河童メソッド。極度の美化は滅亡をまねく。心にばい菌を。

PC版に一覧等リンクあり。
OCNから2014/12引越。タイトルや本文が途中で切れているものがあります。

1405- AOYAMA HACHI 青山蜂2012.11.30 SPOUT IS FAMOUS

2012-10-31 20:30:00 | インポート

AOYAMA HACHI 青山蜂

SPOUT IS FAMOUS

2012年11月30日(金)22時スタート
.

Scan10653

.

Scan10654

コメント

1404- Hans Werner Henze, Composer, Dies at 86 (ハンス・ウェルナー・ヘンツェ86歳で死去の記事です。)

2012-10-31 20:00:00 | インポート

ヘンツェがなくなったのは先週の土曜。
新作バレエの初演で寄っていたドレスデンで亡くなったそうです。86歳。
亡くなった原因は明らかにされていないみたいですね。
記事詳細は以下をどうぞ。
.

Hwh
.

Hans Werner Henze, a prolific German composer who came of age in the Nazi era and grew estranged from his country while gaining renown for richly imaginative operas and orchestral works, died on Saturday in Dresden, Germany, where he was due to attend the premiere that evening of a ballet set to one of his scores. He was 86.

His longtime publisher, Schott Music, announced his death in a statement. No cause was specified, and no further details were provided.

Born into a European generation that wanted to make a fresh start at the end of World War II, Mr. Henze (pronounced HEN-tzuh) did so without wholly negating the past. He wanted a new music that would carry with it the emotion, the opulence and the lyricism of the Romantic era, even if those elements now had to be fought for. Separating himself from the avant-garde, he devoted himself to genres many of his colleagues regarded as outmoded: opera, song, the symphony.

By the early 1960s Mr. Henze was an international figure with enthusiastic admirers in the United States. His Fifth Symphony was commissioned by the New York Philharmonic, which gave the work’s premiere in 1963, with Leonard Bernstein conducting. More than 40 years later, the orchestra took part in commissioning one of Mr. Henze’s last orchestral works, the tone poem “Sebastian Dreaming.”

He maintained relationships with other American institutions as well, including the Boston Symphony, which commissioned his Eighth Symphony (1992-93), and the Tanglewood Music Festival, where he was composer-in-residence in 1988.

His music expressed passionate but mixed feelings about his German heritage. His Nazi-era childhood alone would have produced, at the least, ambivalence about that heritage, but his homosexuality only further estranged him, particularly from the bourgeois West German society of the immediate postwar years. And he found little sympathy at home for his embrace of the Romantic past.

He had to escape, and in 1953 he abruptly left for Italy. But he went on writing operas for theaters in Germany, where he was far more popular than any other composer of his time. That success brought him material comfort, and he came to give a fair physical impression of the kind of well-to-do burgher he might well have feared and despised in his youth: tight-suited, bald, energetic even when still. What failed to fit this image of stiff propriety was his unfailing charm, his sardonic sense of humor and his fondness for his many friends.

As he grew older, the matter of Germany became increasingly important to his music. Having written his Cuban-inflected Sixth Symphony (1969) ? produced during a period when he spent a great deal of time in Cuba ? he composed his Seventh (1983-84) for the Berlin Philharmonic, taking Beethoven as his model. Again with Beethoven in mind and again writing for the Berlin Philharmonic, he made his Ninth a choral symphony ? and a drama ? telling a story of desperation and hope set during the Nazi epoch.

Hans Werner Henze was born on July 1, 1926, in Gutersloh, Westphalia, in northwest Germany. After army service in 1944 and 1945 he studied with Wolfgang Fortner at the Heidelberg Institute for Church Music and with the French composer Rene Leibowitz. He soon became acquainted with the modern music that had been banned by the Nazis ? notably Stravinsky and Berg, as well as jazz ? and gained the means to create a sprightly style that carried him through an abundant youthful output. By the time he was 25 he had written three symphonies, several ballets and his first full-length opera, ”Boulevard Solitude” (1951).

In his Second String Quartet (1952) he drew close to his more avant-garde contemporaries, but the moment quickly passed. The next year he left his post as music director of the Wiesbaden State Theater to settle on the Bay of Naples, and his music at once became luxurious and frankly emotional, as exemplified by his fairy-tale opera “King Stag,” first performed in Berlin in 1956.

It was an exultant period, which also brought forth his Fourth Symphony (1955); the full-length ballet “Ondine” (1956-57), produced with choreography by Frederick Ashton at Covent Garden; “Nocturnes and Arias,” for soprano and orchestra (1957); and “Chamber Music,” for tenor, guitar and octet (1958).

