Enoの音楽日記

オペラ、コンサートを中心に、日々の感想を記します。

城塞

2017年04月27日 | 演劇
 新国立劇場の演劇部門のシリーズ「かさなる視点―日本戯曲の力―」第2弾、安部公房の「城塞」を観た。

 同シリーズは3人の30代の演出家が昭和30年代の戯曲を演出するもの。敗戦後10数年たった当時の劇作家は戦争や日本をどう捉えていたのか。どんな問題を考え、どう表現していたのか。また、当時から50年以上たった今、なにが克服され、なにが未解決で残っているのか‥を問うシリーズ。

 もっとも、同シリーズは、企画段階では3人の30代の演出家というだけだったが、それら3人の演出家が選んだ戯曲が昭和30年代の戯曲だったそうだ。昭和30年代に3人の興味が向かったことには、なにか意味があるのだろうか。ともかく昭和30年代の戯曲が揃ったことで、同シリーズのコンセプトが明確になった。

 「城塞」は昭和37年(1962年)の作品。「国家とはなにか」と問いかける芝居は、今の時代から観ると生硬な感じがしないでもないが、生硬という言葉で済ますにしては、その問いかけは今も未解決だ。

 演出は1979年生まれの上村聡史(かみむら・さとし)。同氏の演出は2014年に同劇場が上演したサルトルの「アルトナの幽閉者」を観たが、それもディテールが丁寧に表現され、しかも焦点が合った好演出だった。今回も同様だ。

 登場人物は5人。「男」の山西惇、「男の妻」の椿真由美、「男の父」の辻萬長、「従僕(八木)」のたかお鷹、「若い女(踊り子)」の松岡依都美の5人は、いずれもこれ以上は望めないと思われる役者ばかりで、密度の濃い演技を繰り広げた。

 「男の父」は満州で企業経営に成功したが、敗戦直後の満州からの引き揚げの時点で記憶が止まり、今は認知症になっている。「男」は戦後、父の会社を引き継ぎ、大企業に成長させた。「男の妻」は「男」が父を入院させずに、邸内で世話していることに苛立つ。邸内では「男の父」のために、満州からの引き揚げを再現する演技が繰り返されており、亡くなった妹の役のために「若い女(踊り子)」が雇われる。

 牢獄のような下の部屋から現れる「男の父」は、オスカー・ワイルドの戯曲(あるいは同戯曲に基づくリヒャルト・シュトラウスのオペラ)「サロメ」のヨカナーンのように見えた。「男」はヘロデ、「男の妻」はヘロディアス、そしてストリッパーである「若い女(踊り子)」はサロメ。これは偶然の一致か。
(2017.4.25.新国立劇場小劇場)
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インキネン/日本フィル

2017年04月23日 | 音楽
 インキネンのブラームス・チクルス第2弾。メインプロは交響曲第2番。先日の定期では交響曲第3番と第4番が演奏されたが、消化不良というか欲求不満というか、腑に落ちない面があったので(会場のオーチャードホールのせいもあっただろう)、さて、会場を横浜みなとみらいホールに移した今回はどうか、という気持ちだった。

 1曲目はブラームスの「悲劇的序曲」。冒頭のトゥッティの2回の和音が張りのある音で鳴った。オーチャードとは明らかに違う鳴り方だ。その後もクリアーな音像が続いた。それがインキネンのよさだと思った。先日の演奏は、やはりホールのせいか、それとも他の要因もあったのか。

 「悲劇的序曲」は、慌てず騒がず、じっくりした歩みで演奏された。インキネンの音楽に対する素直さがよく表れていた。日本フィルとの歯車も、先日より噛み合っているように感じられた。

 2曲目はニールセンのフルート協奏曲。フルート独奏は日本フィルの首席奏者、真鍋恵子。この曲は真鍋自身の選曲だろうが、そのせいか、この曲を十分に理解し、持ち前の温かい音色で、穏やかに落着いた演奏を展開した。

 それにしても、この曲は面白い。インキネンは「時々ちょっとクレージー」といったそうだが(日本フィルのツィッターより)、まさにそんなところがある。独奏フルートの他にクラリネットが準・独奏のように扱われ、またファゴット、バストロンボーン、ティンパニの独奏も多い。ヴィオラの独奏もある。

