧　板谷波山の夢みたもの ―〈至福〉の近代日本陶芸」)
出光美術館の方が展示面積広いし、似たような展示だろうしなぁ。。。
だから、まあ、さらっと見てこようって気持ちで出かけました。

あの小さな泉屋博古館分館に3時間滞在しました。笑
あそこ、ロビーにお茶とかお水があるのがうれしいよね。笑
展示は、素晴らしいの一言。
年代順に波山芸術がとても詳細に分かりやすく展示されています。
「葆光彩磁」などの作品はもちろんのこと、作品制作の過程で考案された図案や、陶片資料など貴重な資料による研究成果。
縁のあった人々とのエピソードなどもたっぷり。
これはこれは、とメモが忙しい!!
出光美術館に負けず劣らず、というか。
作品数は出光美術館のほうが多いのですが、"波山"という人に迫った面ではこちらの方が情報量は多いです。
それゆえにその時代その時代を理解しやすい。

今回2つに分けて書いていきます。
今日は「その1」です。

《1.修行期　美術との出会い、陶芸の道を歩む》
<東京美術学校から石川県立工業学校へ
草創期の波山窯－飛鳥山焼、雅焼(和様の什器)、初期釉下彩>

ここでは東京美術学校から金沢での教員時代を経て、東京で陶芸家としてデビューするまでの間の作品を取り上げています。
"美しいやきものを作りたい"という強い志を糧に陶芸家を目指した波山。
1889(明治22)年に東京美術学校へ入学。
彫刻家の師、高村光雲に学び立体造形を捉える視点、その表現法を学び、技術を磨きます。
卒業後は1896(明治29)年に石川県工業学校へ赴任。
なぜ工業学校??と思いましたが、石川県立工業学校は当時、国内では最先端の窯業技術の研究機関でもあったそう。
そこで陶芸家としての基礎を学び、最新のデザイン意匠、釉薬や絵付け顔料、粘土の研究成果に触れ、実際にろくろ技術を学び、窯での焼成などの体験を積みました。

「東京美術学校課題画(臨画・菩薩坐像)」
このような作品もあったのか、と思わせます。
東京美術学校在学時の作品。
東京美術学校では2年次までは絵画・彫刻・図案の学科を分けず、一通りの基礎実技を終え、3年次で各専門へと進むカリキュラムだったそう。
そこで波山は彫刻へと進みました。

「東京美術学校課題画(新案・鷺)」
水墨の鷺。
なかなか雰囲気あって素敵です。

「木彫 元禄美人」
東京美術学校の卒業制作。
1mほどの大きさです。
右手で着物の裾を持つ元禄時代の女性。
これが木かと思うほど、しわの表現などが丁寧になされています。
これの制作にあたって岡倉天心は「なぜそれを作るのか」と聞いたそうです。
波山が「江戸の庶民文化の発展に興味を持ったから」と答えたところ、江戸の書物を読むように天心はすすめたのだとか。
天心は学生の発想を重視し、創意を伸ばすよう導く指導法をとりました。
なんていい先生なんだ。。
天心との交流は卒業後も続き、波山が独立して田端に窯を築いたときには天心は資金面でも援助をしているのだそう。
天心……、どれだけの人物を手がけているんだ……
まさに近代日本美術の師。

「石川県立工業学校/ 彩磁芭蕉蛙文花瓶」
芭蕉の葉とかえる。
工業学校時代の作品。
東京美術学校で、臨画、写生、新桜、古典うつし、実物写生しなどをし、観察眼を養い、自らの独創性を高めた波山。
卒業後は石川県立工業学校へ彫刻家の教師として赴任しましたが、1898(明治31)年に彫刻家が廃止されると、陶芸家の担当となりました。
芭蕉の葉が包み込むような形の花瓶で縁にかえるがひょっこりと。
優しい色合いです。
かえるがいるけど気持ち悪さは感じない。

「石川県立工業学校/ 彩磁沢瀉花瓶」
3枚の沢瀉の葉で花瓶の形を成しています。
アール・ヌーヴォーの影響が見られる作品。
これは当時、工業学校が外部へ販売したものだそう。
そして購入者は東京美術学校。

「飛鳥山焼杯」
渋い茶系の小さな杯。
侘びた味わいです。

「れんげ草一輪生」
白地に赤紫色の可憐なれんげ。
爽やかな色彩と小さくかわいらしいフォルムがぴったりです。

「彩磁藤文花瓶」
白地に藤の花。
藤の花の垂れている様子がきれい。

「海水着少女像」
白磁の素焼塑像。
着衣は色土を張り付けて表現しています。
ワンピースのような水着を着て大きな帽子を持った少女。
これだけまったく別の作品のよう。

《2.高揚期　波山のアール・ヌーヴォー》
ここではデビューの明治末期から"日本美術協会展"などで活躍する大正前期までを扱います。
明治時代、輸出産業のエースとして期待されていた窯業界。
しかし、波山が独立したころから輸出は徐々に減少し衰退していきます。
かつての繁栄を謳歌できない時代に。
1870年代のジャポニズムブームの時代に西洋で一世を風靡した"ジャパニーズ・グロテクス"のデザインは時代遅れとなり、アール・ヌーヴォーへと時代は変わります。
いかにこれを吸収し、しかもこの国に根差した"磁器"作品を誕生させていくかが、命題となりました。
19世紀の博覧会様式か、20世紀の作家個人の美しさに根差したスタイルか。
波山はちょうどこの狭間にいました。

<『マジョリカ』－東京高等工業学校の技術導入プログラム>

1903年、工業学校の職を辞し、家族とともに状況します。
9月、波山は東京高等工業学校嘱託となります。
ここはドイツ人窯業科学者ワグネルによって近代化が図られました。
そこでは"マジョリカ"の導入がなされます。
マジョリカは錫釉を用いた低温度の陶器。
ドイツを中心に生産され、日本でも新たな輸出陶器の技術として注目されていたものでした。

「東京高等工業学校/ 新製マジョリカ額皿」
色のはっきりとした大皿。
里の景色が表現されています。
木々の間にある家、後ろ姿の女性。
穏やかな景色です。

<アール・ヌーヴォーと波山>
波山にとってアール・ヌーヴォーは切っても切れません。
アール・ヌーヴォー期の北欧磁器から学び、ロイヤル コペンハーゲンの図案を参考にしたと思われる作品も残っています。
また、ここでは素描も展示されています。
波山は約2,200枚の素描を残しました。
それには図案、模写、完成品までスケッチされていました。

「彩磁玉葱形花瓶」
玉ねぎつやつや素敵です。
ピンクと薄い抹茶色と白と薄い茶色がねじれていきます。
出光美術館でも見たもの。
何度見ても美しいなぁ。

「帆立貝花瓶」
茶色の帆立貝を5枚、瓶の周りに貼り付けたような形。
こちらも出光美術館で鑑賞済み。

このあたりはアール・ヌーヴォーの影響が見て取れる作品ばかり。
出光美術館で見たものと被っています。
また、このあたりの作品には、黒檀製の高い脚台がついているものがあります。
波山は明治から大正期、作品にこのような台をしばしばつけていました。

