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井上まさじさんの「気の絵画」

2012-02-04 21:06:01 / 井上まさじの絵画





写真の作品は細いペンで同心円をフリーハンドで描いています。
線と線の巾は1mmぐらいです。
画面の全体に黄色、白、水色の大小のドットが散らばめられていますが、
これは同心円を描くよりも前に散らしたものです。
つまり、線を引いていく手の動きがドットのところで一旦切れているわけです。
とりわけ画面の端っこ（エッジ）の処理が素晴らしく、とてもきれいです。



上の作品のディテール（中心とその周辺）


上の作品のディテール（作品のエッジ）



以前に紹介した井上まさじさんの絵は、直径1mmぐらいの丸を
やはり細い線で紙の左上の隅っこから右方へ、そして一段が終わると下の段に移って
同じように機械的に描いていくという描き方の絵でした。
こういうのを果たして絵といえるのかどうかということが、いつも問題になるわけですが、
私が思うに、絵であるかどうかということは実は重要な問題ではなくて、
ただその画面を見ていて、いつまで見ていても見飽きないというところで、
「これは一体何なんだろう」と思ってしまうところが大事なところだということです。

なぜ見飽きないのかというと、一見機械的に描いているように見えて、
決して機械の仕事のように単調無味なのではなく、
線が密な状態で濃く見えるところと、線がこころもち疎な状態で
薄く見えるところがあって、全体としてはひとつの大きなゆらぎというか、
うねりのようなものが見えているわけです。
そのゆらぎ、乃至うねりが見ているうちに動いているように感じられることもあったりして、
そういった生理的な錯覚のようなことも含めて、
私は井上さんの絵を「気の絵画」と解釈したりもしています。

「気」という現象を、私は物質の世界の、物質と物質が出会って醸し出してくる
非物質的（に見える）現象、というふうに考えるのですが、
井上さんの「絵を描く」という営みは、
人間としての生命活動が物質的現象（自然）との境界をなくして、
一体化していく姿のように見えてくるのです。
このひたすら同心円を重ねていっただけの絵画が、
曼荼羅のように、あるいは宇宙の形そのもののように感じられてくるのは、
有情・無情の境を取り払った精神の世界が表わされているからであると私は思っています。


井上まさじのサイト
「かたちの会コレクション」も見てください。


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岸野 承の木彫��

2012-01-21 21:25:28 / 岸野　承の木彫


この木彫は、昨年の11月6日の記事で紹介した岸野承さんの作品です。
「雲水」というタイトルで、素材は樫の枝、高さは約40cmほどあります。
12月の「アートでおもてなし展」の期間中、ずうーっと見続けてきましたが、
見れば見るほどどんどん作品の世界に惹き込まれていく不思議な魅力のある木彫です。




ある一人の年配の女性の方がこの「雲水」に見入ってました。
近づいて声をかけると、この雲水さんはお顔もいいし、
全体のお姿にも尊い感じがありますと感想を述べられました。
それから裏の方を覗き込んで「裏側もいいですね」と言うので、
裏側を正面にして私も改めて拝見したところ、確かに裏もいいんです。
私は特に背中から足元にかけての削りの面の起伏、その流れと
面と面が出会って生じる「線」の流れとに、見入らされてしまうものを感じました。




仏像彫刻をめぐって岸野さんとメールのやりとりをしたことがあります。
大略、二つのポイントがあって、
ひとつは素材と向き合って仏の「お顔」の量を絶対的に決定するということ、
もうひとつは、形態を面で囲んでいくというような方法です。
「お顔」の量を絶対的に決定するということについては、
中国の六朝時代（4世紀〜6世紀）石仏や朝鮮半島の石仏、
日本の飛鳥時代の仏像などを例に挙げて話しました。

形態を面で囲んでいくという方法については11月6日の記事でも少し触れましたが、
その意味するところを更に掘り下げて考えてみたいと思います。
「形態を面で捉える」ということならば、西洋の彫刻の方法でも、
全体を大づかみする方法として大きく面取りしていくやり方がオーソドックスです。
岸野さんの方法はそれとは異なるもので、比ゆ的に言えば、
「素材の中から面を見出していく」というような感じです。
そしてひとつの面を見出したあと次にどう展開するかについては、
「そのイメージが出てくるまで待つ」というような言い方をします。
つまり即興的とも言えますし、素材との対話を続けていくというふうにも言えます。
そういうプロセスを通して、作者はどこに至ろうとしているかということが問題なわけですね。

