Enoの音楽日記

オペラ、コンサートを中心に、日々の感想を記します。

パーヴォ・ヤルヴィ/N響

2018年02月17日 | 音楽
 パーヴォ・ヤルヴィ指揮N響のフランス音楽プログラム。フランス音楽のよさが楽しめそうなプログラムだ。

 1曲目はデュルフレ(1902‐1986)の「3つの舞曲」。デュルフレというと「レクイエム」や「アランの名による前奏曲とフーガ」が思い浮かぶが(そして両曲とも名曲だが)、この「3つの舞曲」という曲は知らなかった。これもよい曲だ。牧歌的な情緒を漂わせた楽しい曲といったらよいか。アルト・サクソフォンやタンブーラン(打楽器)の使用が、ビゼーの「アルルの女」を思わせる。演奏も、音色への配慮、立体的な音像、正確なリズムなど、パーヴォ/N響らしさが出ていた。

 2曲目はサン・サーンスのヴァイオリン協奏曲第3番。ヴァイオリン独奏は樫本大進。過度に甘くならず、じっくり音楽を味わう演奏。さすがに名曲だ、まったく無駄がないと思った。樫本大進のソロは、オーケストラを引っ張っていく推進力を持つもの。日頃は(ベルリン・フィルということは別にして)オーケストラのコンサートマスターとして活動している人の枠を超えるものだった。

 休憩後の3曲目はフォーレの「レクイエム」。オーケストラが登場する前に、N響の常務理事(と名乗ったように思う)が登場して、バリトン独唱に予定していたアンドレ・シュエンが体調不良のため、甲斐栄次郎に代わる旨のアナウンスがあった。プログラムには出演者交代の紙が挟んでなかったので、それも間に合わないくらい急な交代だったのかもしれない。合唱とソプラノ独唱は暗譜だったが、甲斐栄次郎だけ譜面を持っていたことも、舞台裏の慌ただしさを物語っていた。

 演奏はすばらしかった。東京混声合唱団がハーモニーを崩さず、時にはアカペラになるこの曲を、破綻なく歌い切った。甲斐栄次郎もさすがの美声だった。ソプラノ独唱は市原愛。オーケストラは精細な神経が行き届き、全体を統率するパーヴォの指揮には力みがなかった。

 わたしは何十年ぶりかでこの曲の実演を聴いたが、(今頃こんなことに気が付いて恥ずかしいが)弦の編成が1st Vn.12、2nd Vn.8、Vla.12、Vc.8、Cb.8とかなり特殊だ。ヴァイオリンを欠く第1曲と第2曲で、ヴィオラが豊かに鳴ったので、それに気付いた。その特殊なバランスが効果的だった。

 今年も3月11日が近づくこの時期にこの曲を聴くと、東日本大震災の被災者のことが胸に浮かんだ。
(2018.2.16.NHKホール)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

佐多稲子「時に佇つ」

2018年02月14日 | 文学
 佐多稲子(1904‐1998)の「私の東京地図」(1949)を読み終えたわたしは、あらためて「時に佇つ」(1976)を読み始めた。すでに「時に佇つ」の半分ほどを読んでいたので、その部分は再読になった。今度は「私の東京地図」を読んだ後なので、そこに書かれている出来事が鮮明に分かった。

 「時に佇つ」は12章からなる短編集。1975年1月号から12月号までの「文芸」に連載され、翌年、単行本として刊行された。各章は独立しているが、いずれも佐多稲子が過去の出来事を振り返り、その意味を噛みしめるもの。想い出というよりも、人生の省察というほうがふさわしい作品。

 全12章の内「その十一」は同年の川端康成文学賞を受賞した。かつての結婚相手、窪川鶴次郎の逝去に当たっての想いを書いた作品。陰影の濃やかさの点では、たしかにこの作品は優れている。別の言い方をすれば、全12章が結晶のように透徹した美しさを基調とする中で、「その十一」はもっとも小説的だ。

 だが、今回わたしは「その四」に強い印象を受けた。佐多稲子が戦時中に前線の兵隊への慰問に出かけたときの出来事を書いたもの。その書き出しはこうなっている。

 「その操作にどれほどの意味があるのか、しかしある日ふいに過去が結びついてくれば、私はやはりそれを探らねばならない。ふいに戻ってきた過去は、それなりの推移をもって、その推移のゆえに新たな貌をしている。また、そこに在るのが私だけでもない。それらのことが私を引込む。過ぎた年月というものは、ある情況にとっては、本当に過ぎたのであろうか。」