「彩磁金魚文花瓶」
深い青色に金魚がずらり。
金魚がひらひらと画面を覆います。
不思議な雰囲気。

「ロイヤルコペンハーゲン(デンマーク)/ 金魚文皿」
今回、波山が参考にしたであろう、アール・ヌーヴォーの作品も一緒に展示されていました。
こちらはお皿に立体の金魚がごろん、と。
ちょっと気持ち悪いのです……

「彩磁月桂樹撫子文花瓶」
月桂樹の文様で二分割。
上部はコバルト、下部は白。
なでしこの花があしらわれています。
鮮やかな色彩、つるりとした胴、とても美しい作品。

「葆光彩磁孔雀尾文様花瓶」
孔雀の尾が大きくあしらわれた作品。
孔雀はアール・ヌーヴォーでは重要なモティーフでした。
神秘的な雰囲気です。

<窯変と結晶釉－清朝スタイルの世界的流行>
19世紀末には清朝のスタイルが人気を博しました。
それらは窯変や結晶釉など。
波山もそれらに取り組みました。

「辰砂釉花瓶」
赤にところどころ青い色が入っています。
不思議な石のよう。
私はこれらを見ると宇宙を連想してしまいます。

以上になります。
ここまででもかなりの時間……
のこりは「その2」でぎっしり書きたいと思います。



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海田悠 松下 真々庵 写真展 松下 真々庵 幸之助哲学が育まれた庭

見てきました

パナソニック汐留ミュージアム

会期は2014年6月28日から2014年7月10日。

パナソニック(旧社名：松下電器産業、松下電器製作所、松下電気器具製作所)を一一代で築き上げ、"経営の神様"と言われた松下幸之助。
2014年は生誕120年にあたります。

創業者が思索の場として、こよなく愛した場所、松下真々庵。
京都の南禅寺の近くにあり、普段は非公開です。

1961(昭和36)年、幸之助が松下電器の社長を退任し会長に就任したのを機に、一時中断していたPHP(Peace and Happiness through Prosperity)の研究活動を再開するために求めた別邸。
真々庵と創業者の関わりをはじめ、歩んだ道、大切にした言葉、伝えたかった思いなどを写真家の海田悠氏が2年の歳月をかけて写し出した四季折々の自然美と共に展示されています。

まずは松下幸之助の経営について。
略歴や創業記念日に事業の真使命を明示した「所主告示」など。
また映像もありました。

その後に写真です。
緑が美しい庭の写真。
どの写真もどの瞬間も自然の美しさが溢れていました。
晴れている日の青空もよし、しとしとと雨が降る日もよし。
木々の隙間から日が差し込むも、月が庭を照らすも美しい。
紅葉も雪も、日本の四季って美しいと誰もが思うでしょう。
“鳴かずんば それもまたよし ほととぎす”
と松下幸之助は言ったそう。
そのありのままの美しさ。
美しい景色を楽しめます。
今回無料。
気軽にふらっと見るには素晴らしい展示です。



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カンブリアの饗宴

毎回毎回素敵なHERMESのショーウィンドウ。

今回はパリを拠点とし世界各国でプロジェクトを手掛けている建築事務所DGTの手によるもの。
2014年5月8日から7月15日までです。

"カンブリアの饗宴"

カンブリア紀には今とはまったく違う生き物が海中をにぎわせていたかもしれません。


ショーウィンドウを優雅に泳ぐのは人魚。


半透明の紙が幾重にも重なり、不思議な雰囲気を出しています。



涼しげでいいなぁ。



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デュフィ展 絵筆が奏でる 色彩のメロディー (その2)

見てきました

Bunkamura ザ・ミュージアム

会期は2014年6月7日から2014年7月27日。

今回はラウル・デュフィ(1877-1953)
明るい色面と踊るような軽快な筆さばきで線描をする様式で知られる20世紀フランスを代表する画家。
この展示は故郷のル・アヴールを出てパリ国立美術学校に入学する1899年から晩年にいたるまでの回顧展です。
昨日「その1」を書いたので、今日は「その2」です。

《第3章 1920-1930年代 様式の確立から装飾壁画の制作へ》
1919年頃、デュフィは南仏のヴァンスでふたたび絵画制作に励むようになりました。
1922年からは、イタリア、スペイン、モロッコに旅行。
フォーヴ時代の光を取り戻し、また競馬やレガッタを好んで取り上げました。
1920年代末から1930年代にはアトリエで裸婦を描くようになり、個人宅の装飾や壁画にも取り組みました。
このあたりから装飾的な記号を用いたり、線と色彩が自立したスタイルで描かれるようになります。
このようなスタイルはテキスタイルの仕事をしていたことがきっかけ。
印刷の際に必ずしも線のとおりに彩色されないことがあり、それをおもしろいと思ったことからでした。

「ヴァンスの眺め」
城壁に守られた中世の街並みを残す街。
家は小さな立方体で表現されています。
山や城壁が曲線を描き、木々の緑が鮮やか。

「カルタジローネ」
立方体を積み上げたように描かれた家々がぎっしりと並んでいます。
太い線で輪郭づけられ色彩も暗めで重厚な印象。

「水上の祭り」
ノルマンディー地方のリゾート地、ドーヴィルのお祭り。
見学する人々も華やかです。
軽やかな色彩です。

「ル・アヴールの水上の祭り」
こちらも上と同じく水上の祭りを扱っていますが、こっちのほうが好き。
海には無数の船が浮かび、それを眺める人々や陸を行くパレードなどが描かれています。
水は踊っているかのように軽やかなタッチで描かれています。
色彩も明るく華やかです。

「ドヴィールの競馬場」
大きな木々が立ち並ぶパドック。
傘射す婦人やスーツ着こんだ男性が眺めています。
デュフィが競馬を見に行ったのはポール・ポワレに連れて行かれたのがきっかけ。
空は青く、建物はオレンジ色。
明るい光景です。

「エプソム、ダービーの行進」
競馬場の全景を描いた作品。
広々としたところに多くの人々。
連なる馬。
素早いタッチで描かれています。

「馬に乗ったケスラー一家」
石油会社創業者、ジャン＝バティスト・オーギュスト・ケスラー一家の肖像画。
「森の騎手たち」という作品を描いたのですが、受け取らなかったためにもう一作と描かれたのだそう。
青々とした緑の木々を背景に7人描かれています。
それぞれが馬に乗っています。
小さい子供も小さな馬に。
お金持ちってすごいね。
全員分の馬があるのね、と違うところで感心。笑
これはケスラー邸の階段の踊り場を飾っていたのだそう。
って、この作品、すごく大きい。
これが飾れる階段の踊り場ってすごいねと2回目の感心。笑
なお、受け取られなかった「森の騎手たち」は現在パリ国立近代美術館所蔵です。