山を遠望するとその山の形があるように見えます。山の形は輪郭線で表わされます。
しかし山に近づき、山の中に入っていくと、その形や輪郭線は消えてなくなります。
そこで改めて「山の形」とは何なのかという問いが発生します。
山の中に入ると山の形は面の連なりとしてのみあり、その面の連なりを体験することが、
体験した人の「山の形」となる、と考えるのはいかがでしょうか。


岸野さんの作品は〈「かたちの会」コレクション〉のサイトでも展示中。


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この1年の反省

2011-12-29 21:12:52 / モノ・こと・ことば
かたち21のHP


前世紀末のバブル経済の崩壊以降今日に至るまで、工芸の世界も停滞していました。
また全体の趨勢としては工芸（手仕事）は衰退の傾向にあると私は思っています。
衰退現象がどういうふうに現れているかというと、
メディア受けを狙った制作、アマチュア化、
「わざ」の未熟などによる真贋の区別の不可能化、
そしてデフレ現象（安直に作られた安い価格のものを買おうとする）があります。
そういう中で「工芸」をどう語っていく（モノ・語り）のかということを考えていて、
今年はほとんどどん詰まり状態にあったと反省しています。

ところが、先日開催した「アートでおもてなし展」に出品されてきたものを見て、
自分の中で危うく見失いかけていたものが改めて見出されたような気がしました。
それは、中野みどり（染織）、植草達郎（陶芸）、角好司（漆芸）、岸野承（木彫）
といった作家たちの仕事ぶりを再認識することを通して得られました。

この人たちに共通する仕事の特徴は何かというと、
メディア受けを狙っていない（その意味で“無名”の状態にあるといえます）、
アマチュアでなく、プロとして誰も追随できない世界を持っている、
うたかたの世の底でひっそりとしかし確実に「わざ」を磨き上げていこうとしている、
といったことです。
この人たちは、工芸の衰退期にあっても、
「本当のものを作りたい」という願望に真っ直ぐに向き合って、
黙々と仕事を続けてきたのですね。
結局、もし工芸（手仕事）の再生ということがありうるとすれば、
そういった「本当のものを作りたい」という志を
継続していくという行為以外にはないということです。

それで私も我に返ったことは、私のような立場の者は
メディアの動向とかにも一応目配りしたりして、
それでなんとなく浮き足立ったり、方向を見失ったりするのだけれど、
そういうことはこの際きっぱりと止めて、
「本当のものを作りたい」という願望に真っ直ぐ向き合っている人たちの仕事だけを
見つめていくようにしていこうということでした。

この年の瀬に、「かたちの会」会誌の次号の制作に取り組み中です。
明年1月末に発行を予定しています。
「アートでおもてなし展」出品作を中心に、上記の心構えで、
「いい仕事」を紹介していく、といった内容のものにしていきたいと考えています。
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「さろん」のお知らせ――「アートでおもてなし」展��

2011-11-27 16:45:54 / 展覧会。イベント


「アートでおもてなし」展の会期中の5日には「さろん」を設けます。
今回の趣向は「アートの愉しみ方講座」ということで、
私流の美術鑑賞の手引きのようなことをメインとし、
「取り合せの美」のことなどお話します。

思いついたのは名倉亜矢子さんの「ドレミから始めよう」を受講していたときです。
小学校で習ったようなことをもう一度おさらいしながら歌唱の訓練を受けるのですが、
基礎から学ぶということは、音楽の本質ということを改めて考える契機ともなります。
そこで、美術鑑賞の在り方ということについても、
その初歩から私なりに語ることを試みてみようと思ったわけです。

したがって初心の方にも受容できるような内容のものになるよう努めていくつもりです。
しかし果たして上手くいくかどうか、聞いてのお楽しみというところでしょうか。
美術・工芸の世界にかかわって30年以上が経ちますが、
昔も今も一貫して変わらないのは、「美術はわからん」と
頭から敬遠してしまう人たちが少なからずいるということです。
そういう人たちの中から一人でも美術鑑賞に目覚めてもらえることを願って、
これまでたくさんの関係者が「美術はムズカシクナイ」という趣旨の本を書いてきましたが、
「美術はわからん」という人はいっこうに減っていく様子がありません。
とはいえ、それらの入門書的な本を読んでみると、
やはりそれなりにムズカシクなっていったり、独善的であったりするものが多いようです。

私自身の話もそうなるかもしれないというリスクがありますが、
そういったスリルを味わうのもひとつの楽しみと心得ております。
美術鑑賞のいろはから始めて、最後には現代美術の先端部分とか日本美術の本質とかにも
触れるような構成を考えています。
平日の昼間の開催です。お時間が許される方のご参会をお待ちしています。


