High-Rise Designers ハイ-ライズ デザイナーズ
ファッションの批評という感性表現の多い記事をトライしてみました。誤訳も多いと思いますので、大方のご指導を頂ければ幸いです。コメント待ってます。
Jonathan Saunders, Christopher Kane and Peter Pilotto, autumn/winter 2012, in London. ジョナサン・サンダー、クリストファー・ケインそしてピーター・ピィロット（秋/冬２０１２コレクション ロンドン）
By SUZY MENKES
FASHION REVIEW
Published: February 20, 2012
LONDON — Pinstripes with an edge of cool, surfaces smooth and metallic, and fashion show locations in a high rise building in London’s financial district — could it be that city slick is making a comeback?
The London equivalent of Occupy Wall Street may have seen its tents dismantled. But in other ways, young fashion designers, mostly living in the city’s East End, are creating clothes that go back to former values but are made to seem streamlined and hyper-modern.
クールですべすべしたメタリック調のピンストライプとロンドの金融街の高層ビルというロケーションでのファッションショーという組み合わせは洗練された都会的ファッションの再来だろうか。 先の“ウォール街占拠運動”のロンドン版と言える、テント群は取り払われたが、一方でイースト・エンドに住んでいる殆どの若いファッションデザイナー達は以前の価値観の洋服を製作しているが、それらは流線的で超モダンに見える。
Shows Monday were one-after-another examples of how correct and smart designers have become with their vivid patterns, perfectly controlled, and a taut tension between classic and creative. Christopher Kane is in a class of his own. Never a rebel, but always a designer whose apparently sweet clothes have a disturbing undercurrent, he sent out a collection that was literally darker than his previous shows. It opened with black, which quickly turned to gray pin-stripes for coats, skirts and sweaters. Staged in the same empty-shell high-rise as last season (which doesn’t say much about the city’s financial health), the mood shifted to moire fabrics, dresses with a sheen and a watermark pattern.
ファッションウィークのマンディ・ショーでは、デザイナー達が完璧にコントロールされたビビッドなパターン及びクラッシックと斬新さの緊張関係を如何にバランス良くスマートに見せるかという試みで溢れていた。 クリストファー・ケーンはずば抜けている。 決して奇をてらっていないが、常にデザイナーの見た目には柔らかな服のなかにも秘めたる激しさを表現している、彼は明らかに前作よりも文字通り暗いトーンの作品を送り出した。 コート、スカートそしてセーターは、まず黒の基調で始まり、すぐにグレイのピンストライプへと変化していった。昨シーズン同様高層ビルの空室階で行われ（ロンドンの金融街の財政の健全性とは関係がない）、そのムードは波紋織り生地と光沢のある透かし入りの柄のドレスに移行していた。
“It all started with a Joseph Szabo image, where the girl was wearing a moire dress,” said Mr. Kane backstage, referring to the photographer and his teenager subjects. As ever, the designer brought a discomforting sense of a dark underbelly to his apparently simple clothes — in fact, carefully worked to make unexpected fabrics, weird combinations and subtle constructions all look deceptively simple. He can take a motif from a previous collection — say a flower or a plasticized material — and make them fresh. So rose patterns (quite a theme this winter season) appeared in Japanese lacquer red, or plastic wire was woven into a lattice cardigan. The finale, with its dresses in the sinuous metal mesh pioneered by Gianni Versace, was so subtle because the chain mail effect was screened with cloth.
「ショーはジョセフ・スザボーのイメージで、波紋柄のドレスをきた少女たちで始まった」と舞台裏でティーンエイジを主題とした写真家に言及してケーン氏は語った。 彼はいつものように、一見単純に見える生地で下半身を不安な暗さを表現しているが・・・実際は思わぬ生地や奇抜な組合せ、そして微妙な仕立てが目立たぬように仕込まれている。 彼は花や可塑性素材のような以前のコレクションからモチーフをとりながらも新鮮さを失っていない。 だから、バラ柄（この冬のシーズンのテーマ）は漆の赤で、格子柄のカーディガンはプラスティックワイヤーが織り込まれている。 フィナーレは、ベルサーチが始めた波状メタルメッシュのドレスで、鎖帷子模様が生地に映し出されるという繊細なものだった。
There has been some concern that with his second day job, creating the Versus collection for Donatella Versace, Mr. Kane would be overstretched. It is more that, at only 29, he has grown up fast, adding a silver fox jacket and that pinstriped tailoring rather than his early whimsy. But when “slick” means an oily surface to a dress, Mr. Kane was showing his range. The vast new White Cube art gallery in East London, with an exhibition on Anselm Kiefer, was the modernist backdrop to a collection by Erdem Moralioglu. In his Erdem collection, he relished the juxtaposition of old elegance with new fabrics — and attitude.