「ピエール・ガイスマール氏の肖像」
製紙会社社長を描いたもの。
青いスーツを着て、周りには美術品が。
デュフィの作品も描き込まれています。
この方は美術コレクターだったのだそう。

「ノジャン、ピンクの橋と鉄道」
パリ近郊ノジャンを流れるマルヌ川とそこにあるボートハウスが描かれています。
左側には橋があり、汽車が向かってきています。
水の青には木々の緑が入り混じり、境目が分からず幻想的な印象です。
光を色彩の帯にして分散して表現していました。

「クロード・ロランに捧ぐ」
クロード・ロランはフランスのバロック・古典主義の画家。
"ロランは私の神である"とデュフィは言っていたのだそう。
え、、画風全然違うじゃん、とかは言わない方がいいのでしょう……
画風関係なく尊敬していたってこともあるだろうしね。
ただここに描かれている黒々とした海面はロランの明暗のコントラストによる光の描写から展開されているものだそう。

「アンフィトリテ(海の女神)」
アンフィトリテは海神ネプトゥーヌス(ネプチューン)の妻で海の精ネレイドの1人。
石に腰掛け巻き貝を手にしています。
周りには漁をする人、散歩する婦人、船に山に月など様々なモチーフが描かれています。
これはタピスリーの下絵だそう。

「パリ」
縦に細長いカンヴァス4枚での作品。
左には太陽が描かれ右にいけば夕暮れ、夜となっています。
1日を表現しているのかな。
パリの街全体がその時の日差しに照らされています。
右から2番目に描かれたエッフェル塔は太陽の当たる面が赤色、夜の月の面は暗い色で描かれていて、流れを表現するにはとても素敵です。
下にはそれぞれのカンヴァスに大きなバラが描かれ、華やかです。

「電気の精」
デュフィは1937年パリ万博の際にフランスの配電会社のパビリオン「光と電気館」に10×60メートルもの大きな壁画を手がけました。
これは後年制作された縮小版。
リトグラフにグアッシュによる加筆がなされています。
光や電気の技術の発展を古代からその当時まで、右から左へと描いています。
上部には技術に関するモチーフ、下部には関わった科学者たち。
私が分かったのはエジソンやオームといった人物。
最後は電気の精が空を舞い、オーケストラが演奏しています。
華やかです。
壁画だったらきっとすごい迫力でしょう。
見てみたい。

「ラングルの風景」
麦畑のテーマを求め、ラングルへ行ったデュフィ。
中央に木立が立ち並び、左側は黄金色の麦畑。
右側には2人のニンフ。
近代と古代の融合とのことですが、不思議な光景です。

「ニースの窓辺」
青が美しく爽やかな作品。
デュフィは青を"色調が変化しても本来の個性を保ち続ける唯一の色彩"と考えていたのだそう。
部屋の中から外を描いた作品。
中央に鏡があり、両側に大きく開いた窓。
ニースの海岸を望みます。
明るい色彩で開放的です。

「イエールの広場」
鳥や蝶が戯れる広場。
落ち着いた色彩で描かれ、人物もなく静かな印象。

「裸婦立像」
デュフィは1929年から約5年間、アトリエで裸婦を描きました。
ポーズをとるモデルはロセッティ。
デュフィの作品にたびたび登場しました。
背景の室内にはデュフィの自作が描き込まれています。

「シーツの上の裸婦」
青が美しくて印象的。
裸婦ですがセクシーとかではありません。
現実的、なのでしょうか。

「ゲルマ袋小路のアトリエ」
右側のアトリエは青い壁の色が爽やか。
左側に描かれた奥の部屋はピンクの壁紙。
窓やドアはすべて開けてあり、開放的ですが、どことなく寂しい印象も。

「パリのパノラマ」
まるで屏風のような作品。
左側にはエッフェル塔、手前にはセーヌが流るパリの景色。
これ、ウールと絹のタピスリーとなっています。
変わっていておもしろい。

《第4章 1940-1950年代 評価の確立と画業の集大成》
デュフィは「電気の精」の制作後、進行性多発関節炎となりました。
第二次世界大戦中は、スペイン国境に近い町ペルピニャンに住み、制作を続けます。
1941年から1953年には色彩は単色となり、素早い線でモチーフを描くようになりました。
この時期はデュフィ芸術の完成期。

「シャンデリアのあるアトリエ」
病のため外に出ることができず、アトリエを描いた作品。
オレンジ色のシンプルな室内です。
裸のモデルもいて、イーゼルが立てられています。
病のようすのない、明るい作品。

「サン＝タドレスの黒い貨物船」
デュフィは最晩年に「黒い貨物船」をモチーフとした作品が多くなりました。
この作品は左側は黒い海を、右側は白く街並みを描いています。
デュフィの黒は闇としての再現的な価値が保留され、周囲の色彩との関係から黒が光を喚起させることを目的としました。

「黒い貨物船と虹」
黒い海に白い輪郭線で描かれた船。
雨が降ったあとでしょうか、虹もかかっています。
黒を光の色彩とするのなら、雨後の輝かしい世界なのかもしれません。

「マキシム」
ベル・エポックを象徴するパリ随一の社交場マキシム。
美食と音楽に酔いしれる客をパステルカラーで描いた作品。
華やかです。

「オーケストラ」
線と丸の組み合わせで描かれています。
軽やかで踊るよう。
このあたりから、よく知るデュフィの作品となります。

「コンサート」
所蔵先はなんと大谷コレクション。
わぉ、久しぶりと。笑
全体的に赤が使われ、わずかな筆致でリズミカルに描かれています。

「ヴァイオリンのある静物: バッハへのオマージュ」
仕事をしながら教会でオルガンを弾いていた父。
ヴァイオリン奏者の母。
ピアノ教師やフルート奏者の兄弟。
デュフィは音楽に囲まれて生活をしていました。
音楽家へのオマージュ作品は晩年に手がけたシリーズもの。
チェンバロの上にバイオリンが置かれています。
植物文様の壁に自身の作品がかかっています。
色彩も赤や青、ピンクといった華やかなもの。
軽やかです。

「クロード・ドビュッシーへのオマージュ」
ピアノの上にドビュッシーの名前入りの楽譜が置かれています。
黄緑色と青を中心に優しい印象。
こちらも右には自身の作品が描き込まれていました。

「花束」
溢れそうなほどに花がいっぱい描かれています。
軽やかな線と色彩が華やかな印象を強めます。

「果物鉢」
皿には果物がぎっしりと。
机の上にはさくらんぼにレモン、布などが置かれています。
ここまで静物画は少なかったので新鮮な印象。

「麦打ち」
1953年3月23日、デュフィは亡くなりました。
その日の朝、イーゼルにかけられていた作品です。
収穫されたばかりの麦が輝いています。
その前には裸の男女。
中央には脱穀作業をする人々。
"農奴の女神ケレスと農業経営者"ということだそう。
これまでとは違った視線です。
ここからまた新しい取り組みを考えていたのかもしれません。

