Prita Diary 25052024

ビジュアルアートパート3
象徴主義、表現主義、キュビズム
ノルウェーの芸術家エドヴァルド・ムンクは、フランスの印象派マネからインスピレーションを得て、19 世紀末に象徴的なアプローチを発展させました。 彼の最も有名な作品である『叫び』（1893 年）は、現代人の普遍的な不安を表していると広く解釈されています。 ムンクの影響もあって、ドイツ表現主義運動は 20 世紀初頭にドイツで始まり、エルンスト キルシュナーやエーリッヒ ヘッケルなどの芸術家が感情的な効果をもたらすために現実を歪曲し始めました。

 

並行して、アーティストが構図内の鋭い構造のボリュームと空間に焦点を当てたキュビズムとして知られるスタイルがフランスで発展しました。 パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックはこの運動の主要な支持者でした。 オブジェクトは、抽象化された形式で分割、分析され、再組み立てされます。 1920 年代までに、このスタイルはダリやマグリットとともにシュルレアリスムに発展しました。

 

版画制作
版画とは、芸術的な目的で、マトリックス上に画像を作成し、それをインク (または別の形式の顔料) を使用して 2 次元 (平面) 表面に転写することです。 モノタイプの場合を除き、同じマトリックスを使用して多くの印刷例を作成できます。

 

歴史的に、関連する主な技術 (メディアとも呼ばれます) は、木版画、線彫り、エッチング、リソグラフィー、およびスクリーン印刷 (シルクスクリーン、シルクスクリーン) ですが、現代のデジタル技術を含め、他にも多くの技術があります。 通常、プリントは紙に印刷されますが、他の媒体は布や羊皮紙からより現代的な素材まで多岐にわたります。

 

ヨーロッパの歴史
1830 年頃より前に制作された西洋の伝統に基づいた版画は、オールド マスター プリントとして知られています。 ヨーロッパでは、西暦 1400 年頃から、ビザンチン世界とイスラム世界で開発された印刷技術を使用して、紙に版画を印刷するために木版画が使用されていました。 Michael Wolgemut は 1475 年頃からドイツの木版画を改良し、オランダ人の Erhard Reuwich が最初にクロスハッチングを使用しました。 世紀末、アルブレヒト・デューラーは西洋木版画をかつてないレベルに引き上げ、一枚葉木版画の地位を高めました。

 

中国の起源と習慣
中国では、約 1,100 年前に、紙に印刷するために木版で切り取られたテキストと並行してイラストとして版画技術が発展しました。 当初、画像は主に宗教的なものでしたが、宋の時代には芸術家が風景を切り取るようになりました。 明王朝 (1368 ～ 1644 年) と清王朝 (1616 ～ 1911 年) の間に、この技術は宗教彫刻と芸術彫刻の両方のために完成されました。

 

日本の発展 1603 ～ 1867 年
日本の木版画（日本語：木版画、もくはんが）は、浮世絵芸術ジャンルでの使用で最もよく知られている技術です。 しかし、同時期に絵本の印刷にも広く使用されました。 木版印刷は、活字が登場するずっと前から、中国では何世紀にもわたって書籍の印刷に使用されてきましたが、日本で広く採用されたのは江戸時代 (1603 ～ 1867 年) になってからです。 西洋版画の木版画に似ている点もありますが、木版画は（油性インクを使用する西洋木版画とは対照的に）水性インクを使用する点で大きく異なり、幅広い鮮やかな色、釉薬、色彩を表現できます。 透明性。

 

浮世絵の衰退と現代の印刷技術の導入後も、木版印刷は、浮世絵などの伝統的な形式と、さまざまなより過激な形式または西洋形式の両方で、テキストを印刷する方法としてだけでなく、芸術作品を作成する方法としても継続されました。 現代アートとして解釈されるかもしれません。 20世紀初頭、浮世絵の伝統と西洋絵画の技法を融合させた新版画が流行し、川瀬巴水や吉田博らの作品が国際的な人気を博しました。 「アダチ版画研究所」や「竹笹堂」などは、昔と同じ材料や手法で浮世絵版画を制作し続けています。

