Enoの音楽日記

オペラ、コンサートを中心に、日々の感想を記します。

パーヴォ・ヤルヴィ/N響

2017年06月26日 | 音楽
 読響を振ったシモーネ・ヤングの印象が強く残るその翌日に、タイプがまったく異なるパーヴォ・ヤルヴィ指揮のN響を聴くことは、贅沢といえば贅沢なことだ。

 パーヴォ・ヤルヴィ/N響のプログラムはオール・フランス音楽。その中でも後半のラヴェルの2曲、「優雅で感傷的なワルツ」と「ダフニスとクロエ」組曲第2番が興味深かった。

 パーヴォのフランス音楽へのアプローチは、とくに「優雅で感傷的なワルツ」によく現れていたが、パーヴォがドイツ音楽で取っているものとは対照的だった。ドイツ音楽ではアクセントを強く付けるが、フランス音楽ではアクセントを極力弱めて、角が取れた音を出していた。テンポはドイツ音楽では比較的速く、きびきびと進めるが、フランス音楽では遅めで、音のソノリティをじっくり聴く傾向があった。全体としては、ドイツ音楽が引き締まった筋肉質の造形を聴かせるのに対して、フランス音楽では薄く透明な柔らかい音の世界を聴かせた。

 パーヴォはフランス音楽へのN響の適性を試していたのかもしれない。もしそうなら、手応えは十分あったのではないか。その手応えを基に、なにしろ引き出しの多いパーヴォのことだから、今後は別のアプローチを試みる可能性もある。

 プログラム前半には、デュティユーの「メタボール」とサン・サーンスのピアノ協奏曲第2番(ピアノ独奏は河村尚子)が演奏された。「メタボール」は、先ほどのアプローチの違いの文脈でいうと、むしろ引き締まった筋肉質の造形を聴かせた。同曲はフランス音楽の伝統に根ざしてはいるが、ラヴェル流のフランス音楽とは一線を画しているからだろう。

 サン・サーンスのピアノ協奏曲第2番では、河村尚子のピアノ独奏が見事だった。音の粒立ちがよく、フレーズが明瞭で、かつ精神的な安定感があった。アンコールにプーランクの「バッハの名による即興ワルツ」が演奏された。

 さて、パーヴォとシモーネ・ヤングとの比較だが、上述のようなパーヴォと、読響の鳴りっぷりのよさを最大限に引き出したシモーネ・ヤングとは、真逆のように見える。オーケストラの多様な可能性を引き出そうとするパーヴォと、自分流を貫くヤング。そんな二人はわずか1歳違いの同世代だ。

 シモーネ・ヤングには性差を超えたような個性が見られるが、その個性が日本でも受け入れられ、パーヴォと同様、思う存分演奏活動を展開できるよう願う。
(2017.6.25.NHKホール)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

下野竜也/東京シティ・フィル&シモーネ・ヤング/読響

2017年06月25日 | 音楽
 土曜日は東京シティ・フィルの定期と読響の定期をハシゴした。どちらにも大変な名演があった。

 まず東京シティ・フィルの定期へ。下野竜也の指揮でフンパーディングのオペラ「ヘンゼルとグレーテル」の前奏曲、ワーグナーの「ヴェーゼンドンク歌曲集」(ヘンツェ編曲の室内オーケストラ版、メゾ・ソプラノ独唱は池田香織)、ドヴォルザークの交響曲第6番。

 なかでもドヴォルザークの交響曲第6番が名演だった。第1楽章の冒頭から、軽やかで艶のある弦の音が流れてきて、その流れにオーケストラ全体が合流した。リズムには快い弾みがあり、明るく伸びやかな叙情が漂った。テンポの変化もよくきまった。第1楽章のコーダでは息詰まるような高揚感があった。

 第2楽章以下もその流れに変わりはなかった。わたしはとくに第3楽章に目をみはった。チェコの民族舞曲フリアントの様式による楽章だが、そこにほとばしる魂の叫び、別の言い方をするなら、抑えようもない感情の爆発に、胸が熱くなった。

 下野竜也はほんとうによくこの曲を知っているようだ。持ち前のメリハリのある曲の把握と、歯切れのよいフレージングに加えて、緻密なアンサンブルと瑞々しい音色をオーケストラから引き出し、全体を通して快い緊張感が持続した。