 そして、戦地への慰問のことが回想され、それが戦争責任の問題とも絡んで、佐多稲子の苦い自責の念となる。年月の厚みから蒸留されたその出来事と、今も生々しい自責の念とが、それを読むわたしの胸に沁みる。

 「その四」からもう一箇所引用してみよう。

 「身体の衰えについての実感とは別のところで年月の感覚は希薄になる。深く浸透した思いがそのまま持続されるのも、老年の固執ではなくて、時間の短絡にもよっている。そしてまた、三十数年前がふいに今日に結びついてくるということが一方にあるのも、私の年齢になって出会うことでもある。過ぎたことは案外に近い。」

 書き出しと似た内容だが、このくだりは「時に佇つ」全体の性格を言い表しているように思う。その不均一な時間感覚が、わたしも分かる年齢になってきた‥。
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

堀越保二展

2018年02月12日 | 美術
 3連休の初日。北陸や東北の方には申し訳ないが、東京は穏やかな天気だった。わたしは大田区立郷土博物館に出かけた。わたしの家は目黒区にあるが、目黒区と大田区と品川区の境にあって、同館にはバスで行ける。だが、バスを降りてから道に迷い、ずいぶん遠回りをした。

 同館に出かけたのは、堀越保二展を見るため。購読している新聞に紹介記事が載ったので、興味を持った。その記事によると、同氏は東京芸大で日本画を学び、1963年に卒業制作のため、生まれ育った大森海岸を訪れたとき、「埋め立てでゴミの山と化した姿に衝撃を受けた。/その後、埋め立て地に通って鳥や植物、水辺の風景をスケッチするようになる。」(東京新聞2018年1月24日)

 一方、わたしは多摩川の河口の、京浜工業地帯の一角で生まれた。町工場がひしめく地域。大森海岸のすぐ近くなので、海の埋め立て工事が進む高度成長期は、肌で感じていた。そのときショックを受けた先輩世代が、何を感じ、それをどう表現しているかを、見てみたいと思った。

 わたしは堀越保二氏の名前を知らなかった。ネットで検索すると、驚いたことに、わたしの母校の先輩だった。同氏は都立小山台高校の卒業生。わたしもそうだ。入学年次は同氏が12年先輩。同氏は東京芸大に進学し、その後、同大学で教鞭をとった。今は名誉教授。

 年齢は同氏が一回り上だが、母校の先輩というだけで、急に親しみを覚えたことが、我ながら可笑しかった。これはどうしても見に行かなければならない、と。

 わたしは、そそっかしいことに、「埋め立てでゴミの山と化した」海岸が描かれた作品が並んでいるのかと思っていた。だが、そうではなかった。野鳥を描いた作品が大半を占めるが、それらは「ゴミの山」にいるわけではなかった。でも、よく見ると、ゴミこそ描かれてはいないが、埋め立て地がイメージされる作品があった。

 その作品は、茫漠とした土地に、1羽のカラスの死骸が横たわっている絵。明るいオレンジ色の地面には白い草花が咲き乱れ、空には大きな虹が掛かっている。その風景は死んだカラスが天国で見ている風景のように感じられた。作品名は「此岸にて」(1967年)。

 名前を書き留めてくるのを忘れたが、会場には本展の開催に当たって、東京芸大の同僚教授2名の寄せた祝辞が掲示されていた。いずれも温かい交流を窺わせるものだった。
(2018.2.10.大田区立郷土博物館)

(※)東京新聞の紹介記事(「此岸にて」の画像が掲載されている)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

熊谷守一展

2018年02月09日 | 美術
 熊谷守一(1880‐1977)の絵は前から好きだった。たまに何かの展覧会で見かけると、いい絵だな、と思っていた。いったいどこからこういう絵が生まれてくるのだろう、と。そんな疑問に答えてくれるのが、没後40年の「熊谷守一 生きるよろこび」展。

 熊谷守一は、東京美術学校(現東京藝術大学)で学んだ直後は、暗い絵を描いていた。“暗い”というのは比喩ではなく、本当に暗い夜の絵。それは光と闇の研究のため、という解説が掲示されていたが、それはそうだとして、わたしはどうしても、心の闇を抱えていたのでは、と勘ぐりたくなる。そう考えたほうが、後年の、明るく、影のない絵との対比が鮮やかになるから。