 

写真
写真は、光の作用によって写真を作成するプロセスです。 物体から反射または放出される光のパターンは、時間制限された露光によって感応媒体または記憶チップに記録されます。 このプロセスは、機械的なシャッター、またはカメラとして知られる化学処理またはデジタル化装置への電子的にタイミングを合わせた光子の露光を通じて行われます。

 

この言葉は、ギリシャ語の φως phos (「光」)、および γραφιςgraphis (「スタイラス」、「絵筆」) または γραφηgraphê から来ており、合わせて「光で描く」または「線による表現」または「描画」を意味します。 伝統的に、写真の産物は写真と呼ばれてきました。 写真という用語は略語です。 多くの人はそれらを写真とも呼んでいます。 デジタル写真では、イメージという用語が写真に取って代わり始めています。 (イメージという用語は幾何光学における伝統的な用語です。)

 

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Prita Diary 19052024 Part 2

ビジュアルアーツパート2
絵画
文字通り解釈すると、絵画とは、担体（または媒体）に懸濁した顔料と結合剤（接着剤）を紙、キャンバス、壁などの表面（支持体）に塗布する行為です。 ただし、芸術的な意味で使用される場合は、実践者の表現的および概念的な意図を明らかにするために、描画、構成、またはその他の美的考慮事項と組み合わせてこのアクティビティを使用することを意味します。 絵画は、スピリチュアルなモチーフやアイデアを表現するためにも使用されます。 この種の絵画の場所は、陶器に神話の人物を描いた芸術作品からシスティーナ礼拝堂、さらには人体そのものまで多岐にわたります。

 

歴史
起源と初期の歴史
絵を描くことと同様に、絵画の起源は洞窟や岩壁にあると記録されています。 32,000年前のものであると一部の人が信じている最も優れた例は、南フランスのショーヴェ洞窟とラスコー洞窟にあります。 赤、茶色、黄色、黒の色合いで、壁と天井にはバイソン、牛、馬、鹿の絵が描かれています。

 

古代エジプトの墓には人物の絵が見られます。 ラムセス 2 世の大神殿では、彼の女王ネフェルタリがイシスに導かれている姿が描かれています。 ギリシャ人は絵画に貢献しましたが、その作品の多くは失われています。 現存する最良の表現の 1 つは、ヘレニズム時代のファイユムのミイラの肖像画です。 別の例は、おそらくギリシャ絵画に基づいた、ポンペイのイッソスの戦いのモザイクです。 ギリシャとローマの美術は紀元前 4 世紀にビザンチン美術に貢献し、イコン絵画の伝統が始まりました。

 

ルネッサンス
中世に修道士によって制作された装飾写本とは別に、ヨーロッパ芸術への次の重要な貢献はイタリアのルネサンスの画家たちによるものでした。 13 世紀のジョットから 16 世紀初頭のレオナルド ダ ヴィンチとラファエロに至るまで、この時期は、3 次元空間の錯覚を作り出すために明暗法技法が使用され、イタリア芸術の最も豊かな時代でした。

 

北欧の画家たちもイタリア学派の影響を受けました。 ベルギーのヤン・ファン・エイク、オランダのピーテル・ブリューゲル長、ドイツのハンス・ホルバイン小は、当時最も成功した画家の一人です。 彼らは油を使用したグレージング技術を使用して、深みと明るさを実現しました。

 

オランダの巨匠
17 世紀には、肖像画や聖書の場面で特に記憶に残る多才なレンブラントや、オランダの生活の室内風景を専門としたフェルメールなど、偉大なオランダの巨匠が登場しました。

 

バロック
バロックはルネッサンスの後、16世紀後半から17世紀後半にかけて始まりました。 バロックの主な芸術家には、テネブリズムを多用したカラヴァッジョが含まれます。 ピーター・パウル・ルーベンスはイタリアで学んだフランドルの画家で、アントワープの地元の教会で働き、マリー・ド・メディチのためにシリーズも描きました。 アンニーバレ・カラッチはシスティーナ礼拝堂から影響を受け、幻想的な天井画というジャンルを生み出しました。 バロック時代に起こった発展の多くは、プロテスタントの宗教改革とその結果として起こった対抗宗教改革によるものでした。 バロックを特徴付けるものの多くは、劇的な照明と全体的なビジュアルです。