In his next opera, “The Prince of Homburg,” first produced in Hamburg in 1960, he caricatured German militarism within a style fashioned after the bel canto operas of Bellini and Donizetti. After this came “Elegy for Young Lovers,” to a libretto by W. H. Auden and Chester Kallman, about a poet’s use of his family and acquaintances in his art. The story’s alpine setting offered Mr. Henze the opportunity for glistening, radiant music, scored for a chamber orchestra. The work had its first performance in Schwetzingen, Germany, in 1961, and has been more widely seen than any of the composer’s other operas. It was presented by City Opera in 1973 ? though that production remains the only professional staging of an opera by Mr. Henze in New York.

Working again with Auden and Kallman, he went on to a much bigger operatic project, “The Bassarids,” a remake of Euripides’ “Bacchae,” which was presented at the 1966 Salzburg Festival. The undertaking provoked a creative crisis, out of which Mr. Henze re-emerged as a radical socialist. He had contacts with student leaders, taught and studied in Cuba for a year, and composed several explicitly political works, among them “The Raft of the Medusa” (1968), a semi-dramatic cantata protesting racism and other forms of discrimination, and “El Cimarron” (1969-70), a concert-length work for baritone, flute, guitar and percussion telling the story of a runaway slave.

But once again Mr. Henze moved swiftly on. By the time he composed what might have been his biggest essay in political engagement ? the opera “We Come to the River,” with a libretto by the English socialist playwright Edward Bond, produced at Covent Garden in 1976 ? his musical interests had returned to his more characteristic moods of nostalgia, reverie, burlesque and erotic passion. Among his other important works of this period is “Tristan” for piano, orchestra and tape (1974), a symphonic poem on the medieval legend including quotations from Wagner’s treatment of it.

In 1976 Mr. Henze founded a festival in the small Italian town of Montepulciano, where he pursued his ideals as a musician in society, working with local performers and drawing other, younger composers to do the same. He was extraordinarily open and encouraging to student composers, and there are many whose careers he made by crucial advice or an important break.

Further works with Mr. Bond followed: the ballet “Orpheus” (1979) and the surreal-satirical opera “The English Cat” (1983). But “Tristan” had signaled a rapprochement with Germany.

From his home near Rome, his principal place of residence since 1961, Mr. Henze made increasingly frequent and lengthy returns to his native country, and in 1988 he established a biennial festival of new music theater in Munich.

He had begun his artistic life in the theater, and he found it hard to leave. Having announced that “L’Upupa und der Triumph der Sohnesliebe”) (“The Hoopoe and the Triumph of Filial Love,” which had its premiere in Salzburg in, 2003) would be his last opera, he went on to produce a “Phaedra” for the Berlin State Opera in 2007 and “Gisela!,” an opera for student singers, for the Ruhr Festival in 2010.

The crowning work of Mr. Henze’s late period is “Elogium Musicum” for choir and orchestra (2008), which he wrote in memory of Fausto Moroni, his companion of four decades, who died in 2007. At once vast and intimate, Mediterranean-Classical in its sunlight and German-Romantic in its expressive depth, it is also a fitting memorial to its composer.

コメント

1403- 濃かった群響。井上道義、児玉麻里、児玉桃、群響2012.10.27

2012-10-30 20:00:00 | インポート

121028_012501
.

2012-2013シーズン聴いたコンサート観たオペラはこちら
.

2012年10月27日(土)6:45pm
群馬音楽センター
.
ドビュッシー おもちゃ箱
  井上道義、ナレーション&動き
.
プーランク 2台のピアノのための協奏曲
  ピアノ、児玉麻里、児玉桃
.
三善晃 樹上にて
  ピアノ連弾、児玉麻里、児玉桃
.
ラヴェル ボレロ
.
井上道義 指揮 群馬交響楽団
.