初期の作品から晩年までが分かりやすく展示されていました。
「オーケストラ」のような軽やかな作品しか知らなかった私には初期のセザンヌ風の作品やフォーヴのような力強さは新鮮でとても楽しめました。



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デュフィ展 絵筆が奏でる 色彩のメロディー (その1)

見てきました

Bunkamura ザ・ミュージアム

会期は2014年6月7日から2014年7月27日。

今回はラウル・デュフィ(1877-1953)
明るい色面と踊るような軽快な筆さばきで線描をする様式で知られる20世紀フランスを代表する画家です。
この展示は故郷のル・アヴールを出てパリ国立美術学校に入学する1899年から晩年にいたるまでの回顧展。
フォーヴィスムとの出会い、ブラックと共に行ったレスタックでの制作、アポリネール『動物詩集』のための木版画制作、そしてポール・ポワレとの共同制作によるテキスタイル・デザインなど、造形的な展開が順を追って展示されています。
今回2回に分けて書いていきます。
今日は「その1」です。

《第1章 1900-1910年代 造形的革新のただなかで》
1899年、美術学校で学ぶためにノルマンディー地方の港町ル・アーヴルからパリにやってきたデュフィ。
最初は印象派に共感を覚えます。
しかし、1905年マティスの「豪奢、静寂、逸楽」を見て刺激を受けます。
固有色にとらわれず、強いコントラストと堅固なフォルムによる画面構成を行うようになります。
さらに1907年、サロン・ドートンヌで行われたセザンヌの回顧展に感銘を受けます。
その翌年にはブラックとともに南仏のレスタックに滞在。
セザンヌ風の技法の体得に励みました。

「夕暮れの時ル・アヴールの港」
パリ国立美術学校で学び始めて間もなくの作品。
故郷の港を描いた作品です。
暗い色彩で描かれた夕暮れの港。
水面に映る灯り、ぼんやりと明るい空。
光がとらえられた作品です。

「サン＝ジェルヴェ教会」
人物はシルエットで空には虹がかかります。
粗めのタッチで描かれた作品。

「サン＝タドレスの桟橋」
当時、サン＝タドレスの浜辺には木製の桟橋があって歩いて水面まで行けたのだそう。
風に揺れるテント、光りがあたり眩しいくらいの砂浜。
構図の中心は水平線。
海の青さも、光の強さを感じさせます。

「マルティーグ」
マルティーグはプロヴァンスの小さな港町。
船や並び立つ建物が水面に映りゆらゆらと揺れています。
絵の具は厚め。

「教会の広場(ジョンキエール、マルティーグ)」
ここまで展示されてきた作品のなかでは全体的に淡い色彩で描かれています。
建物に陽の光があたり、広場が照らされているかのよう。
広場に集まる人も描かれ、これまでとは違った印象です。

「サン＝タドレスの浜辺」
パステル調の柔らかな色調が印象的。
年代的にはフォーヴ時代の作品ですが、激しい色使いではありません。
後の優しい色使いを感じさせる作品です。

「トゥルーヴィルのポスター」
街行く人々の後ろには3段になっている大きなポスター。
ポスターは明るい色彩で、空はどんよりと暗めの色彩で。
対比が目立ちます。

「海辺のテラス」
全体的に明るい色彩が使われ、面で色を置いているように見えます。
海辺とはいえ、海はほとんど見えず、テラスでくつろぐ人物がメインです。

「花のある自画像」
花瓶に入った花が手前に大きく描かれ、その向こうに画家がカンヴァスに向かう姿が描かれています。
そういえばデュフィは人物が少ないなぁ。。

「木々」
木炭で描かれた作品。
こういったものを見ると本当に上手いんだなぁ、と思います。
ぼかす加減なども素晴らしい。

「レスタックの木々」
1907年、サロン・ドートンヌでのセザンヌの回顧展でキュビズムに感銘を受けたデュフィ。
翌年にはキュビズムの画家、ジョルジュ・ブラックとともに南仏のマルセイユに近い漁村、レスタックを訪れました。
そこで描いた作品。
緑の木々に黄土色の土。
少ない色彩で平面的です。

「開かれた窓からの眺め」
室内には机、その上にはスイカらしき果物があり、壁には帽子が掛けられています。
窓からは街並み。
室内は暗く、大きな筆致で描かれています。

「網を持つ漁夫」
夕暮れに網を上げようとする漁師。
網もかかっている魚も派手な色。
漁師の腕は太く力強さを感じさせます。

《第2章 木版画とテキスタイル・デザイン》
1907年から1911年ごろまで、デュフィは木版画の制作に力を注ぎました。
1909円末にはミュンヘンに旅行し、ドイツの表現主義画家たちの木版画に興味を抱きます。
またこの年にはファッション・デザイナーのポール・ポワレとの出会いにより、デュフィは装飾芸術の分野に深く関わるようになります。
ポワレが設立した装飾美術学校"マルティーヌ工房"のためのグラフィック・デザインなどを手がけます。
1910年にはギヨーム・アポリネール『動物詩集あるいはオルフェウスのお供たち』の挿絵のために、登場人物であるオルフェウスや動物を描いた40点もの木版画を制作。
1911年にはポール・ポワレと共同で"小さな工場"と呼ばれるテキスタイルの製作所をつくりました。
ここで最初に制作されたテキスタイルのモティーフには、デュフィの木版画が用いられました。
1912年のはリヨンの絹織物会社ビアンキーニ=フェリエと契約を結び、1928年まで布地のデザインを提供するなど、デュフィはこの分野で長らく活動を続けました。

「愛」
抱き合う人物を草花が囲っています。
線が力強い。

「狩猟」
木の陰に隠れる人と猟犬。
木々の隙間からは街並みも見えます。
空には連なって飛ぶ鳥。
張りつめているのは人と猟犬のみでそれ以外はとてものどかな印象。

「三頭の馬」
そのタイトルどおりですが、とても装飾的。
ぱっとみでは理解しきれませんでした。

「ヨーロッパの果物」
大麦と柘榴らしきもの。
あと、鳥もいます。
こちらは麻布に版画の柄をプリントしたものです。

「アラム」
こちらも布。
植物柄ですが、アラムはカラーの仲間みたいです。
このデザインは何度か登場していました。

「ギヨーム・アポリネール『動物詩集あるいはオルフェウスとそのお供たち』」
1911年刊行のアポリネールの詩集、『動物詩集あるいはオルフェウスとそのお供たち』の挿絵です。

『ハツカネズミ』
植物が描かれていて、どこにハツカネズミが??といったかんじで探すのに苦労しました。笑
『ノミ』
こちらは画面いっぱいにどーんと描かれ探す必要性はありません。笑
なぜ、これはアップだったのでしょうか……
でも、植物を描いたりしたら、それこそ見えなくなってしまうかな。
『イルカ』
私の知っているイルカはこんな生き物ではありません。
どちらかというとクジラのほうが近そう。
なんだか不思議な生き物でした。
『タコ』
たくさんの足がくねくねとして踊っているかのよう。

