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Prita Diary 22032024

2024-03-22 00:21:08 | 日記

映画撮影パート 6
イメージセンサーとフィルムストック
映画撮影は、デジタル イメージ センサーまたはフィルム ロールから始めることができます。 フィルム乳剤と粒子構造の進歩により、利用可能なフィルムストックの範囲が広がりました。 フィルム素材の選択は、一般的な映画制作の準備において最初に行われる決定の 1 つです。

 

8 mm (アマチュア)、16 mm (セミプロ)、35 mm (プロ)、65 mm (特別なイベント会場を除いてめったに使用されない壮大な写真) というフィルム ゲージの選択とは別に、撮影監督はフィルム ゲージの選択を行っています。 リバーサル(現像するとポジ画像が作成される)とネガフォーマット、および ISO 50(低速、光に対する感度が最も低い)から 800(非常に高速、光に対する感度が非常に高い)までの幅広いフィルム感度(光に対する感度の変化) )、色(低彩度、高彩度)とコントラスト(純粋な黒(露出なし)と純粋な白(完全な露出オーバー)の間のさまざまなレベルに対する反応の違い。フィルムのほぼすべてのゲージの進歩と調整により、「スーパー」フォーマットが作成されます。 フィルムの物理的なゲージは同じままですが、画像の 1 フレームをキャプチャするために使用されるフィルムの領域が拡大されています。スーパー 8 mm、スーパー 16 mm、およびスーパー 35 mm はすべて、画像のためにフィルム全体の領域をより多く使用します。 「通常の」スーパーではないものよりも。 フィルムゲージが大きいほど、全体的な画像解像度の明瞭さと技術的品質が高くなります。 フィルムラボがフィルムストックを処理するために使用する技術によっても、生成される画像にかなりのばらつきが生じる可能性があります。 温度を制御し、フィルムを現像薬品に浸す時間を変更し、特定の化学プロセスをスキップする(またはすべてのプロセスを部分的にスキップする)ことによって、撮影監督は研究室にある 1 つのフィルム ストックとは大きく異なる外観を実現できます。 使用できるテクニックには、プッシュ処理、ブリーチ バイパス、クロス処理などがあります。

 

現代の映画のほとんどはデジタル シネマトグラフィーを使用しており、フィルム ストックはありませんが、カメラ自体は、特定のフィルム ストックの能力をはるかに超える方法で調整できます。 さまざまな程度の色感度、画像コントラスト、光感度などを提供できます。 1 台のカメラで、さまざまな乳剤のさまざまな外観をすべて実現できます。 ISO やコントラストなどのデジタル画像調整は、実際のフィルムが使用されている場合に行われるのと同じ調整を推定することによって実行されるため、さまざまなフィルムストックや画像調整パラメータに対するカメラのセンサー設計者の認識の影響を受けやすくなります。

 

フィルター
拡散フィルターやカラー効果フィルターなどのフィルターも、雰囲気や劇的な効果を高めるために広く使用されています。 ほとんどの写真フィルターは、2 枚の光学ガラスを貼り合わせて構成されており、ガラスの間に何らかの画像または光操作材料が含まれています。 カラー フィルターの場合、多くの場合、半透明のカラー媒体が 2 つの光学ガラス平面の間に挟まれています。 カラー フィルターは、特定の色の波長の光がフィルムに到達するのを遮断することで機能します。 カラーフィルムの場合、これは非常に直感的に機能し、青いフィルターが赤、オレンジ、黄色の光の通過を遮断し、フィルム上に青みを生み出します。 白黒写真では、カラー フィルターは直感に反して使用されます。 たとえば、光の青色の波長をカットする黄色のフィルターを使用すると、ほとんどの人間の肌の色調を偏らせることなく、日光の空を暗くすることができます(フィルムに当たる青色光を排除し、ほとんどの青空を大幅に露出不足にすることによって)。 フィルターは、レンズの前で使用することも、場合によってはレンズの後ろで使用して、さまざまな効果を得ることができます。