都内から電車で、聴きにうかがいました。
日帰り、鈍行での行き来でしたが、楽しく過ごさせてもらいました。
きっかけはツイッター諸氏からの情報でうかがうことになったのですが、4曲中最初の3曲は生演奏では初めて接するし、興味深い曲だし、群響も聴いておかなければならないし。
ということで、お初3点セット。
高崎 お初。
群響 お初
3曲 お初。
お初尽くしでした。
.
6時45分から始まった演奏会は途中15分の休憩をいれ9時まで。濃厚な一夜となりました。
ド真ん中の席で、指揮者の背骨に直進できそうな感じ。
最初着席したとき、オペラカーテン風などんちょうが閉じていたので、群響定期はこうなんだ、などと思ったりしました。そうではないなというのはすぐにわかりました。
舞台下手カーテン前に指揮者井上があらわれ、お話を始めました。最初の前置きトークからいつのまにかドビュッシーのおもちゃ箱のナレーションになっていく。そこで初めて幕が開き、オーケストラが鳴り出す。照明効果もある。なるほど、演出でした。
この曲はストーリーがわかっていても、字幕よりもナレーションの方がよりわかりやすい。井上のとりあえずウィットにとんだ動きまじりのサービス精神も素晴らしいですよ。お話しながら出の指示もしないといけないのでジョークしている割には難しそう。こうゆうエンターテイメント系の演出って、丸裸にされてしまうんですよね。マーラーの9番第4楽章の大詰めのエンディングのエンディングあたりで、ポーディアムの上で指揮者が一人、歌舞伎風の棒をシュッシュッと振る、全員そこしかみていない、あれと同じ。くくるしかないんですよ、腹も何もかも。
おもちゃ箱、プレイヤーも一緒に井上モードの演出。もちろん聴衆も楽しかった。井上はスキニーで年の割には良く動けるので、選曲含め彼でなければ出来ない企画であったはずです。好企画。
オーケストラにとって、最初にこうゆう曲だと、気持ちが楽というか、ゆるんだりしますが、群響はそんなことがなくどっちかというと几帳面なぐらいでした。あまり聴くことない曲にこそ第一義的に正確性の基本があって正しいことだと思いました。締めなければならないんですよね。油断しなくても大敵はいるかもしれないし。
いずれにしても一曲目から極上のエンターテインメントでした。
30分弱のはずが大幅にオーバーして40分。
.
この日の選曲は曲ごとにオケ配置を大幅に変えなければならない。結構時間がかかる。みていると直列作業のようだ。パラでやらないといけない。直列で威力を発揮するのは乾電池だけです。
.
2曲目のプーランクも思わず惹きこまれました。第一印象としては、第1楽章、それに第3楽章最後のたぶん回帰部分のあたり、マルティヌー風でした。動きが速くてちょっとだけミニマルっぽい。全般にドビュッシーとラヴェルが混ざっている雰囲気。プーランクの室内楽はたまに聴きますが、このような規模の曲は、これはこれで楽しかった。カラフルな児玉さんたちの衣装は曲に合わせたのかしら。桃さんはプレヴィンのトゥーランガリラのときに見ました。2011.10.21 2011.10.22 
プーランクのサウンドはなんだか黄色いおもむき。オーケストラも大変なはずですが井上のコントロールがよく効いてました。プーランクには、はまっていけそうですね。いかにもパリっていう感じで、オケサウンドはもう少し軽ければなおよかったかも。オケの線は細い方だと思うのだが、その割には少し重い。一音目の出が、パーンという感じだとさらにいいと思います。
.

後半一曲目、今度は児玉さんたちの連弾もの。
三善の弟子を自負する井上が登場し曲の改変の経緯を得意げに説明。話しがやにっこくないので、いい。
曲はショートでコンパクト、リズミックで飽きない。なんかどっかで聴いたような節がでてくる。
この作曲家独特の亀の甲羅みたいな響きが突き刺さる。タイトルのイメージはあまり湧かずプログラムノートで補てん。
.
最後の曲はボレロ。
バンダ風に最後列に台を作りその上にソリストたちが勢ぞろい。なんだか、ソロパートのデモンストレーションでもやるみたい。スネアが真ん中、右左にソリストが一列に広がる。増強スネアは下手の別の台に鎮座。ボレロの始まり。
井上のいいところは、テンポ感ですね。昨今の指揮者のように細部に耽溺しない。すぅすぅと進んでいく。もちろんボレロだけでなく全部そうです。
ソリストたちも余計なことを考えずにソロに専念出来る。
最後、爆音で完了しました。
ソリストたちの力量がこの演奏でウィンドショッピングされたわけですけれども、ちょっとだけムラはあるものの、見事なソロに拍手。
求めるとしたら、全体的な奥行き感覚と弦パートの艶、贅沢なことですね。
サウンドは見た目以上に音に横の広がりがあると感じました。その為かどうか、奥行きが少し薄い。これはホールのせいかもしれません。奥のパートが手前のパートの上を越えて前方に広がる、といった感じだったらさらに良かったでしょうね。
.

