Enoの音楽日記

オペラ、コンサートを中心に、日々の感想を記します。

君が人生の時

2017年06月22日 | 演劇
 ウィリアム・サローヤン(1908‐1981)の芝居「君が人生の時」を観た。最近は夜遅くなるのが‘しんどくなった’ので、半休を取ってマチネー公演に行った。そうしたら、驚いたことには、観客の大半(割合としては95パーセントくらいか)は女性客だった。しかも場内はほとんど満席。そのため4箇所ある1階のトイレの内、3箇所は女性用に開放されていたが、それでも長蛇の列。一方、男性用はガラガラ。

 なぜそんなに女性客が入るのか。わたしには見当もつかない。人気俳優が出ているのかもしれない。ともかく興行的には(少なくともこの公演を見る限りでは)大成功だろうと推測した。

 時は1939年。この芝居が初演された「今」の話だ。場所はサンフランシスコの場末のバー。そこに多くの人々がたむろする。みんなそれぞれの人生を抱えている。それらの人々がこのバーでひと時を過ごす。これは一種の群像劇だ。

 1939年といえば、ヨーロッパ大陸では第二次世界大戦が勃発していた。劇中でも「タイム」だったかの雑誌を読んで、ナチス・ドイツのチェコスロヴァキアへの侵攻が話題に上る場面がある。もっとも、世界情勢への直接的な言及はそれくらい。あとはサンフランシスコの場末で生きる人々の喜怒哀楽が綴られる。

 だが、初演当時この芝居を観た人々には、劇場の外の緊迫した情勢はひしひしと感じられていただろう。それを感じつつ、やがて自分たちが巻き込まれるだろう事態の予感で緊張しながら、一時の小春日和のような気持ちでこの芝居を観ていたのではないか。それは明日にも失われるだろう平和への愛惜であったかもしれない。

 だが現代の、それも日本で上演するとき、この芝居はどういう意味を持つだろう。日本だって、明日はどうなるか、分かったものではない。でも、まだ、少なくとも表面的には‘平和’といえる状態だろう。そのためなのか(演出もその一因か)、芝居の世界と外の世界との緊張関係は生まれなかった。

 のんびりした雰囲気が漂う場内にいて、これは一種のエンタテイメントと考えればよいのかもしれないと、わたしは思った。登場人物が類型的に感じられたが、それは原作のせいなのか、あるいは演出のせいかは、よく分からなかった。

 なお、かみむら周平のピアノとRON×Ⅱ(ろんろん)のタップダンスが楽しかった。
(2017.6.20.新国立劇場中劇場)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

ラザレフ/日本フィル

2017年06月19日 | 音楽
 ラザレフ/日本フィルの東京定期のプログラムは、グラズノフとプロコフィエフの作品で組まれたが、その選曲は一捻りされていた。

 1曲目はグラズノフのバレエ音楽「お嬢様女中」。そんな曲があったの?という感じ。グラズノフは名作バレエ「ライモンダ」を書いた後に、「四季」と本作とを書いた。「ライモンダ」は今でも各劇場の基本的なレパートリーとなっているし、また「四季」もオーケストラの演奏会で取り上げられる機会があるが、「お嬢様女中」はというと‥。

 でも、聴いてみると、楽しい曲だ。フランスのロココ時代の画家アントワーヌ・ヴァトー(1684‐1721)の雅な画風をイメージした曲で、とくに盛り上がる場面はなく、他愛のない音楽が続くが、それを飽きさせずに聴かせるところは、ラザレフの力量だろうと思った。ともかく、グラズノフは凡百のバレエの作曲家とは格が違う、と感じられたことが収穫だ。

 「お嬢様女中」という題名だが、原題はフランス語でLes ruses d’amourとなっているので、直訳すると‘恋の計略’といったところだろう。それを「お嬢様女中」としたのはストーリーから来る意訳か。それとも何か根拠があるのだろうか。

 2曲目はプロコフィエフのピアノ協奏曲第1番。ピアノ独奏は若林顕。プロコフィエフがまだペテルブルク音楽院の学生だった頃の作品。プロコフィエフはピアノ科の卒業試験で自作のこの曲を弾いたというから、驚くやら、呆れるやら。しかもその2年前には演奏会でピアニストとしてこの曲を弾いたそうだ。