 

クリストファー・ドイルなどの特定の映画監督は、フィルターの革新的な使用法でよく知られています。 ドイルは映画におけるフィルターの使用を増やした先駆者であり、映画界全体で高く評価されています。

 

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Prita Diary 21032024

2024-03-21 16:13:17 | 日記

映画撮影パート 5
映画に影響を与える映画の側面
ショット内の雰囲気、感情、物語、その他の要素を伝えるために、映画撮影はフィルム内のさまざまな側面を使用して実装されます。 シーンの照明は、シーンや映画の雰囲気に影響を与えることがあります。 自然光が少ない暗いショットは、暗く、怖く、悲しく、強烈なものになる可能性があります。 照明が明るいと、より幸せで、刺激的で、よりポジティブな気分になります。 カメラの角度は、視点を設定することによってシーンに影響を与えることができます。 登場人物や観客が何かをどのように、どのような角度から見ているかを伝えます。 カメラアングルも、クローズアップの詳細や背景設定を強調することで重要な役割を果たします。 クローズアップの角度では人物の顔の細部を強調できますが、より広いレンズではショットの背景で起こっている重要な情報を得ることができます。 カメラの距離によって、フィルム撮影にとって重要な特定の詳細が強調表示されることがあります。 非常に遠くから見ると、人々のグループはすべて同じに見えますが、非常に近くにズームインすると、顔の表情やボディーランゲージなどの詳細を通じて、集団内の違いがわかるようになります。 カラーリングは、ショット全体の雰囲気や感情を設定する上で重要な役割を果たすという点で、照明に似ています。 緑のような色は、自然の風景を通してバランスと平和を伝えることができます。 赤を多用したショットは、怒り、激しさ、情熱、愛を表現できます。 これらの感情の中には、色を見ているときに意図的に出てこないものもありますが、映画撮影における色が大きな影響を与える可能性があることは潜在意識の事実です。 スピードは映画撮影において重要な要素であり、アクションの作成や動きの感覚など、さまざまな方法で使用できます。 スピードはさらに、時間を遅らせたり、重要な瞬間を強調したり、映画にサスペンス感を醸し出すためにも利用できます。 スローモーションは、より高いフレームレートで撮影し、その映像を通常の速度で再度再生するテクニックです。 これにより、映画にスロー効果が生まれ、シーンを強調したり、シーンに流動性を加えたりすることができます。 一方、ファスト モーションはスロー モーションの逆で、低いフレーム レートで撮影し、通常の速度でフィルムを再生します。 これにより、時間の経過を強調したり、緊迫感を生み出したりするスピードアップ効果が生まれます。 タイムラプスとは、長期間にわたって一定の間隔で一連の静止写真を撮影することです。 ここから連続して再生すると倍速効果が現れます。 タイムラプスは、日の出、自然な動き、成長などを示すのに最も効果的に使用されます。 これらは通常、時間の経過を短いシーケンスで示すために使用されます。 リバースモーションとは、通常通りにシーンを撮影し、その後フィルムを逆再生することです。 これは通常、珍しい/超現実的な効果を作成したり、珍しいシーンを作成したりするために使用されます。 スピードに関するさまざまなテクニックはすべて、映画に激しさや雰囲気を加え、時間の経過を示したり、その他多くの効果をもたらします。 フィルム内のカメラの動きは、フィルムの視覚的な品質とインパクトを高める役割を果たします。 これに寄与するカメラの動きのいくつかの側面は次のとおりです。

 

ズーム: この動きには、レンズの焦点距離を変更して被写体を近づけたり、遠くに見せたりすることが含まれます。 被写体との親近感や距離感を演出するのに使えます。
チルト: カメラを固定位置から垂直に回転させます。 被写体の高さを示したり、シーン内の特定の要素を強調したりするために使用できます。
パン: カメラを固定位置から水平に回転させます。 動く被写体を追いかけたり、シーンの広い視野を表示したりするのに使用できます。
ペデスタル/ブーミング/ジビング: カメラ全体を垂直方向に移動します。 これは、フレーム内の被写体に対する垂直方向の動きを示すために使用できます。
トラック輸送: カメラ全体を水平に移動します。 これは、フレーム内の被写体に対する水平方向の動きを示すために使用できます。
ローリング:カメラ全体を水平方向に回転させること。