 

印象派
印象派は 19 世紀にフランスで始まり、クロード モネ、ピエール オーギュスト ルノワール、ポール セザンヌなどの芸術家たちのゆるやかなつながりから始まりました。彼らは絵画に新しい自由な筆使いのスタイルをもたらし、スタジオではなく屋外で現代生活の写実的な場面を描くことを選択することがよくありました。 。 これは、ブラシストロークと現実の印象によって示される美的特徴の新しい表現によって達成されました。 彼らは、混じりけのない純粋な色と短いブラシ ストロークを使用することで、強烈な色の振動を実現しました。 この運動は、時間を経て新しく発見された技術や芸術の認識に適応するダイナミックなものとして芸術に影響を与えました。 アーティストの目から見た風景や自然の偏った見方を探求する一方で、細部への注意は達成において優先事項ではなくなりました。

 

ポスト印象派
19 世紀の終わりに向けて、何人かの若い画家が印象派をさらに一歩進め、幾何学的な形と不自然な色を使用して感情を描写し、同時により深い象徴性を追求しました。 特に注目すべきは、アジア、アフリカ、日本の美術に強い影響を受けたポール・ゴーギャン、オランダ人でフランスに移住し、南の強い日差しを利用して絵を描いたフィンセント・ファン・ゴッホ、そして鮮やかな絵画で知られるトゥールーズ＝ロートレックです。 パリのモンマルトル地区のナイトライフ。

 

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Prita Diary 19052024

視覚芸術
視覚芸術とは、絵画、デッサン、版画、彫刻、陶芸、写真、ビデオ、映画制作、漫画、デザイン、工芸、建築などの芸術形式です。 パフォーミング アート、コンセプチュアル アート、テキスタイル アートなどの多くの芸術分野には、視覚芸術や他の種類の芸術の側面も含まれています。 工業デザイン、グラフィックデザイン、ファッションデザイン、インテリアデザイン、装飾芸術などの応用芸術も視覚芸術に含まれます。

 

現在、「ビジュアル アート」という用語には、応用美術や装飾美術や工芸だけでなく、美術も含まれていますが、常にそうであったわけではありません。 20 世紀初頭のイギリスなどでアーツ アンド クラフツ運動が始まるまでは、数世紀の間、「アーティスト」という用語は、多くの場合、美術 (絵画、彫刻、版画など) に従事する人に限定されており、そうではありませんでした。 装飾芸術、工芸品、または応用視覚芸術メディア。 この区別は、高度な形式と同じくらい地域の芸術形式を重視するアーツ アンド クラフツ運動の芸術家によって強調されました。 美術学校は美術と工芸を区別し、職人は芸術の実践者とはみなされないと主張した。

 

絵画、そして程度は低いが彫刻を他の芸術よりも優先する傾向が強まっているのは、西洋美術だけでなく東アジアの美術にも見られる特徴である。 どちらの地域でも、絵画は芸術家の想像力に最も大きく依存し、肉体労働から最も遠いものとみなされてきました。中国絵画では、少なくとも中国では、最も高く評価されたスタイルは「学者絵画」のスタイルでした。 紳士的なアマチュアによって実践される理論。 西洋のジャンルの階層構造も同様の態度を反映しています。

 

教育と訓練
視覚芸術の訓練は一般に、さまざまな実習制度やワークショップ制度を通じて行われてきました。 ヨーロッパでは、芸術家の名声を高めようとするルネサンス運動により、芸術家を養成するアカデミー制度が生まれ、今日では芸術の道を志す人のほとんどが高等レベルの美術学校で訓練を受けています。 視覚芸術は現在、ほとんどの教育システムで選択科目となっています。

 

東アジアでは、プロではない芸術家に対する芸術教育は通常、筆使いに焦点を当てていました。 書道は中国周王朝の紳士の六芸に数えられ、書道と中国絵画は中国帝国の学者・官僚の四芸に数えられました。