 たとえば(全2楽章からなるこの曲の)第1楽章後半で、独奏フルートのカデンツァになるが、そのときティンパニが弱音のロール打ちを続ける。そのうちクラリネットとファゴットが介入してくる。この風変わりなカデンツァが、はっきりとは終わらず、その気分を引きずりながら、終結部に移行する。

 この曲を‘室内楽的’と感じる向きもあるようだが、わたしはむしろ‘室内オペラ的’と感じた。独奏フルートは美しいヒロイン。そこにしつこい求婚者(クラリネット)や老僕などが絡む。この想像の当否は別として、ともかく何か隠れたストーリーが存在するのではないか、という気がする曲だ。

 3曲目はブラームスの交響曲第2番。フレッシュな音が鳴り、内声部がバランスよく聴こえ、リズムが粘らない演奏。第4楽章フィナーレは眩いばかりの光彩を放った。
(2017.4.22.横浜みなとみらいホール)
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アラン・ギルバート/都響

2017年04月19日 | 音楽
 アラン・ギルバートが都響に客演して、ジョン・アダムズ(1947‐)の新作「シェヘラザード.2」(2014年世界初演、「シェヘラザード・ポイント・トゥー」と読むそうだ)を日本初演した。

 世界初演のときも指揮はギルバート、オーケストラはニューヨーク・フィル。同曲は独奏ヴァイオリンを伴うが、独奏者は世界初演も今回もリーラ・ジョゼフォウィッツ。すでにロンドン響、アムステルダム・コンセルトヘボウ管、ベルリン・フィルなどでも演奏されている。独奏者はいずれもジョゼフォウィッツだ。

 リムスキー=コルサコフの「シェヘラザード」を下敷きにした曲だが(もっとも、全4楽章のうち、スケルツォ楽章と緩徐楽章とは順番が逆になっている)、それはジョン・アダムズがリムスキー=コルサコフの曲を‘リコンポーズ’したのではなく、現代社会の問題を扱うドラマのベースにしているということだ。

 では、現代社会の問題とは何かというと、女性に対する抑圧、強制、暴力といった事象だ。ジョン・アダムズはアラブの男性中心社会を念頭に置いているが、それがアラブ社会に留まらないことは、もちろん十分承知の上だ。

 全4楽章を通して、女性に対する迫害(第1楽章)、愛の場面(第2楽章)、原理主義者による宗教裁判(第3楽章)、女性の逃亡(第4楽章)が描かれ、ジョン・アダムズのストーリーテリングのうまさに惹きこまれる。

 女性は逃亡して‘聖域’に到達するが、そのときわたしは戸惑いを感じた。‘聖域’は現実のものか、それとも死の前の幻影か。リムスキー=コルサコフの場合は、船の難破というカタストロフィーの後に平穏が訪れるが、ジョン・アダムズの場合はカタストロフィーがないので、わたしの戸惑いはそのドラマトゥルギーの違いに起因するのかもしれない。

 演奏は、ジョゼフォウィッツのヴァイオリン独奏が、鋭い悲鳴から静かな瞑想まで、余すところなく描ききり、またオーケストラも確信を持った演奏を展開した。なお、オーケストラにはツィンバロンが加わり、縦横無尽の活躍を見せたが、一昔前にはコダーイの「ハーリ・ヤーノシュ」くらいしか出番がなかったこの楽器、近年復権が目覚しいのはなぜだろうと思った。

 プログラム1曲目にはラヴェルの「マ・メール・ロワ」が演奏された。艶やかな音色が柔和なテクスチェアを織り、メルヘンの世界を現出した。
(2017.4.18.東京オペラシティ)
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ファビオ・ルイージ/N響

2017年04月18日 | 音楽
 ファビオ・ルイージが振るN響Aプロ。1曲目はアイネム(1918‐1996)の「カプリッチョ」。弾けるように快活な曲だ。初演は(第二次世界大戦のまっただ中の)1943年にベルリンで行われた、というから驚く。あの暗い時代にこんな明るい曲が‥と思うのは、今の時代に生きる者の勝手な思い込みだろうか。

 当時ナチスが猛威をふるうベルリンで、たぶん好意的に受け入れられたのだろうと想像するが(プログラムノーツに明記はされていなかった)、さて、どうだったのか。ジャズ(というよりも、軽音楽)の要素を持つ曲だが、それは不問に付されたか。