彼の二日目については懸念があります。 ドナテラ・ベルサーチのヴァーサスコレクションで彼はやり過ぎてしまっているようだ。 29歳の彼にとって背伸びをし過ぎて、シルバーフォックスのジャケットとピンストライプの仕立ては彼の初期の斬新さを失っています。 しかし、スリック（都会的センスの良さ）をドレスの光沢のある表面と捉えるならば、ケーン氏は彼のレンジに入っているといえます。 アンゼルム・キーファーの展示会と同時開催でイーストロンドンの広大な新しいホワイト・キューブ・ギャラリーはアーデム・モラリオグによるコレクションのためのモダニストの背景になっていた。 彼のアーデムコレクションの中で、彼はオールド・エレガンスと新しいファブリック・・そして思想の共存を楽しんでいた。
“It is my sense of what it takes to be a lady, a look back to 1960’s couture but with a tweed coat layered with Latex and bonded fabrics,” said the designer backstage, explaining his feeling for strict lines to contain the dense embellishment. With Peggy Guggenheim, that kooky art collector, as his muse, Mr. Moralioglu used Latex inserts to stand in for duchesse satin, covered embroideries with trompe l’oeil effects and had tweed handpainted to take a day coat into night. The result was a slim silhouette, rich in special effects: a chiffon dress printed to look like tweed; lace, cut out and replanted on the bodice; eye-popping shades of yellow, blue, mauve — and that just as one decorated coat.
「1960年代のオートクチュールをふり返りながら、ラテックスと接着布でレイヤードしたツィードのコートで、女性らしさを追求してみたのです。」と彼の強い装飾でラインを強調した感覚を説明した。 変わったアートのコレクターであるペギー・グッゲンハイムと共に、モラリオグ氏は自身の芸術として、ダッチィスサテンの代わりに、挿し込みラテックスを使用し、トロンブルイユ効果（錯覚効果）の刺繍でカバーし、デイコートをナイトコートにするためにツィードをハンドペイントにした。 その結果、スリムなシルエットで、特殊効果が豊かになり、シフォンドレスがツィードのように見える。ボディ部分のレース、カットと再植と、目を引く黄色のシェード、ブルー、モーブ（藤色）・・・そしてそれがキチンとデコレートされたコートになっている。
With Old World couture as a score and high tech materials as instruments, the Erdem show was as pitch perfect as the Philip Glass soundtrack. The Peter Pilotto collection showed how sophisticated the design duo has become with print — introducing it to anything from contained, curving patches on dresses to metallic laminated quilted jackets (in collaboration with the Austrian outerwear label Schneiders). “It all started with our trip to Asia and its culture of modernity and tradition,” said Christopher de Vos backstage, saying that he and his partner, Peter Pilotto, had been mesmerized by Japanese vehicles customized with thousands of lights.
古い世界のオートクチュールを楽譜として、ハイテク素材を楽器として、アーデムはフィリップ・グラスのサウンドトラックのような完璧な調べを奏でるショーを演じてみせた。 ピーター・ピィロット・コレクションはプリントで、このデザインデュオが繊細に表現できるかをあらゆる素材に導入して示している・・・メタリックにラミネートされたジャケット（オーストリアのアウターウェアのレーベルであるシュナイダーとのコラボ）に曲線のパッチングをドレスで合わせて。 「全てはアジアへの旅とそのカルチャーとモダニティと伝統から始まった」とクリストファー・デ・ヴォスは話している。 そして彼のパートナーであるピーター・ピィロットは数千ものライトでカスタマイズした日本車に魅せられているとのこと。
That translated as colors like blue, green and mustard yellow bursting from between the rigorous lines and shapes — or occasionally let loose as a fluffy fur stole (reminiscent of Prada). Ferocious flowers, so far removed from the pretty blooms of English heritage, were worked digitally to look like alien monsters. Yet the overall effect was still sleek, modern and totally under control as a wearable and womanly collection. In its modernity, graphic lines and textures, the Jonathan Saunders show lived up to its stunning setting at the top of a glass building in London’s financial district, with a view across the high rises at sunset.