 

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Prita Diary 18032024

2024-03-19 07:46:31 | 日記

映画撮影パート 4
側面
次のような多くの側面が映画撮影の芸術に貢献しています。
映画のテクニック
最初のフィルムカメラは、当時のスチルカメラの三脚雲台と同様に、最も粗末な水平調整装置のみを備え、三脚またはその他の支持体の雲台に直接固定されていました。 このように、初期のフィルム カメラは撮影中に事実上固定されていたため、最初のカメラの動きは移動する車両にカメラを取り付けた結果でした。 最初に知られているのは、1896 年にエルサレムを発車した列車の後部ホームからリュミエールのカメラマンが撮影したフィルムで、1898 年までに走行中の列車から撮影されたフィルムが数多く存在しました。 当時の販売カタログでは「パノラマ」という一般的な見出しの下に掲載されていましたが、鉄道エンジンの前から直接撮影されたこれらのフィルムは通常、特に「ファントム ライド」と呼ばれていました。

 

1897 年、ロバート W. ポールは、ビクトリア女王のダイヤモンド ジュビリーの行列を途切れることなく 1 枚のショットで追跡できるように、三脚に取り付けるための最初の本物の回転カメラ ヘッドを製作しました。 この装置は垂直軸にカメラが取り付けられており、クランクハンドルを回すことで駆動するウォームギアで回転させることができ、ポールは翌年に一般販売を開始した。 このような「パン」ヘッドを使用して撮影されたショットは、映画の最初の 10 年間の映画カタログでは「パノラマ」とも呼ばれていました。 これは最終的にパノラマ写真の作成にもつながりました。

 

初期の映画スタジオの標準的なパターンは、ジョルジュ メリエスが 1897 年に建てたスタジオによって提供されました。これには、スチール写真用の大きなスタジオをモデルにして建設されたガラスの屋根と 3 つのガラスの壁があり、薄い綿の布が取り付けられていました。 晴れた日の直射日光を拡散するために屋根の下に張られます。 この配置によって生み出された実際の影のない柔らかい全体的な光は、薄曇りの日にも自然に存在し、その後 10 年間、映画スタジオにおける映画照明の基礎となりました。

 

白黒映画撮影は、画像が撮影され、色のないグレーの階調で表示される映画製作で使用される技術です。 この芸術的アプローチには豊かな歴史があり、映画の進化を通じてさまざまな映画で採用されてきました。 これは、映画制作者がコントラスト、テクスチャー、照明を強調し、視覚的なストーリーテリング体験を強化できる強力なツールです。 白黒映画撮影の使用は、カラーフィルムがまだ利用できなかった映画の初期に遡ります。 映画製作者はこの技術を利用して、視覚的に印象的で雰囲気のある映画を作成しました。 カラーフィルム技術の出現にもかかわらず、白黒映画撮影は芸術的および主題的な目的で利用され続けました。 Ken Dancyger の著書『映画とビデオ編集の技術: 歴史、理論、実践』は、白黒映画撮影の歴史的および理論的側面についての貴重な洞察を提供します。 ダンサイガーは、この手法が映画の歴史の中でどのように使われてきたかを探り、ストーリーテリング、雰囲気、視覚的な美学への影響を検証します。 この本では、魅力的な白黒画像の作成に関わる芸術的な選択と技術的な考慮事項を詳しく掘り下げ、その技術についての包括的な理解を提供します。

 