 周知のようにアイネムは、戦後になってオペラ「ダントンの死」で大成功するが、わたしはあのオペラは、ビュヒナーの傑作戯曲にたいして、アイネムの(それこそ軽音楽の要素を取り入れた)音楽がそぐわないと感じる。それにひきかえ、この「カプリッチョ」はもっと素直に楽しめた。

 演奏は、張りのある、見事なものだった。この曲を現代に蘇らせたい(=真価を問いたい)という意気込みが感じられた。

 2曲目はメンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲。ヴァイオリン独奏はニコライ・ズナイダー。ガラス繊維のような細い音だが、不思議なことに、その音がオーケストラに埋もれず、どんなときでも明瞭に聴こえる。けっして抒情に流れず、インテンポで進むその演奏は、甘美なロマンティシズムとは一線を画し、むしろ意外にしっかりしたこの曲の骨格を明示するものだった。

 アンコールにバッハの「無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第2番」からアンダンテが演奏された。バッハらしくない、というと語弊があるが、一種即物的な演奏に聴こえた。

 3曲目はマーラーの交響曲第1番「巨人」。第1楽章冒頭の弦のフラジオレットの弱音から、第4楽章コーダの爆発的な強奏まで、N響の演奏能力がフルに発揮されるとともに、普通は埋もれがちな弦や木管の動きが浮き上がってくるという(即興的な部分もあったかもしれない‥)ライヴの興奮に満ちた演奏だった。

 マーラーがこの曲に込めた愛も憧れも焦燥も苦悩も、それらあらゆる情熱が音になり、わたしはそれを追体験するように感じた。そういう演奏でなければ、マーラーを聴いたことにはならないかもしれない。本気度満点の演奏。ファビオ・ルイージの実力とN響の好調さと、その両方を感じた。
(2017.4.16.NHKホール)
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カンブルラン/読響

2017年04月16日 | 音楽
 カンブルランが指揮する読響の4月定期は、いかにもカンブルランらしいプログラムが組まれた。

 1曲目はメシアンの「忘れられた捧げもの」。メシアン最初期の作品だ(プログラムノーツによれば、メシアンにとって「初めて公開で演奏された管弦楽曲」とのこと)。切れ目なく演奏される3つの部分からなっているが、その最初の部分から、メシアン独特のハーモニーが聴こえる。逆に激しく動く中間部分は、後年のメシアンとは少し異なる。

 演奏は、透明なハーモニー、しなやかな旋律線、クリアーな音像などの特徴を持ち、しっかり焦点が合った見事なものだった。1月定期で演奏された最晩年の管弦楽曲「彼方の閃光」ともども、本年11月に演奏予定のオペラ「アッシジの聖フランチェスコ」に向けての準備が進んでいることが窺われた。

 2曲目はドビュッシーの「〈聖セバスティアンの殉教〉交響的断章」。ドビュッシーの秘曲的なイメージがある曲だが、オーケストレーションは友人のアンドレ・カプレの手を借り(全面的なのか、部分的なのか‥)、また劇付随音楽から本作への編曲はカプレがおこなっているわけで、そのせいかどうか、オーケストレーションにはドビュッシーの才気が今一つ感じられないと、生意気にも思ってしまったが‥。

 ともあれ、カンブルラン/読響は、瞑想的な音楽が綿々と続くこの曲を、もたれもせずに聴かせたことが何よりだ。

 3曲目はバルトークの「青ひげ公の城」。ユディットはイリス・フェルミリオン、青ひげはバリント・ザボ。前にも書いたことがあるが、フェルミリオンには忘れられない想い出がある。ザクセン州立歌劇場(ドレスデン)でオトマール・シェックの「ペンテジレーア」を観たときに、タイトルロールを歌っていて、わたしはその歌に‘魂の裸形’とでもいうべきものを感じて震えた。指揮はゲルト・アルブレヒトだった。

 今回のフェルミリオンは、パワーは後退したが、役への理解の深さは変わらなかった。一方、ハンガリー人のザボは、さすがにハンガリー語が自然だった。

 カンブルラン/読響の演奏は、7つの扉の音楽を鮮明に描き分けるだけではなく、各々のつなぎの部分での心理的な移ろいを克明に描き、名演も名演、一種の頂点を極める名演だった。わたしは過去に聴いた国内外でのこの曲の上演・演奏を思い浮かべてみたが、そのどれをも凌駕する演奏ではないかと思った。
(2017.4.15.東京芸術劇場)
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