「さろん」は茶菓子付きで、参加希望の方は予約を入れてください。
参加費1,000円です。その他詳細はこちらをご覧ください。



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着物と帯の取り合せについて――「アートでおもてなし」展��

2011-11-19 17:09:23 / 展覧会。イベント


「アートでおもてなし」展のテーマは「取り合せは日本文化のエッセンス」ということですが、
展示構成は「床の間奪回」と「着物と帯」「器の彩り」の３本立てで構成するということを
「萩の植草達郎さんの陶芸」の記事でお知らせしました。
今回は「着物と帯」の部門についてご案内します。

紬織りの中野みどりさんの着物に、仁平幸春さん（東京友禅系）と
駒田佐久子さん（型染）の新作帯、それから創作帯のお店の「花邑（銀座店、目白店）」
からも古布によるオリジナルの帯を出品していただきます。
いわば現代作家ものとクラシックの競合ですね。

最近よく見かけるのは、同系色のものでモノトーンにまとめた洋服感覚の取り合せですが、
中野さんの考え方のベースは、異なった世界を組み合わせながら
全体として一つのハーモニーを醸し出していくという取り合わせ方です。
モノトーンにまとめられるフラットな着方ではなく、立体的に構成される着方といえるでしょうか。


　
中野さんの着物に、古布による創作帯(花邑銀座店)の取り合せ


中野さんの着物に、仁平さんの染め帯の取り合せ
こうしてみると、着物の美は人体を包む形をとることで一層美しく見えることがわかります。


異なった世界を取り合せることで発生してくるもうひとつの美の現われ方もあるのです。
そしてそこに「日本の美」の本質があるのではと、私は思うわけです。
また、現代の日本文化の中に着物を復活させるひとつの筋道がここにあるのでは、とも思います。

中野さんの「着物の取り合せの考え方については、ブログの「講義の記録から」をお読みください。
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角好司さんの漆芸――「アートでおもてなし」展から��

2011-11-13 17:34:40 / 湯のみ


漆芸家の角好司さんからは、撮影用に香合が３点届きました。
掌の中にすっぽりと収まるほどの大きさで、重さがほとんど感じられないぐらいに軽量です。
だけど宝石を入れておきたくなるような高貴な雰囲気があって、
小さいけれども存在感のある漆の蓋物です。
全体に黒漆の色と艶が印象的ですが、一部に蒔絵がほどこされていて、
控えめではあるのですが、それがかえってお洒落感を盛り上げています。


　香合　高さ約５cm


香合「初雪」　乾漆巾約７cm



角さんは石川県輪島市の人です。お兄さんに角偉三郎さんという人がいて、
1990年代〜今世紀初頭に一世を風靡した人です（2005年に惜しくも亡くなられました）。
好司さんは偉三郎さんの華々しい活躍の陰であまり表立ちませんでしたが、
若いときはアヴァンギャルドな、冒険的な制作をさりげなく発表したりして、
しかもセンスがよかった。いま思うと、やはりお洒落な感覚というのがあったんですね。


でも本領は蒔絵の仕事です。蒔絵というと伝統工芸の象徴みたいなところがあって、
多くの蒔絵師は伝統的な意匠や絵付けに引っぱられる傾向があります。
しかし好司さんはちゃんと自分の絵を描いて、蒔絵という高度に工芸的な仕事に
自分の呼吸を吹き込んでいます。「絵が生きている」そういう蒔絵です。


　角さん作の蒔絵の飾り箱

　同上（部分　上面と側面）


好司さんが制作している蒔絵の仕事は、もっと世の人に知られて
尊重されるべきであると私は思っています。
しかし好司さんは性格的に非常に控えめな人で、もう還暦を過ぎているのですが、
エラそうに自分の仕事を吹聴したり、自慢したりをぜんぜんしないんです。
なのでみなさん気がつかないでいますが、本当はお洒落センスもあるし、
仕事はきちんとしているで、クォリティの高さを維持している数少ない工芸家です。

角好司にもっと注目しなければいけないと思います。



展覧会のご案内は「かたち21」のサイトで。

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岸野　承さんの木彫り仏像――「アートでおもてなし」展から��

2011-11-06 18:04:16 / 岸野　承の木彫


岸野承さんについては当ブログの6月10日の記事「床の間奪回」で紹介してる人です。
三月の大震災直後に東京で木彫りの仏像による個展を開いてますが、
現在も仏像にいれ込んでいるようで、2点ほど送られてきましたが、
若手ということもあるのでしょうか、この半年で作境を一歩進めたという印象を受けます。