その考えは精緻なラインとシェイプの間からあふれ出るブルー、グリーン、そしてマスタードイエローのような色合い・・・或いは時にはフワフワした毛皮のストールのような緩さで表現されている(プラダの残照)。 英国伝統の可愛い花々から除かれた、派手な花々は孤立したモンスターのようにデジタルで表現されていた。 それでも、全体の感じは流れるラインを保ち、モダンで、全体的にウエアラブルな女性的なコレクションとして抑制が効いていた。 そのモダニティ、グラフィックラインそして生地のなかで、ジョナサン・サンダースのショーは日没の超高層ビル街の景色とロンドンの金融街のガラスビルの最上階という度肝を抜くようなセットに耐え得るものだった。
Three features made this an exceptional collection: cut, texture and color. After last season’s womanly shapes and almost 1950’s femininity, this collection had masculine touches like smart, double-breasted coats and snug jackets. Shapely dresses remained, with a flair to the skirt and perhaps a belt, making a convincing collection of winter day wear. Add explorations of color, from pine green to chartreuse and sky blue to turquoise, as well as shades of red, and the designer proved his subtlety and style. Then the collection introduced flower prints, but made them seem urban, especially a stand-out printed skirt and plain sweater.
三つの特徴がこのショーを特別なコレクションにしていた。即ちカット、生地素材そしてカラーである。 昨シーズンの女性的なシェイプと殆ど1950年代のフェミニティのようなあとで、今回のコレクションはスマートでダブルのコートや身体にピッタリのジャケットといった具合に男性的なタッチを強調していた。 バランスのとれたドレスの原型をとどめながら、スカートのフレアーとベルトで冬のディウエアの説得力のあるコレクションとなっていた。 赤のシェードはもとより、ピンクグリーンからシャルトリューズ（明るい黄緑色）そしてスカイブルーからターコイズといった色の冒険に加え、デザイナーはその繊細さとスタイルのセンスの良さを表現していた。 そして、このコレクションがフラワープリントを紹介しながらも、都会風にみせ、特にプリントスカートとプレインなセーターは際立っていた。
The designer, who won the British Fashion Council/Vogue award this year, proved how much he merited the accolade.
今年のブリティッシュカウンシル/ヴォーグ・アヲォードを受賞したデザイナーは如何に称賛に値するかを証明してみせた。
ファッションの批評という感性表現の多い記事をトライしてみました。誤訳も多いと思いますので、大方のご指導を頂ければ幸いです。コメント待ってます。
Jonathan Saunders, Christopher Kane and Peter Pilotto, autumn/winter 2012, in London. ジョナサン・サンダー、クリストファー・ケインそしてピーター・ピィロット（秋/冬２０１２コレクション ロンドン）
By SUZY MENKES
FASHION REVIEW
Published: February 20, 2012
LONDON — Pinstripes with an edge of cool, surfaces smooth and metallic, and fashion show locations in a high rise building in London’s financial district — could it be that city slick is making a comeback?
The London equivalent of Occupy Wall Street may have seen its tents dismantled. But in other ways, young fashion designers, mostly living in the city’s East End, are creating clothes that go back to former values but are made to seem streamlined and hyper-modern.
クールですべすべしたメタリック調のピンストライプとロンドの金融街の高層ビルというロケーションでのファッションショーという組み合わせは洗練された都会的ファッションの再来だろうか。 先の“ウォール街占拠運動”のロンドン版と言える、テント群は取り払われたが、一方でイースト・エンドに住んでいる殆どの若いファッションデザイナー達は以前の価値観の洋服を製作しているが、それらは流線的で超モダンに見える。
Shows Monday were one-after-another examples of how correct and smart designers have become with their vivid patterns, perfectly controlled, and a taut tension between classic and creative. Christopher Kane is in a class of his own. Never a rebel, but always a designer whose apparently sweet clothes have a disturbing undercurrent, he sent out a collection that was literally darker than his previous shows. It opened with black, which quickly turned to gray pin-stripes for coats, skirts and sweaters. Staged in the same empty-shell high-rise as last season (which doesn’t say much about the city’s financial health), the mood shifted to moire fabrics, dresses with a sheen and a watermark pattern.