 余談だが、同校の同級生に青木繁(1882‐1911)がいた。また、「海ゆかば」の作曲家、信時潔(1887‐1965)は親友だった(本展には一枚の葉書に二人で半分ずつ書いたものが展示されている)。熊谷守一がどんな時代を生きていたか、想像がつく気がする。

 さて、熊谷守一の後年の画風は、いつ頃、どのように生まれてきたのか。その点についても、本展は丁寧にたどっている。それは、熊谷守一の特徴の一つ、赤い輪郭線の誕生と発展をたどるかたちで。誕生の時期だけを記すと、1936年の「夜の裸」に最初期の作例が見られるそうだ。

 では、形態の単純化はどうか。その点については、明確な指摘はなかったが、1940‐41年の「船津」にはその萌芽が見られる。正確を期すためには、研究者の論文を俟たなければならないが、一応、赤い輪郭線と同時期だった、と考えてよいのではないか。

 熊谷守一の(お馴染みの)後年の画風は、戦後になって一気に開花した。解説を読むと、戦後もさまざまな工夫を重ねていたようだが、それは様式が確立した上でのこと。肝心の様式には一切の迷いがないように見える。その結果、明るく、力まず、脱俗的で、ユーモアのある絵が生まれた。

 だが、意外なことに、熊谷守一は西洋の絵画を参照していた可能性があるそうだ。たとえば代表作の一つ、「稚魚」(1958年)はアンリ・マティスの代表作の一つ「ダンス」(1909‐10)を参照している可能性があるとのこと。いわれてみると、たしかにそうかもしれない、と頷けるところがある。

 その面からの熊谷守一の研究は、これからなのだろうか。興味深いテーマだと思う。
(2018.2.7.東京国立近代美術館)

(※)本展のHP
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

佐多稲子「私の東京地図」

2018年02月06日 | 文学
 昨年11月に長崎県美術館を訪れ、池野清の遺作2点に感銘を受けたことがきっかけとなって、それらの遺作をテーマにした佐多稲子の短編小説「色のない画」と長編小説「樹影」を読み、またその関連で「私の長崎地図」を読む中で、わたしは佐多稲子にすっかり惹きこまれた。

 引き続き、ほとんど予備知識もなく、「時に佇つ」を読み始めた。しばらく読むうちに、畏れに似た思いを抱いた。これは生半可な気持ちで読むべき作品ではないと思った。全12章からなるその作品のうち、半分ほどを読んだところで、わたしはいったん本を閉じた。わたしにはまだこの作品を読む準備ができていないと感じた。

 そこで、代わりに「私の東京地図」を手に取った。少しページを繰ってみると、それが「私の長崎地図」の姉妹作であり、「私の長崎地図」のその後の、佐多稲子が11歳で東京に出てから、すぐに働き始めた人生を書いたものであることが分かった――それは予想通りでもあったが――。それと同時に、そこで書かれていることの中には、晩年の「時に佇つ」で凝縮され、結晶化する素材が含まれていることを直覚した。

 「私の東京地図」を読み終えたわたしは、ますます佐多稲子に魅せられた。佐多稲子のなにに魅せられたのかと自問すると、それはまず文体だ。簡潔で、抑制的で、けっして読者の感情を煽らない文体。本来はどこかの一節を引用するとよいのだが、まとまった量を引用する必要がありそうで、そうなると長くなので、今は諦めるが。

 そのような文体が生まれるのは、佐多稲子の感性がそうであるからだろう。大事なことをポツンという。説明をしないで、ポツンという。そこに佐多稲子の感じていることのすべてが込められている。その底にあるものが分かるかどうかは、読者の側の問題、という厳しさがある。

 本作の中で忘れられない場面が三つあった。人それぞれ感じ方が違うから、具体的にどの場面と指すことは控えるが、それらの場面はわたしに傷口のようになって残った。ひりひり痛む佐多稲子の感性がそこにあった。

 わたしは講談社文芸文庫で読んだが、その巻末に佐多稲子(当時は田島イネ)の尋常小学校3年の頃の写真が載っていた。弟と叔父と佐多稲子との3人が並んだ写真。そこに写っている佐多稲子は聡明そうだ。まっすぐなにかを見据えている。羽毛が震えるような感性が表れているように感じた。

 わたしは「時に佇つ」を読む準備ができたように思った。
コメント
この記事をはてなブックマークに追加