　　　
木端仏


木端仏というのは、路傍にうち捨てられているような何の変哲もない棒っきれから、
仏様を彫り出した作品です。棒っきれの無価値で儚い感じを残しながら、
仏様の尊い雰囲気が漂っていて、何かジーンと感じさせられるものがあります。
仏教の信者でもないのに、仏様の有難味というものが伝わってくるのはなぜなんだろうかと、
そんなことを考えさせられてしまうような仏像です。


もうひとつの特徴は、木を削った跡の面が妙に目に焼きつくような印象があります。
彫っているというよりも削っているという感じで、その削り跡の面が印象的なのです。
そういう感想を岸野さんに伝えたところ、「形を面で構成している」というふうなことを言ってました。
これはかなり重要なことです。


西洋の伝統的な彫刻の方法は、大きくモデリング（足す）やり方と
カーヴィング（彫る）の二つの方法があると言われますが、
面を組み立てていくという考え方はそのどちらでもなく、
日本の古い木彫の方法だということです。



雲水



岸野さんは面をどう展開していくかという考え方で木を彫っていくということです。
一つの面を削ったあと、次にどう展開するかは、イメージが出てくるまで待つのだそうです。
こういう方法は、非常に興味深いものがあると私は思います。
信者でもない人間にも岸野さんが彫る仏像が尊く感じられるのはなぜか
という問題とも関係していると思います。
今のところまだ言葉にすることができませんが、新しい彫刻のビジョンが秘められているように感じています。


こんなのもあります。


亀（銅板を打ち出した小品）

展覧会のご案内は「かたち21」のサイトで。



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萩の植草達郎さんの陶芸――「アートでおもてなし」展から��

2011-10-29 17:32:02 / 展覧会。イベント


可喜庵（町田市）での恒例の展覧会を12月に開催します。
タイトルは「アートでおもてなし」、サブタイトルは「取り合わせは日本文化のエッセンス」として、
「床の間奪回」と「着物と帯」「器の彩り」の３本立てで構成します。
出品者のほとんどは、このブログで紹介してきた人たちですが、
一般的にはまだあまり知られていない作家が多いんです。

DM制作のために出品作家から撮影用の作品を送ってもらいました。
みなさんよい仕事を見せてくれています。
これからは「いい仕事」を厳選して、観に来られる方と一緒に愉しめるような
展覧会を企画していきたいと、改めてそういう気持ちにさせられるような仕事です。
これから開催直前までの間、ひとりずつまた紹介していきましょう。

今日は、植草達郎という陶芸家です。陶房のある山口県萩市周辺ではいざしらず、
全国的には――まだ発表の機会をほとんど持っていないので――あまり知られていない人です。
数年前に森野清和さん（当ブログでは飯茶碗や湯のみを紹介しています）を取材したときに
植草さんの陶房も取材させてもらって面識を得ました。
森野さんも植草さんも萩焼の代表的な陶芸家である
三輪休雪（龍作）さんのアシスタントをしていた人ですが、
やきものに取り組む姿勢に真摯さを感じさせるところが共通しています。

植草さんの特徴は、野球で言えば「走・攻・守」にあたる
「土・焼き・細工」の三拍子が揃ってレベルの高い創作を維持している点だと思います。
まず細工で言えば、そもそもが細工が得意というところから陶芸の世界に入っていった人で、
取材のときに見せてもらった鯉の細工が実に見事でした。
いわゆる伝統的な細工物に見るような緻密さと、
なにか妙にリアルに感じさせる写実性とが融合していて、
非常に見応えのある「伝統彫刻」であったという記憶があります。
細工物は、今、アートの世界でも流行しているように見受けられますが、
陶芸の世界でも細工物の世界が再認識されていくことを私は希望しています。



三島手香炉　高さ約15cm



焼きは登り窯による薪を燃料にした焼成です。
といっても薪窯焼成ということに依りかかることなく、やきものらしい土の色とマチエールを求めて、
焼成法を研究・探求している様子が伺えます。
ただ「いい味だね」というのではなく、しっかりと土を焼きこんで、
格調の高い陶芸の世界を創り出しつつあります。

土へのこだわりとか見識もいっぱしのものがあります。
薪窯焼成を生かすためにも、土の吟味は欠かせません。
その意味でも植草さんのやきものは、古い萩の土味を髣髴とさせるところがあり、
匂い立つような品格を漂わせたものもあるのです。

今回の展覧会では「床の間奪回」コーナーへの出品をお願いしたので、
香炉、花器、そしてできれば細工物も見ていただけるといいなと思っています。
それから「器の彩り」コーナーへは、ぐい呑みの５点セットを出してもらえることになりました。
このぐい呑み５点もなかなかの出来です。
是非ご覧いただきたいものだと思います。