ドビュッシーに時間が割かれたのはわかるが、全体にステージのセッティングに時間がかかり過ぎです。私の目からは、セッティングの人たち、なにか役割分担以上のものを感じました。なんか役割の毎の別の権威があるのかな。ちょっと鼻につきましたね。主役を忘れずに!
.
以上4曲、アンコールなくても満腹。
曲のバラエティさだけでなく内容も濃く、演奏も充実していました。このようなディープな演奏を聴けるなら毎回きてもいいかな。この日一番気に入ったのはプーランク。個人的にはここらあたりの時代の連中をすぐにマルティヌーや、ミニマル元祖はどこだ、みたいに結びつけてしまいたがる傾向があるんですが、今回も結果的にはそうなっちまいました。
とにかく音楽的には満腹、満足でした。
でも本当のお腹は減っているので、
桃さんを聴いた後はモモへ。
おわり
.

.

121027_171701

.


人気ブログランキングへ

コメント (2)

1402- 東京文化会館こけらおとし1961世界音楽祭プログラム、ニューヨーク・フィル初来日公演プログラム。

2012-10-27 09:17:00 | インポート

写真は、一枚とりあえずアップしておきます。

Nyp61forup


こちらを参考にしてください。

初来日のプログラム 2ヴァージョン ニューヨーク・フィルハーモニック

上野のこけら落としにきたニューヨーク・フィルハーモニック
(こちらに世界音楽祭の日程があります。)

コメント

1401- クリスティアン・ティーレマン、ドレスデン国立管弦楽団、NHK音楽祭2012.10.22

2012-10-23 21:55:00 | インポート

121022_212701


121022_212601
.

2012年10月22日(月)7:00pm
NHKホール
.
ブラームス 交響曲第3番
.
ブラームス 交響曲第1番
.
(アンコール)
ワーグナー リエンツィ序曲
.
クリスティアン・ティーレマン 指揮
ドレスデン国立管弦楽団
.
ここのところNHKホールで聴くコンサートが続いている。
ティーレマンは前回聴いたのがいつだったか思い出せない。
ブラームスの3番から始まったこの日のコンサート。当節の御多分に漏れず、ディテールとピアニシモにこだわった、つまり、いまはやりの細部と弱音にこだわった演奏。これの悪いところは構築物の形式がわからなくなってしまい、度を越すと建築物が倒れかねないということ。
この種の演奏は日常的にほかの指揮者も同じようなことをしているので、またか、という感じです。最近の演奏で崩壊に近かったのは上岡のGM4(2012.1.25
.
ティーレマンはデリカシーをピアニシモで表現しようとしているのでしょうか。それなら手段の一つとしてわからなくもない。でもブラームスの場合デリカシーが第一義的にあるわけではないと思います。
ピアニシモの為のピアニシモという具合で、作為の為の作為、作為をだいぶ感じる。音楽にうねりもないしもっと伸縮自在に出来ないものか。伸だけですからね。
ここはフルトヴェングラー&ベルリン・フィルの演奏を何度でも聴いて参考にしてほしいですね。あまりに巨大な演奏でぶっ飛ばされます、それでいてこの構築感。ティーレマンのこの日の演奏は足もとにも及びませんでした、いくら方向性が違うからなどと言ってみてもよく聴くとすべての方向性を内包しているのがフルトヴェングラーの神髄であり、そのうちの一つの表現、ピアニシモの極意でさえ勝ち目はない。
.
それから、プレ・コンサート・トークで解説者が、これみよがしに3番は全楽章弱音系で終わる、みたいな解説は不要です。そんなこと昔、吉田秀和が言った言葉で、この場で言う言葉でもない。演奏会の前の解説でこんな話しちゃだめですよ。
.
ティーレマンは第4楽章の冒頭のたたきつけるフォルテシモを導入する緊張感ある雄弁なピアニシモ表現をしましたが、あれでいいと思います。あすこの表現はピアニシモの為のピアニシモではありませんでした。激烈でドラマチックなソナタ形式でいいと思います。
.

この日の弦編成は、
16+14+12+10+8 対向配置。ベースしもて。
後半ウィンド、ブラス増強。トップが前半とだいぶ変わっていた。普通に考えたらメインディッシュのブラ1のほうにトップを持ってきているのでしょうね。