 次に読響の定期へ。シモーネ・ヤングの指揮でプロコフィエフのピアノ協奏曲第3番(ピアノ独奏はアブドゥライモフというウズベキスタンの若手ピアニスト)とリヒャルト・シュトラウスの「アルプス交響曲」。シモーネ・ヤングはすでにいくつかの在京オーケストラを振っているが、読響へは初登場。

 「アルプス交響曲」が名演だった。久しぶりに読響がよく鳴る演奏だった。読響はカンブルラン体制になってから、一気に語彙を豊富にしていると思うが(わたしはカンブルランを全面的に支持する一人だが)、読響にはもともと豪放磊落に鳴る側面があり、そこにシモーネ・ヤングが触れたようだ。

 よく鳴るとはいっても、けっして粗くはならない。いわゆる‘爆演’ではない。オーケストラは常にシモーネ・ヤングのコントロールの下にある。その上で、チェロとコントラバスの激しい動きを強調するなど、演奏上のダイナミズムを生む仕掛けが施されていた。

 最後の、消え入るように終わる暗い音色には、‘死’を想わせるものがあった。
(2017.6.24.東京オペラシティ&東京芸術劇場)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

君が人生の時

2017年06月22日 | 演劇
 ウィリアム・サローヤン(1908‐1981)の芝居「君が人生の時」を観た。最近は夜遅くなるのが‘しんどくなった’ので、半休を取ってマチネー公演に行った。そうしたら、驚いたことには、観客の大半(割合としては95パーセントくらいか)は女性客だった。しかも場内はほとんど満席。そのため4箇所ある1階のトイレの内、3箇所は女性用に開放されていたが、それでも長蛇の列。一方、男性用はガラガラ。

 なぜそんなに女性客が入るのか。わたしには見当もつかない。人気俳優が出ているのかもしれない。ともかく興行的には(少なくともこの公演を見る限りでは)大成功だろうと推測した。

 時は1939年。この芝居が初演された「今」の話だ。場所はサンフランシスコの場末のバー。そこに多くの人々がたむろする。みんなそれぞれの人生を抱えている。それらの人々がこのバーでひと時を過ごす。これは一種の群像劇だ。

 1939年といえば、ヨーロッパ大陸では第二次世界大戦が勃発していた。劇中でも「タイム」だったかの雑誌を読んで、ナチス・ドイツのチェコスロヴァキアへの侵攻が話題に上る場面がある。もっとも、世界情勢への直接的な言及はそれくらい。あとはサンフランシスコの場末で生きる人々の喜怒哀楽が綴られる。

 だが、初演当時この芝居を観た人々には、劇場の外の緊迫した情勢はひしひしと感じられていただろう。それを感じつつ、やがて自分たちが巻き込まれるだろう事態の予感で緊張しながら、一時の小春日和のような気持ちでこの芝居を観ていたのではないか。それは明日にも失われるだろう平和への愛惜であったかもしれない。

 だが現代の、それも日本で上演するとき、この芝居はどういう意味を持つだろう。日本だって、明日はどうなるか、分かったものではない。でも、まだ、少なくとも表面的には‘平和’といえる状態だろう。そのためなのか(演出もその一因か)、芝居の世界と外の世界との緊張関係は生まれなかった。

 のんびりした雰囲気が漂う場内にいて、これは一種のエンタテイメントと考えればよいのかもしれないと、わたしは思った。登場人物が類型的に感じられたが、それは原作のせいなのか、あるいは演出のせいかは、よく分からなかった。

 なお、かみむら周平のピアノとRON×Ⅱ(ろんろん)のタップダンスが楽しかった。
(2017.6.20.新国立劇場中劇場)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

ラザレフ/日本フィル

2017年06月19日 | 音楽
 ラザレフ/日本フィルの東京定期のプログラムは、グラズノフとプロコフィエフの作品で組まれたが、その選曲は一捻りされていた。

 1曲目はグラズノフのバレエ音楽「お嬢様女中」。そんな曲があったの?という感じ。グラズノフは名作バレエ「ライモンダ」を書いた後に、「四季」と本作とを書いた。「ライモンダ」は今でも各劇場の基本的なレパートリーとなっているし、また「四季」もオーケストラの演奏会で取り上げられる機会があるが、「お嬢様女中」はというと‥。

 でも、聴いてみると、楽しい曲だ。フランスのロココ時代の画家アントワーヌ・ヴァトー(1684‐1721)の雅な画風をイメージした曲で、とくに盛り上がる場面はなく、他愛のない音楽が続くが、それを飽きさせずに聴かせるところは、ラザレフの力量だろうと思った。ともかく、グラズノフは凡百のバレエの作曲家とは格が違う、と感じられたことが収穫だ。