ぐい呑みセット


展覧会のご案内は「かたち21」のサイトで。
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実践知塾「楽譜を読んで、歌を歌う――ドレミからはじめよう」を開講

2011-09-25 12:22:44 / 展覧会。イベント
突然ですが、「楽譜を読んで、歌を歌う」という実践知講座を、この10月より開きます。
実践知講座というのは、「かたち21」でときたま開く講座で、久しぶりの開講です。
名倉亜矢子さんを講師に迎えて、楽譜の読み方や発声法の指導を受け、
もちろん最終回にはみんなで１曲ハモれるところまでいくのが目標です。
（10月~12月の木曜日で全７回、会場は町田市能ヶ谷町のいこい会館　
詳細は「かたち21」のＨＰで）

名倉さんのことはこのブログを立ち上げた最初のころに一度紹介しています(こちら)。
ルネッサンスやバロックのあたりを専門とするソプラノ歌手ですが、
小柄な体躯で、透明感のある声で包み込むような歌い方をされます。

名倉さんの発声法は、私が思うところでは、「気の流れ」というのを活用しているようです。
通常のオペラ歌手のように大きな身体を共鳴させるやり方ではなく、
イメージで言えば「気を遠くへ飛ばす」ような発声法で、
周囲の空間自体を響かせているように聴こえるためか、
威圧感がなく、ナチュラルにリラックスした状態に誘い込まれていきます。

歌うときもおそらくリラックスした状態になると思います。
「楽譜の読み方」プラス、「気の流れ」に身を委ねるような歌唱法というのを
学んでみようというのがこの講座の狙いです。

どなたも参加できます。
お申込みは「かたち21」のＨＰからどうぞ。


《関連サイト》
●名倉亜矢子さんのブログ
●かたち21企画で開催したコンサートの動画「NAKURA AYAKO sings at KAKIAN」（不肖私が撮影・編集しています。インスタントデジカメ内臓のビデオ、録音なので、
画質、音質ともにあまりよくないですが）
●染織家中野みどりさんのブログ（名倉さんの講座を受講したことがある）



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「たかが一服のお茶」と言うなかれ

2011-08-26 17:52:42 / 湯のみ
かたち21のＨＰ





昨年ご飯茶碗を作ってもらった森野清和さんに、
今年は湯のみ茶碗を作ってもらいました。
今回もなぜ森野さんに頼んだかというと、
何年か前に下関市の彼の工房を訪ねたときに、
彼が使っていた湯のみ茶碗がとても気に入って、
無理を言って譲ってもらったのですが、
以来現在に至るまで、他の湯のみにいっさい浮気することなく、
その湯のみを愛用し続けてきたということがあります。

森野さんの湯のみをそんなにまで気に入った理由はいくつかありますが、
そのひとつに、お茶の温度が湯のみを持つ手に
ほどよく伝わってくるということがあります。
その「ほどよい温かさ」の感覚がお茶の味わいも高めてくれますし、
湯のみを持つ手の感触も心地いいのです。

このごろの湯のみは熱いお茶を淹れるとすぐに熱くなって、しばらくは手に持てません。
口縁のあたりを親指と人差し指でつまむというような、みっともない所作を強いられます。
これではお茶の味もへったくれもありませんが、
現代の日本人は案外そういったことに無感覚なようで、文句をいう人が少なくなりました。

お茶の熱さがストレートに伝わってくるような湯のみは
ちょっと問題ありとしたいところです。
なぜなら、それでは「日本茶を愉しむ」という文化が
壊れてしまうからです（オオゲサではないですよ）。
しかし、ほとんどの陶器製の湯のみが熱伝導率が高くて、すぐに熱くなってしまいます。
そのことを意に介さない人たちの神経の粗雑さは、
原発がなければ生活が豊かにならないと考える人たちの
感性の粗雑さと基盤を同じくしていると思います。

湯のみがすぐに熱くなるのは素材の粘土を充分に吟味していないからで、
それではプロの陶芸家と言えません。
森野さんは自分で採取してきた粘土を、原土のまま、
あるいは水簸したりブレンドしたりして使っています。
湯のみを作る場合には、熱伝導率の低い粘土を吟味しているにちがいありません。
つまり陶芸家としての仕事をきちんとしているということですね
これが森野さんに湯のみ茶碗を作ってもらった理由です。

「おいしくお茶を飲む」文化を創れるかどうかということは、
これからの日本の「豊かさ」の在り様にかかわっていると私は考えています。


森野清和さんの湯のみはこちらでご覧になれます。
（左側の「湯のみ」をクリックしてください。）

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