ティーレマンに合っているのは1番の方でしょう。あまり手を加えずともドラマチックな演奏となる。そもそも息の長い、ドラマチックな流れを作るのが得意だと思いますので、ジャストフィットな演奏だったと思います。ディテールにこだわると、ときとして先が見えなくなり、その場だけの表現に陥ってしまいますけれど、1番の曲想にも助けられ、うねり流れるいい演奏になっていたと思います。
第2楽章は作為を離れ、深く静かに音楽の呼吸を感じることができた。ウィンドの折り目正しい演奏は特筆。気持ちよく高性能オーケストラを堪能できました。また休止をかなり長めにとるところがあり、緊張感をはらむ。昔はなかった表現だと思います。
こうゆう進行であればこそ後半楽章も生きてくる。終楽章冒頭の抑えたピッチカートは絶妙。また、ホルンの信号から例の主題までの流れは、なにか別物の音楽が漂う不気味さのようなものを感じました。言葉でうまく表現できません。止まって漂うシュヴァルツシルト境界の感覚。この曲のぜったい外せない部分という確信に近い信念。そんなところです。
ティーレマンは、派手さよりも前進力、前に進む力が魅力的。決して空虚な響きの陥穽には落ちない。思いっきりブラームス」というところまでは行ってなかったと思いますが、後半は良かったと思います。それから、3番1番ともにブラスをもっと鳴らしてもいいのではないかと思いますね。
.

バスドラ、ありました。
アンコールはリエンツィ、ここで聴けるとは思いませんでした。ブラームスからさらにインストゥルメントを増量、ブラスは水を得た魚みたいにバリバリ。弦の後ろからではなく、弦の上からこちらの方向にかぶさってきました、弦のサウンドを決してかき消すことなく。これがドレスデン。
今日のプログラムで一番ティーレマン向きの曲。なんでこの陰影をブラームスで出せなかったのかな?最初から最後まで力任せでよかったんだよ。と本人も少しは反省しているに違いない。
インテンポや壮大なポリフォニック、はてはフォルテシモのアゴーギク、そんなものに対する呪縛的恐怖でもあるのかな?単にドライブ出来ないだけ?昨今の指揮者たち。
.

今回、オーケストラの名称が、ドレスデン国立歌劇場管弦楽団ではなく、ドレスデン国立管弦楽団となっておりました。ドイツ語表記は同じだと思いますが、なにか変化があったのかしら。
.

ご参考:
ドレスデン初来日1973に続き、2回目の来日1978の際の感想。
.

ブロムシュテット ブルックナー5番 1978.4.4

.


人気ブログランキングへ

コメント (4)

1400- 「3出休み」? いつまで続ける前代未聞ルール、全日本吹奏楽コンクール

2012-10-23 21:51:35 | アート・文化

第60回全日本吹奏楽コンクール
http://www.ajba.or.jp/competition60.htm

中学 2012年10月31日(水) / 名古屋国際会議場
高校 2012年11月1日(木) / 名古屋国際会議場
大学の部 2012年10月27日(土) / 宇都宮市文化会館
職場・一般の部 2012年10月28日(日) / 宇都宮市文化会館

高校の部、行けません。
いくら土地勘のある名古屋とはいえ、平日東京からは無理無理です。あきらめます。
.
それで、ブログタイトルの件ですけれど、
.
3出休制度「3年連続全国大会に出ちまうと、翌1年間は吹奏楽コンクール出場不可。」
.
うますぎる状態が続くとコンクールに出られなくなる。これは審査員の耳悪を棚に上げた史上最低の暴挙であるといえよう(こーほー風)
ありえない(笑)
.
Wikiで「全日本吹奏楽コンクール」をググると文中、当制度の理由として「できるだけ多くの人に全国大会を経験して欲しい」という引用がある。「できるだけ多くの学校に全国大会を経験して欲しい」というところだろうね。
端的に言うと、レベルがワンランク下の学校でも全国大会に出場できるということになる。生徒たちの意欲も増す。ワンランク下の学校はたくさんあるのでそのなかで優劣を競い合えば自ずとみんなうまくなる可能性も広がる。メリットがたくさんある、そんなところかな。
だからといって努力の成果を積み上げれば積み上げるほど、積み上げた甲斐がなくなる学校もある。吹奏楽名門校に入学したはいいけど、うまい下手にかかわらず、大会に1年間絶対に出ることができない可能性が生まれた。これはもはやコンクールとはいえないのでは?
問題の解決方法をルール改変にすり替えた。と、傍観者には思えます。(無責任ですみませんが)
.
1970年のルール改変で順位制をやめ、金・銀・銅にしたあたり、既に問題が内在していたとみます。このルールだと最低でも3位。29校でて、1位か2位か3位に必ず入るのと変わりありません。この時点でコンクールというよりも発表会に近い。予選がコンクールで本選は発表会なのです、と言われればそうですかとしか言えませんけれど何かわりきれないものがあります。
金銀銅にしても問題は解決せず、3出休といったルールになったのでしょうか。
何のためにやっているのかわけがわからなくなっちまいました、私の感覚では、ですが。
.
では、なにが問題で、どうやって解決すればいいのでしょうか。
.
問題は「審査員の耳。」で、解決方法は「翌日金賞グループによる再演奏順位制。」
.
問題点と解決方法がうまくリンクしてませんが、フィギュアスケートなみにがんじがらめにしたとしても「目で見る」と「耳で聴く」では全く異なります。まぁ、トリルを因数分解して波形にしてみて揃っていた、いなかったを採点の基準にするなら別ですが。
.