白黒映画撮影により、映画制作者は光と影の相互作用に集中し、シーン内のさまざまな要素間のコントラストを強調することができます。 このテクニックは、ノスタルジックな感覚を呼び起こしたり、特定の時代を思い出させたり、時代を超越したクラシックな雰囲気を作り出したりすることができます。 色を取り除くことで、映画製作者はフレーム内の構成、形状、テクスチャを強調し、視覚的なインパクトを高めることができます。 白黒映画撮影を採用した注目すべき映画には、「カサブランカ」 (1942 年)、「レイジング ブル」 (1980 年)、「シンドラーのリスト」 (1993 年) などの古典があり、これらの映画は、白黒映画撮影の力と多用途性を示しています。 白黒映画撮影は、現代の映画制作に関連し、広く使用されている技術であり、特定の雰囲気を呼び起こし、時代を超越した感覚を伝え、ストーリーの芸術的表現を高めるために映画制作者によって使用され続けています。

 

映画撮影には多くの種類があり、それぞれ制作目的やプロセスに応じて異なります。 これらのさまざまなタイプの映画撮影は、特定の感情、気分、感覚を伝えるという目的を持っているという点で似ています。 ただし、それぞれのスタイルが異なると、異なる感情や目的を伝えることができます。 さまざまな種類の映画撮影の例として、リアリズムとして知られるものがあります。 このスタイルの映画撮影は、自然光、手持ちカメラ、ドキュメンタリーのような撮影アプローチをよく使用して、現実的な世界の描写を作成することを目的としています。 クラシック ハリウッドは、魅力的なセット、明るい照明、ロマンチックな物語を備えた、高度に洗練されたスタジオ制作の映画を使用することを特徴とする映画撮影のスタイルです。 フィルム ノワールは、はっきりとしたコントラストと明暗法的な照明、控えめな照明、暗く陰気な雰囲気を使用することを特徴とする映画撮影のスタイルです。 犯罪、ミステリー、道徳的に曖昧な登場人物が登場することが多いです。

 

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Prita Diary 16032024

2024-03-17 03:32:01 | 日記

映画撮影パート 3

映画の出現後、自然色の写真の制作に多大なエネルギーが投資されました。 トーキングピクチャーの発明により、カラー写真の使用の需要がさらに高まりました。 しかし、当時の他の技術の進歩と比較すると、カラー写真の登場は比較的遅いプロセスでした。

 

初期の映画はモノクロで撮影され、その後手彩色または機械彩色されたため、実際にはカラー映画ではありませんでした(このような映画はカラーではなくカラーと呼ばれます)。 そのような最も初期の例は、1895 年にエジソン マニュファクチャリング カンパニーによって手染めされたアナベル サーペンタイン ダンスです。 その後、機械ベースの着色が普及しました。 着色は、1910 年代に自然カラー映画撮影が登場するまで続けられました。 最近、多くの白黒映画がデジタル着色を使用してカラー化されています。 これには、世界大戦、スポーツ イベント、政治プロパガンダの両方で撮影された映像が含まれます。

 

1902 年、エドワード レイモンド ターナーは、カラー化技術を使用するのではなく、自然なカラー処理を使用して最初の映画を制作しました。 1909 年にキネマカラーが初めて一般公開されました。

 

1917 年に、テクニカラーの最初のバージョンが導入されました。 コダクロームは 1935 年に導入されました。イーストマンカラーは 1950 年に導入され、その後 20 世紀のカラー標準となりました。

 

2010 年代には、カラー フィルムはカラー デジタル シネマトグラフィーに大きく取って代わられました。

 

デジタルビデオ
デジタル映画撮影では、映画はフラッシュ ストレージなどのデジタル メディアで撮影されるだけでなく、ハード ドライブなどのデジタル メディアを通じて配信されます。

 

デジタル カメラの基礎は金属酸化膜半導体 (MOS) イメージ センサーです。 最初の実用的な半導体イメージ センサーは、MOS キャパシタ技術に基づいた電荷結合素子 (CCD) でした。 1970 年代後半から 1980 年代前半にかけて CCD センサーが商業化された後、エンターテインメント業界は、その後 20 年間にわたってデジタル イメージングおよびデジタル ビデオへゆっくりと移行し始めました。 CCD に続いて、1990 年代に開発された CMOS アクティブ ピクセル センサー (CMOS センサー) が登場しました。