「チャーリー・チャップリン」
まさか、チャップリンを文様にするとは。
左手を挙げたチャップリンが何度も何度も登場するデザインです。

「ばら」
これは一気に実用的。
刺繍っぽい形式で赤と青のバラの花が描かれています。

ここにはデュフィがデザインしたテキスタイルで作られたドレスを着た女性の写真も展示されていました。
「アラム」のドレスもありました。
布だけで見るより、人が着ているところで見た方がそのデザインの良さがわかります。
おしゃれでした。

以上、2章までを「その1」にします。
3章、4章は「その2」で取り上げます。



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魅惑のコスチューム：バレエ・リュス展

見てきました

国立新美術館

会期は2014年6月18日から2014年9月1日。

今回は「バレエ・リュス(ロシア・バレエ)」
1909年にパリで鮮烈なデビューを果たし、革新的なステージにより一世を風靡した伝説のバレエ団です。
主宰者セルゲイ・ディアギレフ(1872-1929)の慧眼によって、同バレエ団はワツラフ・ニジンスキー(1889-1950)をはじめとするバレエ・ダンサーや振付家に加え、20世紀を代表する作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキー(1882-1971)ら、数々の新しい才能を輩出しました。
ロシアのエキゾティシズムとして人気を集め、のちにピカソやマティス、コクトー、ブラック、ローランサン、シャネルら、当時パリで活躍していた。そして現在の私たちも知っているアーティストを取り込みました。
バレエだけではなく、美術やファッション、音楽の世界にも革新をもたらし"総合芸術"として大きな影響を与えました。
今回、オーストラリア国立美術館が所有する世界屈指のバレエ・リュスのコスチューム・コレクション32演目、約140点の作品を中心に、デザイン画や資料など、これまでにない規模で展示されています。

会場は黒で統一され、そこに作品ごと島が作られ、衣装が展示されています。
とってもおしゃれな印象です。

展示は年代順となっていました。
簡単に書いておきます。

バレエ・リュスは1909年パリのシャトレ座で《アルミードの館》、《ポロヴェツ人の踊り》、《饗宴》(不出品)で鮮烈なデビューを果たします。
その後も短期間のうちに《クレオパトラ》、《シェエラザード》、《火の鳥》、《ペトルーシュカ》、《青神》などの傑作を次々と発表。
1911年ごろには伝説のスターダンサー、ニジンスキーが振付を手がけるように。
《牧神の午後》、《春の祭典》などがあげられます。
鮮やかな色彩で東洋のエキゾティシズムなどを高度なテクニックで表現したバレエ・リュスは異国情緒溢れる甘美な作品を世に送り出しました。
この1909年から1913年ごろが【初期】となります。
また、ディアギレフに依頼されバレエ・リュスのために作曲した《火の鳥》、《春の祭典》などは作曲家ストラヴィンスキーが広く世に知られるきっかけとなりました。
衣装の展示とともに、簡単にあらすじも書かれているのでとても理解しやすいです。
私は《クレオパトラ》がとても気になりました。
またチラシなどにも大きく扱われている《青神》の衣装。
演じたニジンスキーは全身に明るい青のメイクアップを施していたため、裏地にはその青い跡が染み込んでいました。
これは色彩もカラフルでおしゃれですし、ひらっと広がったスカートもかわいらしい。

1914年から1921年ごろが【中期】となります。
1914年には第一次世界大戦が勃発。
世紀末から続いたベル・エポックは終焉を迎えます。
ディアギレフはそれまでの東洋趣味から離れ、パリで活躍していたピカソやジャン・コクトーら若手の前衛アーティストを、積極的に取り込みました。
振付もニジンスキーに代わりマシーンが活躍。
コミカルな動きが取り入れられます。
美術・衣装デザインはゴンチャロワが担当した《金鶏》、マティスがデザインした《ナイチンゲールの歌》など、モダニスムと関わっていくようになりました。
ナタリヤ・ゴンチャローワがデザインした《サドコ》は海のお話ということで展示品はイカの衣装などとなっています。
ウルトラマリンのシルクにメタリックラメで波状の触手を表し、水の揺らめきや海の生き物の輝きなどが表現されています。
そしてアンドレ・ドランがデザインした《奇妙な店》の衣装は犬。
プードルの衣装なのです。
これも驚き。

【後期】は1921年から1929年ごろ。
マシーンはバレエ・リュスを去り、ニジンスキーの妹、ニジンスカが振付を担当。
マリーローランサンが美術・衣装デザインをした《牡鹿》、コクトーが台本を担当し衣装デザインはシャネルによる《青列車》(不出品)などモダンで洗練された作品が生まれます。
一方で、チャイコフスキーやプティパによる伝統的なクラシック・バレエの最高傑作を紹介したいと考え、《眠り姫》、《オーロラの結婚》といったものも上演。
曲は若き音楽家、プロコフィエフに《道化師》、《鋼鉄の踊り》などの作曲を依頼。
その才能を広めるに一役買いました。
ここで驚くべきは《頌歌》
衣装がレオタード。
に蛍光塗料が塗られたもの。
斬新というか未来的です。
ここではローランサンの絵画も展示されていました。

最後は【バレエ・リュス解散後】
1929年に主宰者のセルゲイ・ディアギレフが急死。
この直後には世界恐慌が起きたこともあり、存続が困難となり解散しました。
しかし、バレエ・リュスに触発されたバレエ団が数多く誕生します。
中でも重要なのが1932年、バジル大佐とルネ・ブリュムによって結成された「バレエ・リュス・ド・モンテカルロ」
彼らは「バレエ・リュス・ド・モンテカルロ」にディアギレフの腹心を呼び寄せます。
同バレエ団はディアギレフのバレエ・リュス時代の主要メンバーが参加し活動しました。
しかし1936年に2人は決別。
ブリュムは新たに「モンテカルロ・バレエ」を結成。
残されたバジル大佐は一座を「バジル大佐のバレエ・リュス」と改名。
モナコを拠点としたこのバレエ団は、世界中を広く巡業、オーストラリアでもツアー公演を行いました。
その同バレエ団で活躍したダンサーたちが、後にオーストラリア・バレエの礎を築きます。

リファールはパリ・オペラ座の芸術監督を。
バランシンはニューヨーク・シティ・バレエ団の母体をつくります。
世界各地のバレエ団の礎はバレエ・リュス出身のダンサーたちによって築かれたのです。

ここではジョルジョ・デ・キリコがデザインした《ブルチネッラ》などが展示されていました。

音楽が流れ、煌びやかな衣装が展示された空間。
見ているだけでもウキウキする、とても楽しい展示でした。
そして、その活動が他に与えた影響がどれほどのものだったかも想像できます。
衣装のほかにスケッチや写真などの資料も多く、見ごたえありました。
久しぶりにバレエ観たいな。