「審査員の耳力」が一番問題だと思います。昔と比べ物にならないぐらい技術向上が激しくて団体ごとの差もなくなりつつあり、これまでと同じように採点するのは困難になった、ということであれば進化しなかったのは審査員の耳だけという話です。
採点基準がモヤッとしていて閾値は明確ではなく、グレードでモヤッと仕切られていると思うので、匿名であろうがなかろうが、誰がどういう採点であったか、わかったとしてもソー・ホワットでしかないと思います。
解決策ではありませんが日常的に「耳を良くする」ことが必要で、そのためには、通年で吹奏楽を聴き、かつ越年できれば何年か連続で日ごろから吹奏楽に接することが出来る人が審査委員の中に最低でも3人ぐらいは欲しいと感じます。審査員というのは自分がつけた採点に責任を持つわけですから、その採点の根拠として、大会の演奏比較だけでなく、何を基準に聴いたのか、といったあたりを日常的に聴ける環境にあり、またその努力を行なえる人、手っ取り早く言うと経験者なのかもしれませんが、吹奏楽の文化の流れに精通した人たち数人が相応の根拠をもって言える人がつけてほしい。つまり日常的に耳の練習をした人が必要です。今の審査員の現状はそうではないと思います。
現状は、金銀銅はつけれるが、1位2位3位4位5位~29位はつけれない。金銀銅の責任の軽さと、順位をつける責任の重さは比べ物にならないので、出来ない。ということではないのかな。
これが原因の全てで金銀銅制になったなどというつもりは毛頭ありません。単に順位制を好きな自分からの斜め見です。また、
実状がよくわからないので無責任な話ではあるのですけれど、まだら模様な審査員の方々、課題曲はもちろん事前に全て譜面をみて、模範演奏を生聴きして、さらに自分でピアノを弾くなり、模範演奏を聴くなりといったことをおこなっていると思いますけれど、自由曲についてはどうなんでしょうか。同じように譜面を予め確認して音、響きを確かめ、あるいはCDメディアなどを聴いて確認しているのでしょうか。
本当によくわかりませんね。
.

それで解決方法は、高校野球並みのトーナメント方式は無理か、ならばフィギュアスケートなみのディテールこだわり採点か、はたまた、こうゆうのはどうでしょうか。
今のモヤッとした金銀銅でもある程度のラインはそれなりに正しいと思いますので、金賞校による、翌日決戦。金賞校は翌日、再演奏して今度は順位を争う。金賞校による1位2位3位決定戦を行なう。審査員も大変でしょう。大変なのがあたりまえなのですよ。
私の解決方法は飽くまでも1位の優勝校一校を決める方式にこだわります。個人的にはこっちの方がすっきり。頂点を目指す。
おわり

人気ブログランキングへ

コメント

1399- ホロコーストの音楽 シルリ・ギルバート著 収容所の極限状態での歌と演奏 〈評〉音楽学者 岡田暁生

2012-10-23 21:33:00 | 本と雑誌

紹介のみ。

1

.

ホロコーストの音楽 シルリ・ギルバート著 収容所の極限状態での歌と演奏
 〈評〉音楽学者 岡田暁生

 「アウシュヴィッツ以後、詩を書くことは野蛮である」とは、アドルノの有名な言葉である。あらゆる表象=「思いやること」を拒絶する地獄絵。そういうものを「歌う」空虚と欺瞞(ぎまん)。このような世界は、それを体験しなかった者に対して、詩や音楽を厳しく禁じる。深海のような音のない世界としてしか、私たちはそれを思い描くことが出来ない。にもかかわらず――実際のアウシュヴィッツにはいつも音楽があった。絶対の沈黙としてしか表象できないはずのものが、本当は様々な響きで彩られていた。恐ろしいことだ。収容所の中の音楽生活を描く本書が突きつけるのは、この二重に反転した逆説である。