 

ラテンアメリカの芸術発展をリードする国で、1875 年に画家のエドゥアルド スキアフィーノ、エドゥアルド シヴォリ、その他の芸術家によって設立された国立刺激芸術協会が設立されました。 彼らのギルドは 1905 年に国立美術アカデミーとして再認可され、1923 年には画家で学者のエルネスト・デ・ラ・カルコバの主導により、国の高等美術学校であるブエノスアイレス大学の一部門として設立されました。 現在、この国の主要な芸術教育機関は UNA 国立芸術大学です。

 

描画
描画とは、オンラインおよびオフラインで利用できるさまざまなツールやテクニックのいずれかを使用して、画像、イラスト、またはグラフィックを作成する手段です。 一般的に、ツールから圧力を加えたり、グラファイト鉛筆、ペンとインク、インクを付けたブラシ、ワックス色鉛筆、クレヨン、木炭、パステル、マーカーなどの乾燥した媒体を使用してツールを表面上で移動させたりして、表面にマークを付けることが含まれます。 これらの効果をシミュレートするペンやスタイラスなどのデジタル ツールも使用されます。 描画に使用される主なテクニックは、線画、ハッチング、クロスハッチング、ランダム ハッチング、シェーディング、落書き、点描、ブレンディングです。 絵を描くことに優れた芸術家は、製図者または製図者と呼ばれます。

 

絵を描いたり絵を描いたりすることは何万年も前に遡ります。 後期旧石器時代の芸術には、約 40,000 年から 35,000 年前に始まった具象芸術が含まれます。 手のステンシルと単純な幾何学的形状からなる非具象的な洞窟壁画はさらに古いものです。 動物の旧石器時代の洞窟表現は、ヨーロッパではフランスのラスコーやスペインのアルタミラ、アジアではスラウェシ島のマロス、オーストラリアのガバーンムンクなどの地域で見られます。

 

古代エジプトでは、パピルスに人物を描いた水墨画が絵画や彫刻のモデルとして使用されていました。 ギリシャの花瓶に描かれた絵は、当初は幾何学模様でしたが、後に紀元前 7 世紀に黒像陶器で人間の形に発展しました。

 

15 世紀までにヨーロッパで紙が一般的になるにつれて、サンドロ ボッティチェッリ、ラファエロ、ミケランジェロ、レオナルド ダ ヴィンチなどの巨匠によってデッサンが採用されました。彼らはデッサンを絵画や彫刻の準備段階ではなく、それ自体が芸術として扱うことがありました。 。

 

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Prita Diary 15052024

写真パート8
科学と法医学
カメラには、ダゲールとフォックス タルボットが顕微鏡の接眼レンズに取り付けて天文現象 (日食など)、小さな生き物や植物などの科学現象を記録する手段として長く傑出した歴史があります。 （顕微鏡観察において）およびより大きな標本のマクロ写真撮影に適しています。 このカメラは、犯罪現場や 1861 年のウートン橋崩落などの事故現場の記録にも役立つことが証明されました。訴訟で使用するために写真を分析するために使用される方法は、総称して法医学写真として知られています。 犯罪現場の写真は通常、俯瞰、中距離、クローズアップの 3 つの視点から撮影されます。

 

1845 年、キュー天文台の名誉所長であるフランシス・ロナルズは、気象パラメータと地磁気パラメータを連続的に記録する最初の成功したカメラを発明しました。 さまざまな機械を使用して、大気圧、温度、湿度、大気電気、地磁気の 3 つの成分の分ごとの変化の 12 時間または 24 時間の写真トレースを作成しました。 カメラは世界中の多数の天文台に供給され、一部は 20 世紀まで使用され続けました。 少し後にチャールズ・ブルックがグリニッジ天文台用に同様の機器を開発しました。

 