 

1980 年代後半から、ソニーはアナログ Sony HDVS プロフェッショナル ビデオ カメラを利用して、「電子シネマトグラフィー」のコンセプトをマーケティングし始めました。 この努力はほとんど成功しませんでした。 しかし、これが最も初期のデジタル撮影された長編映画の 1 つである『ジュリアとジュリア』 (1987 年) につながりました。 1998 年に、CCD テクノロジーに基づく HDCAM レコーダーと 1920 × 1080 ピクセルのデジタル業務用ビデオ カメラが登場すると、このアイデアは現在「デジタル シネマトグラフィー」とブランド名を変更され、注目を集め始めました。

 

1998 年に撮影、公開された『The Last Broadcast』は、すべて消費者レベルのデジタル機器で撮影、編集された初の長編ビデオであると一部の人は信じています。 1999 年 5 月、ジョージ ルーカスは、『スター・ウォーズ エピソード I – ファントム・メナス』に高精細デジタル カメラで撮影した映像を組み込むことで、映画制作媒体であるフィルムの優位性に初めて挑戦しました。 2013 年後半、パラマウントは、35mm フィルムを完全に廃止し、デジタル形式で映画を劇場に配給した最初の大手スタジオとなりました。 それ以来、35mm ではなくデジタル フォーマットで映画を開発する需要が大幅に増加しました。

 

デジタル テクノロジーが向上するにつれて、映画スタジオはデジタル映画撮影にますます移行し始めました。 2010 年代以降、デジタル シネマトグラフィーはフィルム映画撮影法に大きく取って代わり、映画撮影法の主流の形式になりました。

 

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Prita Diary 14032024

2024-03-15 03:25:20 | 日記

映画撮影パート 2
映画
実験映画『ラウンデイ・ガーデン・シーン』は、1888 年 10 月 14 日にイギリス、リーズのラウンデイでルイ・ル・プランスによって撮影された、現存する最古の映画です。 この映画は紙フィルムで撮影されました。

 

実験用フィルムカメラは英国の発明家ウィリアム・フリーゼ・グリーンによって開発され、1889 年に特許を取得しました。W.K.L. ディクソンは、トーマス・アルバ・エジソンの指導の下で働き、成功した装置であるキネトグラフを最初に設計し、1891 年に特許を取得しました。このカメラはシリーズを取得しました。 幅 35 mm の透明なセルロイド ストリップ上にコーティングされた標準的な Eastman Kodak 写真乳剤上の瞬間写真。 この研究の結果は、同じくディクソンによって設計された観察装置であるキネトスコープを使用して、1893 年に初めて公開されました。 大きな箱の中に収められており、のぞき穴から中を覗くと一度に1人だけが映画を見ることができた。

 

翌年、チャールズ・フランシス・ジェンキンスと彼の映写機ファントスコープは観客による鑑賞に成功し、ルイとオーギュスト・リュミエールは1895年12月にパリでフィルムを撮影し、印刷し、映写する装置であるシネマトグラフを完成させた。リュミエール兄弟は 複数の人々からなる有料の聴衆に、映写された動く写真を初めて提示した人たちです。

 