ファッションウィークのマンディ・ショーでは、デザイナー達が完璧にコントロールされたビビッドなパターン及びクラッシックと斬新さの緊張関係を如何にバランス良くスマートに見せるかという試みで溢れていた。 クリストファー・ケーンはずば抜けている。 決して奇をてらっていないが、常にデザイナーの見た目には柔らかな服のなかにも秘めたる激しさを表現している、彼は明らかに前作よりも文字通り暗いトーンの作品を送り出した。 コート、スカートそしてセーターは、まず黒の基調で始まり、すぐにグレイのピンストライプへと変化していった。昨シーズン同様高層ビルの空室階で行われ（ロンドンの金融街の財政の健全性とは関係がない）、そのムードは波紋織り生地と光沢のある透かし入りの柄のドレスに移行していた。
“It all started with a Joseph Szabo image, where the girl was wearing a moire dress,” said Mr. Kane backstage, referring to the photographer and his teenager subjects. As ever, the designer brought a discomforting sense of a dark underbelly to his apparently simple clothes — in fact, carefully worked to make unexpected fabrics, weird combinations and subtle constructions all look deceptively simple. He can take a motif from a previous collection — say a flower or a plasticized material — and make them fresh. So rose patterns (quite a theme this winter season) appeared in Japanese lacquer red, or plastic wire was woven into a lattice cardigan. The finale, with its dresses in the sinuous metal mesh pioneered by Gianni Versace, was so subtle because the chain mail effect was screened with cloth.
「ショーはジョセフ・スザボーのイメージで、波紋柄のドレスをきた少女たちで始まった」と舞台裏でティーンエイジを主題とした写真家に言及してケーン氏は語った。 彼はいつものように、一見単純に見える生地で下半身を不安な暗さを表現しているが・・・実際は思わぬ生地や奇抜な組合せ、そして微妙な仕立てが目立たぬように仕込まれている。 彼は花や可塑性素材のような以前のコレクションからモチーフをとりながらも新鮮さを失っていない。 だから、バラ柄（この冬のシーズンのテーマ）は漆の赤で、格子柄のカーディガンはプラスティックワイヤーが織り込まれている。 フィナーレは、ベルサーチが始めた波状メタルメッシュのドレスで、鎖帷子模様が生地に映し出されるという繊細なものだった。
There has been some concern that with his second day job, creating the Versus collection for Donatella Versace, Mr. Kane would be overstretched. It is more that, at only 29, he has grown up fast, adding a silver fox jacket and that pinstriped tailoring rather than his early whimsy. But when “slick” means an oily surface to a dress, Mr. Kane was showing his range. The vast new White Cube art gallery in East London, with an exhibition on Anselm Kiefer, was the modernist backdrop to a collection by Erdem Moralioglu. In his Erdem collection, he relished the juxtaposition of old elegance with new fabrics — and attitude.
彼の二日目については懸念があります。 ドナテラ・ベルサーチのヴァーサスコレクションで彼はやり過ぎてしまっているようだ。 29歳の彼にとって背伸びをし過ぎて、シルバーフォックスのジャケットとピンストライプの仕立ては彼の初期の斬新さを失っています。 しかし、スリック（都会的センスの良さ）をドレスの光沢のある表面と捉えるならば、ケーン氏は彼のレンジに入っているといえます。 アンゼルム・キーファーの展示会と同時開催でイーストロンドンの広大な新しいホワイト・キューブ・ギャラリーはアーデム・モラリオグによるコレクションのためのモダニストの背景になっていた。 彼のアーデムコレクションの中で、彼はオールド・エレガンスと新しいファブリック・・そして思想の共存を楽しんでいた。
“It is my sense of what it takes to be a lady, a look back to 1960’s couture but with a tweed coat layered with Latex and bonded fabrics,” said the designer backstage, explaining his feeling for strict lines to contain the dense embellishment. With Peggy Guggenheim, that kooky art collector, as his muse, Mr. Moralioglu used Latex inserts to stand in for duchesse satin, covered embroideries with trompe l’oeil effects and had tweed handpainted to take a day coat into night. The result was a slim silhouette, rich in special effects: a chiffon dress printed to look like tweed; lace, cut out and replanted on the bodice; eye-popping shades of yellow, blue, mauve — and that just as one decorated coat.