 そういう代物だが、たしかにこの曲は野心的で、しかもその後のプロコフィエフらしさが現れている。興味深いが演奏機会はまれなこの曲を、若林顕は流暢に演奏し、わたしはその実力に敬服した。

 3曲目はプロコフィエフのスキタイ組曲「アラとロリー」。名前だけは知っているが、少なくとも演奏会では聴いた記憶がないこの曲は、プロコフィエフがストラヴィンスキーの「春の祭典」に刺激されて書いたそうだ。たしかにプロコフィエフの「俺ならもっと凄いのが書ける」という対抗心がむき出しだ。

 正直なところ、ストラヴィンスキーの精緻なリズム処理には及ぶべくもないが、でも最後の、大編成のオーケストラが高音に向かって収斂していく音響と、そのときラザレフが日本フィルから引き出した音圧とは、眩いばかりだった。
(2017.6.16.東京文化会館)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

ランス美術館展

2017年06月17日 | 美術
 ランスはパリ東駅からTGVで45分ほどの所にある。わたしにとって、この街はジャンヌ・ダルクがシャルル7世を戴冠させるために訪れた街だ。またロッシーニのオペラ「ランスへの旅」の街でもある(もっとも、ロッシーニのそのオペラは、登場人物のだれもがランスに到着しないというシュールな面のあるオペラだが)。

 ランスはまたレオナール・フジタ(藤田嗣治)(1886‐1968)ゆかりの街でもある。フジタは生涯の最後の時期をランスに新設する礼拝堂のために捧げた。フジタは戦後、日本を去って、1955年にフランスに帰化した。そして1959年にランスのノートルダム大聖堂でカトリックの洗礼を受けた。

 パトロンの援助のもと、ランスに礼拝堂を建てることになり、その内部装飾のフレスコ画とステンドグラスに取り組んだ。1965年4月~7月に原寸大の下絵素描(カルトン)を制作し、7月には人物頭部の習作(テンペラおよび油彩)を制作した。翌1966年6月~8月にフレスコ画を描き、10月に礼拝堂「平和の聖母礼拝堂」(フジタ礼拝堂)が完成。その後フジタは体調を崩し、1968年1月に亡くなった。

 現在開催中の「ランス美術館展」は、同地のランス美術館のコレクションを紹介するもの。フランスの地方都市にふさわしく、地味だがしっとりと落ち着いた秀作が多い。それらを見ながら展覧会の後半に至ると、フジタが「平和の聖母礼拝堂」のために制作した下絵素描が何点も並び、まるで大きな渦の中に巻き込まれたような感覚になった。

 すごい迫力がある。よく「デッサンのほうが完成作より面白い」という人がいるが、たしかに一理あると思った。

 たとえばステンドグラスの「聖ベアトリクス」の制作過程を追うことができるのだが、まず1965年4月21日に下絵素描(木炭および擦筆)が制作される。128×67.2㎝という大きなもの。その大胆な筆致に圧倒される。同年11月には彩色した下絵(インク、水彩およびフェルトペン)が制作される。そして完成作のステンドグラスが写真パネルで展示されている。

 もちろん完成作は美しいのだが、下絵素描の迫力はどこかに静かに収まっているのだろう。表面からは窺えない。

 思いがけないことだったが、本展はこのようにレオナール・フジタの人生最後の息吹が感じられる展覧会だった。わたしは大いに驚いた。
(2017.6.15.損保ジャパン日本興亜美術館)

(※)本展のHP
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

「バベルの塔」展

2017年06月15日 | 美術
 ブリューゲル(1526/30頃‐1569)の「バベルの塔」は3作あるそうだ。第1作はブリューゲルが若い頃のもので、現在は失われている。第2作はウィーンの美術史美術館に所蔵されている「バベルの塔」(1563頃)。第3作はロッテルダムのボイマンス・ファン・ベーニゲン美術館に所蔵されている「バベルの塔」(1568頃)。その第3作が来日中だ。

 本展ではその第3作について、東京藝術大学と提携して、最新鋭の解析を試みている。第3作のサイズは59.9×74.6㎝なので、それほど大きくはないが、その画面に約1,400人の人々が描かれている。想像を絶する人数だ。それらの人々の大半はバベルの塔の建設に従事する労働者だ。その様子がCG映像や拡大複製画によって示される。