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描かれたチャイナドレス －藤島武二から梅原龍三郎まで

見てきました

ブリヂストン美術館

会期は2014年4月26日から2014年7月21日。

中国は古代から近世にいたるまで、アジアの先進国であり、様々なものが日本へもたらされました。
明治維新以降、日本の人々はヨーロッパへ目を向け始めますが、大正時代に日本で中国趣味が沸き起こりました。
芥川龍之介や谷崎潤一郎らが中国をテーマにした小説を次々に発表。
同じように、美術でも中国趣味が。
油彩画の世界では、藤島武二が中国服を着た女性像を描き始めました。
実際に中国を訪れた画家、日本にいて日本女性に中国服を着せて描いた画家。
1910年代から40年代にかけて日本人画家が描いた約30点で構成された展示です。

藤島武二「匂い」
油彩で描かれた中国服を着た女性像としてはもっとも早い時期の作品。
女性がテーブルに肘をついています。
目の前には嗅ぎタバコの小さな瓶。
藤島は中国服を50～60着近く集めていたのだそう。
確かに、複雑な模様や色彩、異国情緒を感じる服は描きたくなるのかもしれません。

藤島武二「女の横顔」
今回のポスター・チラシにも使われている作品。
隣には参考として「芳」のコピーも飾られています。
こちらとそっくり。
比べて違うところは髪飾りがこちらのほうが豪華ということ。
女性の顔が微笑んでいるかのように見えること、です。
「女の横顔」の方が無表情で1点を見つめている印象。
なお、モデルは竹下夢二に"お葉"と呼ばれていた佐々木カ子ヨ(かねよ)

藤島武二「鉄剪眉」
1924年から3年間、立て続けに描いた中国服女性の横顔を描いた最後のシリーズ。
タイトルの「鉄剪眉」について藤島は"なんのことか知らない"と語っていたそうですが、藤島が見た中国人形に着けられてた言葉だそう。
その漢字の並びなどが気に入ったのでは、とのこと。
頭をぐるっとターバンのような髪飾りが覆っています。
中国服より印象的。

藤島武二「台湾の女」
描かれているのは台湾の中央高地に住む先住民、ツォウ族とみられる女性。
青いターバンをし、彫りの深い目元が印象的。
エキゾチックな美です。

久米民十郎「支那の踊り」
なんとも不思議な作品です。
中国服を着た女性が室内で体をくねらせ踊っています。
部屋からも、その女性からも妖しい雰囲気が漂っています。
体の大きさに対し、手や指が長すぎるし、くねくね過ぎる。。。
久米民十郎は1923年9月1日、関東大震災によって横浜のホテルで亡くなった画家。
30歳でした。
翌日からヨーロッパ渡航だったそう。
そのため残された作品も資料も少ないのですが、意外や意外。
20世紀アメリカ文学研究者の間では意外に知られているのだそう。
というのも、ヨーロッパで、エズラ・パウンドやアーネスト・ヘミングウェイと親しく交わった画家だったから。
二人は久米の油彩画を大事に保管していたのだそう。
この作品は亡くなる3年前、帝国ホテルで開催された個展で発表されたもの。
当時の新聞記事には、「霊媒派」という言葉があったそう。
嘘か誠か、制作にあたって巫女を雇っている、と記者に語っていたそうで……
そう言われると信じたくなる不思議な力がありました。

満谷国四郎「焦山」
これは女性ではなく男性の後ろ姿。
そして人物より景色がメインです。
焦山は長江中洲の小さな山。
丸くくり抜かれた明月門の横に男性はいます。
空は灰色。
ここまで人物メインの作品だったので、景色の描かれた小さな作品は目をひくし、ほっとする景色でした。

矢田清四郎「支那服の少女」
東京美術学校の卒業制作と思われます。
室内で机に手を置き立っている中国服の女性。
女性の右側には窓があり、優しい光が室内へ入り込んでいます。
花瓶など室内の装飾も異国趣味となっていました。

岸田劉生「照子像」
描かれているのは岸田劉生の5つ下の末妹。
1919年8月に劉生の家へ療養で訪れました。
劉生といえば、娘の麗子が有名ですが、その麗子もよく懐いていたそうです。
劉生は1920年1月に中国服を着せ3点の水彩を描いています。
これはそのうちの3作目で2日で完成させたのだそう。
暗い背景の中に、青白い顔と鮮やかな中国服が浮かび上がっています。

三岸好太郎「中国の女」
小さな作品。
暗い背景の中に赤茶色の服を着た女性たちが描かれています。
約20人。
白い顔が浮かび上がるかのようです。
ちょっと怖い……。

小出楢重「周秋蘭立像」
"支那服描きたい"と口癖のように言っていた小出に友人の文学仲間が紹介したのは上海出身、神戸住みのダンサー。
芦屋にあった小出のアトリエで描かれたのだそう。
絨毯や花瓶など室内装飾も服と調和が取れています。
ぱっつんの前髪が印象的。

正宗得三郎「赤い支那服」
描かれているのは中国服を着て椅子に座った女性。
モデルは妻の千代子。
ヨーロッパから帰国した翌年(1925年)に描かれたもの。
この旅行で日本人であるアイデンティティーに目覚めた正宗。
帰国後は、日本や東洋の伝統的な美術の研究を始めました。
その一方で、帰国の際に持ち帰ったフランス製の布地を静物画などの背景に用います。
妻の千代子はその生地の一部をつかって"支那服"を造りました。
布はフランス製、製作者は日本人という"支那服"
矛盾しているようですが、千代子は一生懸命に中国風のドレスを手がけたようです。
"サンプルのない支那服を絵になるような美しい変わった形を考案して作るのに苦心しました。
自分の作った支那服が絵になるので、私も張り合いがありました。"
との言葉が紹介されていました。
素敵な奥さん、そして素敵な夫婦関係です。

正宗得三郎「中国服を着た女」
モデルは小田切峯子、侯爵・細川護立からの依頼品かと思われます。
この2人の組み合わせ、東京国立近代美術館所蔵の安井曾太郎「金蓉」と同じです。
(後ほど出てきます)
青に白のドットの中国服を着て、手には黒の猫のぬいぐるみらしきものを持っています。
このぬいぐるみについては梅原龍三郎も描いているのだそう。
画家通しのつながりが垣間見えます。

児島虎次郎「お茶時」
児島は1918年の春に初めて中国に行ったそう。
水辺の茶屋でしょうか、茶を楽しむ中国服の女性。
窓は大きく開けられ自然たっぷりの屋外が見えます。
さらりと描かれています。

児島虎次郎「西湖の画舫」
画舫とは飾り立てた屋形船のこと。
古来、江南地方で春から秋にかけて多くの文人たちが楽しみました。
船の内部では胡弓を弾く男性、歌う女子。
話をする女性とにぎやかです。
色彩も鮮やか。

児島虎次郎「花卓の少女」
傍らのテーブルに肘をつき、ふとこちらを見る少女。
紫色の中国服が目をひきます。
手には赤い表紙の本。
今まで読んでいたけれど、ふと顔をあげた瞬間、といった感じです。
可愛らしいのです。