 アウシュヴィッツにはいくつもオーケストラがあった。収容所には当然ながらユダヤ人が圧倒的に多く、その中には優秀な職業音楽家も稀(まれ)ではなかった。グスタフ・マーラーの姪(めい)のヴァイオリニストもまた、アウシュヴィッツの指揮者をしていた(彼女はそこで病死した)。ナチス親衛隊の中には洗練された音楽趣味を持つ人もいて、彼らは収容者たちのオーケストラに耳を傾け、そのメンバーと室内楽に興じたりもした。そんなとき親衛隊員は意外にも「人間らしく」なることが出来た。また新たな収容者が列車で到着すると、怯(おび)えきっている彼らを落ち着かせるために、ここでも音楽が演奏された。そしてガス室送りになることが決まった人々が、誰に言われることもなく声を合わせて歌を歌い始めることすらあった。彼らは激しく親衛隊員に殴りつけられた……。

 本書の淡々とした記述を前にしては、ただ絶句するしかない。極限状態にあってなお人は、収容者も親衛隊員も等しく、音楽を求める。それはきっと人間的な感情の最後の砦(とりで)なのである。絶対の沈黙に耐えられる人はいない。だが同時にアウシュヴィッツにおいて音楽は、本書の著者いわく、極めて合理的に「絶滅の工程に利用された」。本書を読んだ後ではもはや、「人々を音楽で癒(いや)す」などと軽々しく口には出来ない。音楽がもたらすものの美しさは、通常の世界でのみ許されている贅沢(ぜいたく)品なのである。

(二階宗人訳、みすず書房・4500円)

▼著者は英サウサンプトン大上級専任講師。

コメント

1398- 全く弛緩しない演奏!リング・サイクル抜粋 二日目公演、ロリン・マゼール、N響2012.10.20

2012-10-23 21:23:00 | インポート

2012年10月20日(土)3:00pm

NHKホール
.
ワーグナー作曲 マゼール編
.
言葉のない「指環」~ニーベルングの指環管弦楽集
.
ロリン・マゼール 指揮 NHK交響楽団
.
前日に続いてお邪魔しました。若干時間が長くなったように感じます。
.

ラインの黄金12分
ワルキューレ第1幕4分、第2幕4分、第3幕10分
ジークフリート第1幕3分、第2幕6分、第3幕なし
神々の黄昏 序幕ほぼなし、第1幕14分、第2幕3分、第3幕24分

.
この日も満喫しました。
コンサート・オーケストラによるワーグナーは埃がなくていいですね。ベール一枚取れた感じのワーグナーサウンドで、N響の響きもグイッと上に持ち上げられ引き締まって快適。全く緩みのない、弛緩しないリング。
オケピットから鳴る普通のオケのちょっとふやけた、埃まみれのサウンドとは明らかに異なる。艶やかです。
ワーグナーオーケストラではありませんし、その節まわしが身についているとも言えませんがこのほうがかえって余計なしがらみがない清く正しい鳴りのような。
折り目正しい演奏というのはまさしくこんな演奏のことを言うと思いますよ。N響の特色でもあります。ハイドンとかを聴いているような錯覚。
ここでもマゼールの対応能力が光ります。ちょっと極端ですが、クリーヴランドと同じ方向性で整理整頓すれば答えが出るオーケストラですし。
10月13日のスクリャービンのコントロールから始まったマゼールの棒は、10月29日のチャイコフスキーの4番で開放されるはずです。コントロールと開放、たぶん素晴らしい演奏になるでしょう。
.

それで、この指環なんですが、カミタソのプロローグはちょこっとだけしかでてきませんね、それにジークフリートの第3幕は全くないと思います。人間業とは思えない歌唱をしないといけない幕ですので管弦楽の材料は乏しい。
かたやカミタソのプロローグの方は、なにをやってるのかさっぱりわかりませんよね。
2002年にバレンボイム&ベルリン国立歌劇場が来日して指環を3回敢行するという、世界でもまれな公演を行いました。3回転12楽劇、全部観ましたが、あすこのパイプだらけのノルンとか、あれなんだったんでしょうね。あのプロダクションはクプファーがバイロイトでレーザー光線を使った1988-92年ものではなく、そのあとベルリン用に作ったプロダクションのはずですが、やっぱり冒頭はレーザー光線でしたがw
とにかくあの序幕、意味はわかりますが音楽のわけが分からない。うどん状態のオーディオ配線なみのわかりにくさで、もつれる音楽。あれを通り抜けないとジャーニーも葬送もないし、リング唯一の合唱にもたどりつかない。そして第3幕の抜けるようなホルン、引きずる第2幕、きりがありませんけど。ここはマゼールといえども編曲ではほぼ無視状態で正解かも。
関係ありませんが、あのパイプ・ノルンを見たとき、フィフス・エレメントのソプラノ歌手を思い出しましたね。
.
話しがそれましたが、リングは登場人物、登場神様などあんまり大人数ではないのに、管弦楽だけというシーンはかなり制約がある。それだけずっと歌いっぱなしということなんですね。マゼールとしても編曲では、いっぱいいっぱいでしょう。
この編曲ものは4夜分順番につながっているというところがミソで、管弦楽集断片ものとは別物と考えるべき。派手なところになだれこまないよう巧みに編曲されていると思います。このような曲で一晩の演奏会を持たせるあたりマゼールにしかできない至芸だと思います。
おわり