 わたしは今まで、ブリューゲルというと「雪中の狩人」、「農民の婚宴」、「農民の踊り」などを通じて‘農民画家’のイメージが強く、超絶的な細密画家というイメージはなかったので、認識を新たにした。

 本展ではその他、バベルの塔の形態がどこから来たのか、その源泉を探っている。答えはローマのコロッセウムだった。今ではだれでも、バベルの塔というと、ブリューゲルのあの形態を思い浮かべるだろうが、そのルーツはローマのコロッセウムにあったわけだ。

 また第2作の後に第3作が描かれた意義についても、検討している。まとまった考えは示されていないが、ともかく、大きさが異なり(第2作のサイズは114×155㎝なので縦横とも第3作の倍の大きさだ)、目線が異なり、色合いが異なり、その他の細部も異なる第3作は、第2作の焼き直しの域を超えているようだ。

 これらのことを頭に入れた上で、もう一度「バベルの塔」に戻ると、細密な描写は単眼鏡がなければ分からないが、肉眼で見るだけでも、その存在感が圧倒的だった。今後ロッテルダムに行く機会があるかどうか分からないので、今回は貴重な機会だった。

 本展にはヒエロニムス・ボス(1450頃‐1516)の作品も2点来ている。「放浪者(行商人)」と「聖クリストフォリス」。ボス特有の怪奇的な作品ではなく、むしろ初期フランドル派の空気感や寓意が感じられる作品だ。

 初期フランドル派の作品は、ハンス・メムリンク(1433頃‐1494)など多数の画家の作品が来ている。もっとゆっくり見たかったが、混雑気味だったので諦めた。
(2017.6.13.東京都美術館)

(※)主な作品の画像(本展のHP)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

ラザレフ/日本フィル

2017年06月11日 | 音楽
 ラザレフが日本フィルに戻ってきた。インキネンに首席指揮者を譲って、桂冠指揮者(兼芸術顧問)に退いてから、年2回の登場になったので、久しぶりの感がある。登場すれば、いつものラザレフだ。演奏は全力投球。聴衆とのコミュニケーションも熱い。

 1曲目はチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲。ヴァイオリン独奏は山根一仁。この人の演奏を聴くのは初めてだが、なかなか個性派だ。細く硬い音でメタリックな感覚の演奏をする。今回はチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲だが、全然ロマン的な演奏ではない。むしろシュニトケのように聴こえる箇所があった。

 山根一仁は1995年生まれ。今年22歳だ。桐朋女子高等学校音楽科(共学)を卒業して、今はドイツ国立ミュンヘン音楽演劇大学に在籍中。できることなら、この個性をそのまま伸ばして、自分だけの道を切り拓いてもらいたいものだが、さて、どうなるか。

 アンコールにイザイの無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第2番からマリンコニアが演奏された。終始弱音で演奏される静謐かつシンプルな曲。最後にグレゴリオ聖歌の「怒りの日」がそっと顔を覗かせる。この曲の方が山根一仁のアンチ・ヴィルトゥオーゾ的な個性に合致していた。

 日本フィルは、立ち上がりこそ不安定だったが、徐々に軌道に乗り、第2楽章の木管のオブリガートなど情緒たっぷりの演奏だった。

 2曲目はショスタコーヴィチの交響曲第5番。これは堂々たる名演だった。オーケストラは豪快に鳴るが、しかしそれは‘爆演’などではない。音がけっして粗くならず、随所に細心のピアニッシモが張りめぐらされていた。

 第1楽章は過度に悲壮にならず、また第3楽章も過度に悲痛にならず、さらに第4楽章は勝利の喜びでも、また強いられた‘喜び’でもなく、全体を通してあくまでも音楽的な枠内に収まるストレートな演奏だった。今は「証言」の(その真贋を含めた)衝撃を通り過ぎた時代になったことを感じた。

 わたしは満足し、アンコールはなくてもよいと思ったが、アンコールがあった。それもアンコールの定番の何かではなく、ロシア的な活気のある曲だった。終演後、会場の掲示を見たら、ショスタコーヴィチの組曲「馬あぶ」から「祝日」だった。ラザレフは以前、横浜定期で同組曲の全曲をやったことがある。あのときも会場は大いに盛り上がったが、今回も同様だった。
(2017.6.10.横浜みなとみらいホール)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加