安井曾太郎「金蓉」
先ほど書きましたが、モデルは小田切峯子。
英語、中国語など5カ国語を話す才媛で、父親は上海総領事を 務めた外交官だったそう。
普段から中国服を着ている娘に、父親は"金蓉"という中国風の愛称をつけました。
この絵のタイトルはまさに彼女の愛称から。
背景は薄いピンクで藍色の中国服が目立ちます。
この作品の製作途中に峯子はハルビンへ帰りました。
その際、この藍色の中国服を置いて帰ったそうで、安井はモデル着用なしで描き上げたのだそう。

藤田嗣治「力士と病児」
これまでの作品とは違い、道行く人を描いたもの。
上半身裸の男性は大道芸人とのこと。
その後ろに描かれている母子はそれを見ていた人でしょうか。
通りかかっただけでしょうか。
街並みも中国らしい鮮やかな色彩が配されています。
着飾った人物ではない人物を描いたところにおもしろさを感じます。

朝井閑右衛門「蘇州風景」
蓮で埋め尽くされた幻想的な池。
船に乗った女性がその花をとる場面です。
全体的に明るい色彩で、空はクリーム色。
とても素敵な作品です。

恩地孝四郎「白堊(蘇州所見)」
創作版画の先駆者のひとりであり、日本の抽象絵画の創始者とされている、恩地。
前衛的な表現を用いて、日本に版画というジャンルを芸術として認知させました。
白い壁と天井、床までもが白い空間。
廊下の先には格子窓。
そこには鮮やかな青い中国服の女性の後ろ姿。
静かで洗練された印象です。

以上になります。
展示数は少ないですが、とても楽しく見ごたえありました。
"中国服"とまとめた展示は初めてでしょう。
視点も面白い展示でした。



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【中止!?】台北 國立故宮博物院/神品至宝(東京国立博物館)

すっごいショッキングなニュースがありました。

6月24日から上野の東京国立博物館で開催予定の特別展
「台北 國立故宮博物院/神品至宝」

これらの一部ポスター、チラシに
「国立」
の文字が入っていないのだそう。
台湾はこれに厳重抗議。
21日夜12時までに「国立故宮博物院」と明記されていないポスターの全面撤去を書面で約束することを日本側に求めたとか。

一部のポスターとなっていますが、東京国立博物館が作ったものにはポスター、チラシ、HPにも入っているそうです。
その他関係者が作ったポスターには入ってない、とのこと。
日本の報道では"その他関係者"の名前が出ていませんが、台湾の中央廣播電臺(Radio Taiwan International)によるとNHKと毎日新聞社が作ったもので入っていないのだそう。
なぜ日本の報道ではその名前が出ないのでしょうか……

チラシをやたら集めて「違うVer.あったよ～」ってするのが大好きな私。
家にあるチラシ確認したらあったよ!!
「国立」があるVer.とないVer.


「国立あるVer.」

裏面はこちら。

九州国立博物館で開催される展示のチラシとなっています。
こちらも当たり前ですが、「国立」あり。

そして「国立ないVer.」

こちらは「国立あるVer.」より厚手です。
というのも見開きになっています。



すごく丁寧。


「国立ないVer.」裏

こんなに丁寧に作っているのに……

東京国立博物館内のチラシ、ポスターはすべて「国立」が"契約通り"入っています。
そう、「国立」と入れるのはこの展示が決まった際の"契約"なのです。
台湾を国として認めていない日本。
当初、「国立」表記については日本側で議論になった経緯がありますが、最終的に「固有名詞として扱う」ということで落ち着きました。
過去にも欧米諸国で台湾の故宮の所蔵品が展示された際もすべて正式名称を使用していたということから日本側の対応に台湾側は納得できない、とのこと。
改善されない場合は中止もありえる、と。
それは東京展のみならず九州展も。

この展示、台湾の故宮の所蔵品が日本に来る初めての展示なのです。
2011年に「海外美術品等公開促進法」が成立してやっと来ることができるのです。
詳細はこちらを読んでください。。。
2013年10月17日 「台湾、国立故宮博物院の至宝、日本へ」

なんか、もうね。
上の記事でわかると思うけど、私すっごく楽しみにしていたんだよ。
そして、この展示が成立するまでのことを想像するとね。。。
がっかりどころじゃない……
悲しいとかむなしいとかNHKと毎日新聞むかつく、とかそうゆうレベルを超えてしまったよ。。。
この記事書いている間にもどんどん……

え??中止??そしたらさ。
前売り4月1日から始まってかなり出てるって聞いたけどどうするの??
この展示期間長いけど、その間トーハクの収益なくなること、なんとかできんの??
もう、作品、日本に搬入されているんだよ。その費用どうするの??
ねぇ、教えて。
とか思ってたけど、なんか、それすら、気力が。。。

だいたいNHKスペシャルでこの展示とりあげるじゃーん。。
この展示にあわせて、「台湾の馬英九総統の夫人が日本を訪問することが決まり、日本と台湾の緊密な関係を示すことになりそうです。」ってNHKはニュースもしてるじゃーん。
よく読むと「国立」に触れないようにうまく文章つくられているけど。。
なんで??どうして??
本当にNHKで制作分がないのかな??
なんかすべてが疑わしく感じられてしまうよ。。。
あ、総統夫人の来日は「国立」が訂正されないと中止だそうです。。。

はぁ。。。
悲しい。
NHKと毎日新聞、この展示から外れないかな。。。
今から入れなおすのも明らかな意図的なものを感じるし。
すいませんでした、ってお金だけおいていなくなってくれないかな。。。
今貼られているポスターについては、撤去作業、手伝いに行きたいぐらい。。。

まとまりのない文章ですが。。
今回の件、とても残念です。
台湾、貸し出ししてくれたのに。。。
ありがとう、台湾、ごめんなさい、台湾。

あぁ、私すごく混乱してるわ。。
美術館行って癒されてきます……



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没後90年 鉄斎 TESSAI

見てきました

出光美術館

会期は2014年6月4日から2014年8月2日。

富岡鉄斎(1836-1924)
彼が生きたのは、幕末・明治・大正と激動の時代。
学問の道を志し、儒学者として大成する傍ら、書画の制作に勤しみました。
当時の東西画壇においては、西欧化が進んでいました。
その中で、鉄斎は先達文人たちが遺した想いに共感。
多くの書物を通じて学び得た世界観を、自らの絵筆により描き出しました。
若い頃から日中のさまざまな書画の優品に触れ、それらの画法に倣った鍛錬の成果が、最終的に見事に混ざり合って、独自の画境を築きました。
没後90年を迎えた近代文人画の巨匠・鉄斎。
今回は国内屈指の出光コレクション約70件の展示です。

《1.若き日、鉄斎の眼差し -学ぶに如かず》
鉄斎は石門心学を家学とする京都の法衣商・富岡家に次男として生まれました。
若い日から幅広く学問・文芸の道に親しみました。
鉄斎の学びの精神は、実学を基本とし、書物で知り得た世界を実感するために、たくさんの書画にもふれていきます。
中でも大田垣蓮月との出逢いは、若き鉄斎の人格に大いなる刺激を与えます。
老いた尼僧のお世話をする生活の中で、鉄斎は人生の享楽と悲哀の実相を学び、また和歌の情緒に、俳画風の素朴な絵で答えることも、この頃覚えました。