 「お嬢様女中」という題名だが、原題はフランス語でLes ruses d’amourとなっているので、直訳すると‘恋の計略’といったところだろう。それを「お嬢様女中」としたのはストーリーから来る意訳か。それとも何か根拠があるのだろうか。

 2曲目はプロコフィエフのピアノ協奏曲第1番。ピアノ独奏は若林顕。プロコフィエフがまだペテルブルク音楽院の学生だった頃の作品。プロコフィエフはピアノ科の卒業試験で自作のこの曲を弾いたというから、驚くやら、呆れるやら。しかもその2年前には演奏会でピアニストとしてこの曲を弾いたそうだ。

 そういう代物だが、たしかにこの曲は野心的で、しかもその後のプロコフィエフらしさが現れている。興味深いが演奏機会はまれなこの曲を、若林顕は流暢に演奏し、わたしはその実力に敬服した。

 3曲目はプロコフィエフのスキタイ組曲「アラとロリー」。名前だけは知っているが、少なくとも演奏会では聴いた記憶がないこの曲は、プロコフィエフがストラヴィンスキーの「春の祭典」に刺激されて書いたそうだ。たしかにプロコフィエフの「俺ならもっと凄いのが書ける」という対抗心がむき出しだ。

 正直なところ、ストラヴィンスキーの精緻なリズム処理には及ぶべくもないが、でも最後の、大編成のオーケストラが高音に向かって収斂していく音響と、そのときラザレフが日本フィルから引き出した音圧とは、眩いばかりだった。
(2017.6.16.東京文化会館)
コメント
この記事をはてなブックマークに追加

ランス美術館展

2017年06月17日 | 美術
 ランスはパリ東駅からTGVで45分ほどの所にある。わたしにとって、この街はジャンヌ・ダルクがシャルル7世を戴冠させるために訪れた街だ。またロッシーニのオペラ「ランスへの旅」の街でもある(もっとも、ロッシーニのそのオペラは、登場人物のだれもがランスに到着しないというシュールな面のあるオペラだが)。

 ランスはまたレオナール・フジタ(藤田嗣治)(1886‐1968)ゆかりの街でもある。フジタは生涯の最後の時期をランスに新設する礼拝堂のために捧げた。フジタは戦後、日本を去って、1955年にフランスに帰化した。そして1959年にランスのノートルダム大聖堂でカトリックの洗礼を受けた。

 パトロンの援助のもと、ランスに礼拝堂を建てることになり、その内部装飾のフレスコ画とステンドグラスに取り組んだ。1965年4月~7月に原寸大の下絵素描(カルトン)を制作し、7月には人物頭部の習作(テンペラおよび油彩)を制作した。翌1966年6月~8月にフレスコ画を描き、10月に礼拝堂「平和の聖母礼拝堂」(フジタ礼拝堂)が完成。その後フジタは体調を崩し、1968年1月に亡くなった。

 現在開催中の「ランス美術館展」は、同地のランス美術館のコレクションを紹介するもの。フランスの地方都市にふさわしく、地味だがしっとりと落ち着いた秀作が多い。それらを見ながら展覧会の後半に至ると、フジタが「平和の聖母礼拝堂」のために制作した下絵素描が何点も並び、まるで大きな渦の中に巻き込まれたような感覚になった。

 すごい迫力がある。よく「デッサンのほうが完成作より面白い」という人がいるが、たしかに一理あると思った。

 たとえばステンドグラスの「聖ベアトリクス」の制作過程を追うことができるのだが、まず1965年4月21日に下絵素描(木炭および擦筆)が制作される。128×67.2㎝という大きなもの。その大胆な筆致に圧倒される。同年11月には彩色した下絵(インク、水彩およびフェルトペン)が制作される。そして完成作のステンドグラスが写真パネルで展示されている。

 もちろん完成作は美しいのだが、下絵素描の迫力はどこかに静かに収まっているのだろう。表面からは窺えない。

 思いがけないことだったが、本展はこのようにレオナール・フジタの人生最後の息吹が感じられる展覧会だった。わたしは大いに驚いた。
(2017.6.15.損保ジャパン日本興亜美術館)

(※)本展のHP
コメント
この記事をはてなブックマークに追加