1896 年に、フランス (パリ、リヨン、ボルドー、ニース、マルセイユ) で映画館がオープンしました。 イタリア (ローマ、ミラノ、ナポリ、ジェノヴァ、ヴェネツィア、ボローニャ、フォルリ); ブリュッセル; そしてロンドン。 媒体における時系列的な改善点を簡潔にリストすることができます。 1896 年、エジソンは、米国で最初に商業的に成功した映写機である改良型バイタスコープ映写機を披露しました。クーパー ヒューイットは、1905 年に太陽光のない屋内で映画を撮影することを実用化した水銀ランプを発明しました。最初のアニメーション漫画は 1906 年に制作されました。 1911 年に映画が始まりました。1915 年に発明されたベル アンド ハウエル 2709 映画カメラにより、監督は物理的にカメラを動かすことなくクローズアップを撮影できるようになりました。 1920 年代後半までに、制作された映画のほとんどはサウンド映画でした。 ワイド スクリーン フォーマットは 1950 年代に初めて実験されました。 1970 年代までに、ほとんどの映画はカラー映画になりました。 IMAX やその他の 70mm フォーマットが人気を博しました。 映画の広範囲な配布が一般的になり、「大ヒット作」の基礎が整いました。 フィルム映画撮影は、その誕生からデジタル映画撮影が主流となる 2010 年代まで映画業界を支配していました。 フィルム映画撮影法は、特に特定の用途で、またはその形式への好みから、一部の監督によって今でも使用されています。

 

黒と白
1880 年代に映画が誕生して以来、映画はモノクロが主流でした。 一般に信じられていることに反して、モノクロは必ずしも白と黒を意味するわけではありません。 単一のトーンまたはカラーで撮影された映画を意味します。 着色されたフィルムベースのコストが大幅に高かったため、ほとんどの映画は白黒のモノクロで制作されました。 初期のカラー実験が登場したにもかかわらず、カラーの費用がかさむため、安価なカラープロセスが導入された 1950 年代までは映画のほとんどが白黒で作られ、カラーフィルムで撮影された映画の割合が 51% を超えた年もありました。 1960 年代までに、カラーが圧倒的に支配的なフィルム素材になりました。 その後数十年間で、カラー フィルムの使用が大幅に増加する一方、モノクロ フィルムは希少になりました。

 

白黒映画撮影は、画像が撮影され、色のないグレーの階調で表示される映画製作で使用される技術です。 この芸術的アプローチには豊かな歴史があり、映画の進化を通じてさまざまな映画で採用されてきました。 これは、映画制作者がコントラスト、テクスチャー、照明を強調し、視覚的なストーリーテリング体験を強化できる強力なツールです。 白黒映画撮影の使用は、カラーフィルムがまだ利用できなかった映画の初期に遡ります。 映画製作者はこの技術を利用して、視覚的に印象的で雰囲気のある映画を作成しました。 カラーフィルム技術の出現にもかかわらず、白黒映画撮影は芸術的および主題的な目的で利用され続けました。

 

Ken Dancyger の著書『映画とビデオ編集の技術: 歴史、理論、実践』は、白黒映画撮影の歴史的および理論的側面についての貴重な洞察を提供します。 ダンサイガーは、この手法が映画の歴史の中でどのように使われてきたかを探り、ストーリーテリング、雰囲気、視覚的な美学への影響を検証します。 この本では、魅力的な白黒画像の作成に関わる芸術的な選択と技術的な考慮事項を詳しく掘り下げ、その技術についての包括的な理解を提供します。

 

白黒映画撮影により、映画制作者は光と影の相互作用に集中し、シーン内のさまざまな要素間のコントラストを強調することができます。 このテクニックは、ノスタルジックな感覚を呼び起こしたり、特定の時代を思い出させたり、時代を超越したクラシックな雰囲気を作り出したりすることができます。 色を取り除くことで、映画製作者はフレーム内の構成、形状、テクスチャを強調し、視覚的なインパクトを高めることができます。 白黒映画撮影を採用した注目すべき映画には、「カサブランカ」(1942 年)、「レイジング ブル」(1980 年)、「シンドラーのリスト」(1993 年)などの古典があります。 これらの映画は、感情的に共鳴するビジュアルを作成する際の白黒映画撮影の力と多用途性を示しています。 白黒映画撮影法は、現代の映画製作において依然として関連性があり、広く使用されている技術です。 特定の雰囲気を呼び起こし、時代を超越した感覚を伝え、ストーリーの芸術的表現を高めるために、映画製作者によって使用され続けています。

 

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