科学では、レンズによって引き起こされる歪みを避けるために、ピンホール カメラの設計から派生した画像技術が定期的に使用されています。 X 線装置はピンホール カメラに似た設計で、高品質のフィルターとレーザー放射を備えています。 写真は、科学や工学、犯罪現場や事故現場での出来事やデータの記録に広く使われるようになりました。 この方法は、分光法だけでなく、赤外線写真や紫外線写真などの他の波長を使用することによって大幅に拡張されました。 これらの方法はビクトリア朝時代に初めて使用され、それ以来さらに改良されました。

 

最初に写真に撮られた原子は、2012 年にオーストラリアのグリフィス大学の物理学者によって発見されました。

 

社会的および文化的影響
写真のさまざまな側面に関して、多くの疑問が現在も続いています。 スーザン・ソンタグは、『写真について』（1977）の中で、写真の客観性を否定しています。 これは写真コミュニティ内で非常に議論されているテーマです。 ソンタグは、「写真を撮るということは、写真に撮られたものを流用することである。それは知識のように感じられ、したがって権力のように感じられる世界との特定の関係に自分自身を置くことを意味する。」と主張する。 写真家は、何を写真に撮るか、どの要素を除外するか、どの角度から写真を撮るかを決定しますが、これらの要素は特定の社会歴史的文脈を反映している可能性があります。 これらの線に沿って、写真は主観的な表現形式であると主張することができます。

 

現代の写真は、社会への影響について多くの懸念を引き起こしています。 アルフレッド・ヒッチコックの『裏窓』(1954) では、カメラは盗撮を促進するものとして描かれています。 「カメラは観測ステーションではありますが、撮影という行為は受動的観測以上のものです。」

 

カメラは、強姦したり、所有したりすることはありませんが、推定、侵入、不法侵入、歪曲、搾取、そして比喩の最も遠いところでは暗殺を行う可能性がありますが、性的な押しや押しとは異なり、すべての活動は、感情的に行うことができます。 距離があり、ある程度の分離を伴います。

 

デジタル画像は、後処理でのデジタル写真の操作が容易なため、倫理的な懸念を引き起こしています。 多くのフォトジャーナリストは、写真をトリミングしない、または複数の写真の要素を組み合わせて「フォトモンタージュ」を作成し、それらを「本物の」写真として渡すことを禁止すると宣言しています。 今日のテクノロジーにより、初心者の写真家でも画像編集が比較的簡単になりました。 ただし、カメラ内処理の最近の変更により、法医学写真の目的で写真のデジタル指紋採取により改ざんを検出できるようになりました。

 

写真は認識を変え、社会の構造を変える新しいメディアのひとつです。 カメラ周りでは減感に関してさらなる不安が生じている。 不快な画像や露骨な画像が子供たちや社会全体に広くアクセスできるのではないかという懸念が提起されています。 特に戦争写真やポルノ写真が物議を醸している。 ソンタグは、「写真を撮るということは、人々を象徴的に憑依できる対象に変えることである」と懸念している。 減感作に関する議論は、検閲された画像に関する議論と並行して行われます。 ソンタグは、写真を検閲できるということは、写真家が現実を構築する能力を持っていることを意味する、という懸念を書いている。

 

写真が社会を構成する実践の 1 つは観光です。 観光と写真が組み合わさって、地元住民がカメラのレンズによって位置づけられ、定義される「観光客の視線」が生まれます。 しかし、先住民の写真撮影者が観光客の写真家を浅はかな画像消費者として位置付けることができる「逆の視線」が存在するという主張もある。

 

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Prita Diary 13052024

写真パート7
美術
20 世紀には、美術写真とドキュメンタリー写真の両方が英語圏の美術界とギャラリー システムに受け入れられるようになりました。 米国では、アルフレッド・スティーグリッツ、エドワード・スタイチェン、ジョン・シャーコウスキー、F・ホランド・デイ、エドワード・ウェストンを含む数人の写真家が、美術としての写真の提唱に生涯を費やした。 当初、美術写真家は絵画のスタイルを模倣しようとしました。 この動きは絵画主義と呼ばれ、夢のような「ロマンチックな」外観にソフト フォーカスを使用することがよくあります。 それに反応して、ウェストン、アンセル・アダムスらはグループ f/64 を結成し、「ストレート・フォトグラフィー」、つまり写真とはそれ自体が（鋭く焦点を絞った）ものであり、他のものの模倣ではないことを提唱しました。