「1960年代のオートクチュールをふり返りながら、ラテックスと接着布でレイヤードしたツィードのコートで、女性らしさを追求してみたのです。」と彼の強い装飾でラインを強調した感覚を説明した。 変わったアートのコレクターであるペギー・グッゲンハイムと共に、モラリオグ氏は自身の芸術として、ダッチィスサテンの代わりに、挿し込みラテックスを使用し、トロンブルイユ効果（錯覚効果）の刺繍でカバーし、デイコートをナイトコートにするためにツィードをハンドペイントにした。 その結果、スリムなシルエットで、特殊効果が豊かになり、シフォンドレスがツィードのように見える。ボディ部分のレース、カットと再植と、目を引く黄色のシェード、ブルー、モーブ（藤色）・・・そしてそれがキチンとデコレートされたコートになっている。
With Old World couture as a score and high tech materials as instruments, the Erdem show was as pitch perfect as the Philip Glass soundtrack. The Peter Pilotto collection showed how sophisticated the design duo has become with print — introducing it to anything from contained, curving patches on dresses to metallic laminated quilted jackets (in collaboration with the Austrian outerwear label Schneiders). “It all started with our trip to Asia and its culture of modernity and tradition,” said Christopher de Vos backstage, saying that he and his partner, Peter Pilotto, had been mesmerized by Japanese vehicles customized with thousands of lights.
古い世界のオートクチュールを楽譜として、ハイテク素材を楽器として、アーデムはフィリップ・グラスのサウンドトラックのような完璧な調べを奏でるショーを演じてみせた。 ピーター・ピィロット・コレクションはプリントで、このデザインデュオが繊細に表現できるかをあらゆる素材に導入して示している・・・メタリックにラミネートされたジャケット（オーストリアのアウターウェアのレーベルであるシュナイダーとのコラボ）に曲線のパッチングをドレスで合わせて。 「全てはアジアへの旅とそのカルチャーとモダニティと伝統から始まった」とクリストファー・デ・ヴォスは話している。 そして彼のパートナーであるピーター・ピィロットは数千ものライトでカスタマイズした日本車に魅せられているとのこと。
That translated as colors like blue, green and mustard yellow bursting from between the rigorous lines and shapes — or occasionally let loose as a fluffy fur stole (reminiscent of Prada). Ferocious flowers, so far removed from the pretty blooms of English heritage, were worked digitally to look like alien monsters. Yet the overall effect was still sleek, modern and totally under control as a wearable and womanly collection. In its modernity, graphic lines and textures, the Jonathan Saunders show lived up to its stunning setting at the top of a glass building in London’s financial district, with a view across the high rises at sunset.
その考えは精緻なラインとシェイプの間からあふれ出るブルー、グリーン、そしてマスタードイエローのような色合い・・・或いは時にはフワフワした毛皮のストールのような緩さで表現されている(プラダの残照)。 英国伝統の可愛い花々から除かれた、派手な花々は孤立したモンスターのようにデジタルで表現されていた。 それでも、全体の感じは流れるラインを保ち、モダンで、全体的にウエアラブルな女性的なコレクションとして抑制が効いていた。 そのモダニティ、グラフィックラインそして生地のなかで、ジョナサン・サンダースのショーは日没の超高層ビル街の景色とロンドンの金融街のガラスビルの最上階という度肝を抜くようなセットに耐え得るものだった。
Three features made this an exceptional collection: cut, texture and color. After last season’s womanly shapes and almost 1950’s femininity, this collection had masculine touches like smart, double-breasted coats and snug jackets. Shapely dresses remained, with a flair to the skirt and perhaps a belt, making a convincing collection of winter day wear. Add explorations of color, from pine green to chartreuse and sky blue to turquoise, as well as shades of red, and the designer proved his subtlety and style. Then the collection introduced flower prints, but made them seem urban, especially a stand-out printed skirt and plain sweater.
三つの特徴がこのショーを特別なコレクションにしていた。即ちカット、生地素材そしてカラーである。 昨シーズンの女性的なシェイプと殆ど1950年代のフェミニティのようなあとで、今回のコレクションはスマートでダブルのコートや身体にピッタリのジャケットといった具合に男性的なタッチを強調していた。 バランスのとれたドレスの原型をとどめながら、スカートのフレアーとベルトで冬のディウエアの説得力のあるコレクションとなっていた。 赤のシェードはもとより、ピンクグリーンからシャルトリューズ（明るい黄緑色）そしてスカイブルーからターコイズといった色の冒険に加え、デザイナーはその繊細さとスタイルのセンスの良さを表現していた。 そして、このコレクションがフラワープリントを紹介しながらも、都会風にみせ、特にプリントスカートとプレインなセーターは際立っていた。
The designer, who won the British Fashion Council/Vogue award this year, proved how much he merited the accolade.
今年のブリティッシュカウンシル/ヴォーグ・アヲォードを受賞したデザイナーは如何に称賛に値するかを証明してみせた。