「富士山図」
墨の濃淡で描かれたもの。
鉄斎は明治8(1875)年、富士登頂。
天皇が東海地方へ巡遊されるにあたって御興の付き添ったときです。
すっと高くスタイルのいい富士山です。

「十二ヶ月図」
京都・北白川、心性寺の尼僧、大田垣蓮月と同居し、身の回りの世話をしながら学問に励んだ鉄斎。
これは蓮月の和歌に俳画風の簡略な絵を添えたもの。
展示されていたのは4月から9月。
シンプルながらに季節の美しさが表現されています。

「北山溪図巻」
巻物に描かれているのは北山渓谷の景観を描写したもの。
山の中の皮の流れ、そこに浮かぶ船などずらっと描かれています。
細部まで丁寧です。

「高賢図」
戦国・三国・普時代より明時代に至る高賢12人を12幅に描いたもの。
顔は精密に描かれ、服も彩り鮮やかです。

《2.清風への想い -心源をあらう》
俗世から離れて自娯適意の自由な人生を歩む文人の生き方に憧れた鉄斎。
本格的に学問の道を究めんと進んでいきます。
その中で"清風"、煎茶・喫茶の世界へと憧れを抱きます。
俗世からの離脱といっても容易なことではなかったため、居ながらにして精神のみを解き放つために、喫茶のこころに心酔してゆくのです。
その上で、単に自分一人の世界観だけにとどまらず、文人的営みを通じてたくさんの人々と語り合い、学ぶことの大切さを理解していきました。

「陽羨名壷図巻」
宜興窯に関する書物"陽羨茗壷系"に載っている明時代末頃の名工の名とそれぞれの急須を描いたもの。
茶を飲も楽しむ人物なども描かれています。

「墨竹図」
扇子の形をした中に、すーっと伸びる竹が描かれています。
しなやかで見ていて気持ちのいい作品です。

「高士煎茶図」
煎茶の起源、中国・唐の陸羽を鉄斎はしばしば描きました。
描かれているのは崖の岩間。
煎茶を入れる高士。
大自然の中でお茶を楽しむことは当時の文人たちのあこがれであったそう。
確かに、身も心もリラックスできそうですね。

「漁弟漁兄図」
日の暮れゆく漁村を描いたもの。
墨を荒々しく擦り付けるようにしてもやに包まれる情景を描いています。
漁をする者、終えて酒場へ行く者など自然の中に生きる人々が温かい視線で捕らえられています。

《3.好古趣味 -先人への憧れと結縁》
鉄斎の師は書物の中で出逢った敬愛すべき古人たち。
若いころから古人たちの古蹟を訪ねる旅をし。
先賢の遺愛品や縁の品々を見つけたならば、それを手元に置きたいと願い。
著名な画家の古画にふれては模写を試みたり。
このような"好古癖"が、鉄斎の書画、骨董を愛玩する蒐集癖へと転じていったようです。

「蘭亭曲水図」
同じテーマを描いたものが2つ並んでいます。
右は鮮やかで上流にも人がいて上から流れてきている様子が分かります。
左は細密で人物などは下流に集中しています。
「蘭亭曲水図」なんかはこれまでの鉄斎の作品やエピソードからもすごく好きそうな題材ですね。
このテーマ、様々な文人画家も描いていますから。

「米法山水図」
"米法山水"という名称で親しまれる山水画。
米点と呼ばれる楕円形の墨点を施し描かれています。
墨だけで描かれた山々は幻想的。

「口出蓬莱図」
仙人の口から煙のように蓬莱山が出てくるという不思議な作品。
毎日、日の暮れるころ。
北西に向かい目を閉じてこぶしを固く握り、崑崙山を思い続けること30年。
神仏のありさまをつぶさに思い描けるようになったそうです。
これはそれを表現したもの。
ユーモラスで思わず笑ってしまいます。

「明恵上人旧廬之図」
華厳宗の明恵の住んでいた高雄の山水。
高雄の山は紅葉の名所だそう。
紅葉で色づき明るくとても美しい。
そうした所に住めば仙人になれる素質が増す、と書かれています。
まさに理想の世界なのかもしれません。

《4.いざ、理想郷へ》
鉄斎の理想郷への抱く想いは高まるばかり。
江戸時代の文人が憩った奈良・月ヶ瀬渓谷の梅林。
中国画に倣った"青緑山水"など、虚実入り混じる不思議な空間が描かれるようになりました。

「月ヶ瀬梅溪図」
奈良・月ヶ瀬渓谷の梅林は江戸時代の文人たちも憩った景勝地。
梅の芳香が漂う世界はまさに桃源郷だったでしょう。
緑の山々の中にピンクの点が華やかです。

「放牛桃林図・大平有象図」
6曲1双の屏風。
草原に解き放された牛。
咲き乱れる桃。
水墨と濃淡で描かれた景色はこれまた不思議な癒しの世界。

「青緑山水図」
色彩がきれい。
"青緑山水"とは群青や青緑の顔料を使って描く着色山水画。
鮮やかでグラデーションなどもとてもきれい。
こちらは眩しいような理想郷です。

「看山清談図」
渓流が勢いよく注ぐ水辺で2人の高士が座っています。
優しい色使いです。

「杏華村暁図」
牛飼いの童が指さした方には杏子の花咲く村。
明るい色彩で人々の生活が描かれ、これも理想郷です。

〈特集〉 扇面を愛す
ここでいくつかの扇が展示されていました。
鉄斎は、お祝いや良縁、仏事や時節の交流などに扇子を送っていたそうです。
鉄斎にとって扇子は絵手紙のようなものだったそう。

「石榴果図」
色鮮やかな柘榴。
柘榴は子孫繁栄などを表しますから、お祝いごとでしょう。

「福内鬼外図」
おたふくが笑いながら鬼を追い払う場面。
かなりおもしろい作品です。
もらったら嬉しいだろうなぁ。

《5.奇跡の画業 -自在なる境地へ》
生涯にわたって描きつづけた理想郷の画は、80歳代を迎えて見事に大成。
"青緑山水"の色彩美から離れ、一面を水墨で覆う画風の実験を経て、これらが相互に融け合った鉄斎独自の瀟洒な画風を完成させました。

「佛鑑禅師図」
墨のみで描かれた世界。
山とその中腹には庵があります。
川が流れ穏やか。
これがたどり着いた理想郷なのかな。
のびやかです。

「蓬莱仙境図」
蓬莱山を描いた最晩年の大作。
大胆な墨の線が目をひきます。
その線は山が動き出しそう、生きているかのようです。

以上になります。
とても面白く、また不思議な世界が楽しめる展示でした。
追い求めた理想を順を追って私自身も追っていけて、その世界に入り込んで鑑賞できました。
癒しの世界です。



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