 

写真の美学は、特に芸術界で定期的に議論され続けている問題です。 多くの芸術家は、写真は画像の機械的な複製であると主張しました。 写真が真に芸術であるならば、芸術の文脈における写真は、写真のどの要素が見る人にとって美しいのかを判断するなど、再定義する必要があるだろう。 この論争は、「光で書かれた」最初期の画像から始まりました。 ニセフォール・ニエプス、ルイ・ダゲール、その他の初期の写真家は称賛を受けましたが、彼らの作品が芸術の定義や目的を満たしているかどうかを疑問視する人もいました。

 

クライブ・ベルは、彼の古典的なエッセイ「芸術」の中で、芸術と芸術ではないものを区別できるのは「意味のある形式」だけであると述べています。

 

芸術作品はそれなしでは存在できない、何らかの唯一の性質がなければなりません。 それを持っていれば、たとえどんなに少なくても、まったく価値のない仕事はありません。 このクオリティは何でしょうか？ 私たちの美的感情を刺激するすべての物体に共通する性質は何でしょうか? Staに共通する品質とは何ですか？ ソフィアとシャルトルの窓、メキシコの彫刻、ペルシャの鉢、中国の絨毯、パドヴァのジョットのフレスコ画、そしてプッサン、ピエロ・デラ・フランチェスカ、セザンヌの傑作？ 考えられる答えは 1 つだけ、それは有意な形です。 それぞれにおいて、線と色が特定の方法で組み合わされ、特定の形と形の関係が私たちの美的感情を揺さぶります。

 

2007 年 2 月 7 日、サザビーズ ロンドンは 2001 年の写真「99 Cent II Diptychon」を前例のない 3,346,456 ドルで匿名の入札者に売却し、当時の最高額となりました。

 

コンセプト写真は、コンセプトやアイデアを写真に変えます。 写真に描かれているのは実際の物体ではありますが、主題は厳密に抽象的です。

 

この発展と並行して、絵画と写真の間の当時大きく分けられていた境界線は、20世紀後半にピエール・コルディエのケミグラムとヨーゼフ・H・ノイマンのケミグラムによって閉じられた。 1974 年、ヨーゼフ H. ノイマンによるケモグラムは、これまで存在しなかった絵の要素を、紛れもないユニークな標本として、同時に絵画的であると同時に現実的に共生させて示すことにより、絵画的背景と写真層の分離を完了しました。 写真レイヤー内でレンズを使用し、色と形を統一した写真の遠近法。 したがって、20 世紀の 70 年代のノイマン ケミグラムは、以前に作成されたピエール コルディエのカメラレス ケミグラムや、それ以前の数十年間のマン レイやラースロー モホリ ナジのフォトグラムの初期とは異なります。 これらの芸術作品は、初期のイポリット・バヤール、トーマス・ウェッジウッド、ウィリアム・ヘンリー・フォックス・タルボット、そしてその後の20年代のマン・レイやラスロー・モホリ=ナジを特徴づけたさまざまな重要な芸術家による写真の発明とほぼ同時に行われました。 1930 年代のエドモンド ケスティングとクリスチャン シャッドは、適切に増感された写真用紙にオブジェクトを直接ドレープし、カメラを使わずに光源を使用しました。

 

法
多くの管轄区域では、写真は法律によって制限され、保護されています。 写真の保護は、通常、写真家に著作権または人格権を付与することによって実現されます。 米国では、写真撮影は憲法修正第 1 条の権利として保護されており、公共の場で目に見えるものであれば、誰でも自由に撮影できます。 英国では、最近の法律 (2008 年テロ対策法) により、警察の権限が強化され、人々 (報道カメラマンであっても) が公共の場所で写真を撮ることが禁止されています。 南アフリカでは、公共の場で誰でも許可なく他人を撮影することができますが、政府によって撮影できないものに課される唯一の具体的な制限は、国家安全保障に分類されるものに関連するものです。 各国には異なる法律があります。

 

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