人気ブログランキングへ

コメント

1397- 縁取り感覚にすぐれた演奏!リング・サイクル抜粋 初日公演、ロリン・マゼール、N響2012.10.19

2012-10-23 20:00:00 | インポート

2012年10月19日(金)7:00pm

NHKホール
.
ワーグナー作曲 マゼール編
.
言葉のない「指環」~ニーベルングの指環管弦楽集
.
ロリン・マゼール 指揮 NHK交響楽団
.
一個の物語を四夜もののオペラにしてしまったワーグナー。いわゆる、このオペラは上演に四日かかるという言い方の方が気張っていて、いいかもしれない。
それをマゼールがワーグナーの書いた音以外の音は使わず、約80分にまとめあげた。 部分的に歌唱をトロンボーンで代用しているところもあったがほぼ全てワーグナー。
聴かせたい対象は誰なのだろうか?という一種名状しがたい部分があるのですが、お初ですし期待に胸ふくらませて第一音を待ちました。
.

ラインの黄金12分
ワルキューレ第1幕4分、第2幕4分、第3幕10分
ジークフリート第1幕2分、第2幕5分、第3幕なし
神々の黄昏 序幕ほぼなし、第1幕13分、第2幕3分、第3幕23分
.

ジークフリートはあまりなくて、カミタソに全体の半分以上をかけているようです。指環の場合、重要な部分にはほとんど声がついていますので、声がない部分で拾える重要シーンといったら、ドーンdawnとラインジャーニー、葬送行進曲、あたりとなり、ここがやはり長くなる。
ラインの黄金とワルキューレで30分、カミタソ40分弱、ジークフリートはつなぎで7分、といったところか。
.

この曲はベルリン・フィルがマゼールに委嘱して編曲されたもののよう。ではどのような人たちに聴かせたくて作ったのだろうか。普通に考えれば指環が未知の人だと思う。熟知している人たちに聴いてもらっても、全部聴きたいという欲求不満が増すだけだし。
でも、知らない人たちへの紹介ということであれば、声を外す必要はなく有名どころをもりつければいいはずなのだが、声を入れてしまうと大がかりになってしまって、費用対効果に疑問符がつくといった別の問題が出てくるのかもしれない。
.
ツイッターで感想を追いかけてみると、全部を聴いたことはないがつなぎがあまりよくない、とか、全体的に焦点が定まらずもやっとしている。といった感想も多い。
指環を知らない人が何をぬかすか、ではなくて、このような感想が一番貴重と感じる。知っている人は極端な話、聴かなくていいし、知らない人たちがどう感じるかが編曲の主旨に適うと思うから。指環に馴染んでもらう為、このような感想を大事にすべきと思います。
せめて声をどこか数か所でもいれれば聴く方の積極性も増すような気はしますが、費用対効果の部分でのデメリットもあるでしょうし、それ以前に、ではどこに声を入れるのか、といわれると、それは、指環は誰が主役なんだ、という話につながってしまい、とりとめがなくなる。折衷案的解決と見ましょう。
また、独立した楽曲として既に有名なもの(ワルキューレの騎行、葬送行進曲、その他たくさん)を一曲ずつ集めた管弦楽集の一夜とは趣きを異にするということも理解の必要がありますね。
ラインの黄金からして有名どころの曲は最後の解決をみず次の幕に移っていく、ワルキューレの騎行さえ途中まで、聴きようによっては感情に激する部分を肩透かし風にすり抜け曲をつないでいく。ユニークです。だから盛り上がりよりもどちらかというとフラットなうねりでどんどん流れていく。そんな感じですね。そう考えると、実は知っている人たちこそ聴くべきではないのか、といったことも頭をよぎります。
.
すみません、非常にまとまりの悪い文になってしまいまして。
.

私自身ワーグナーヲタでなくてリング・サイクルも生では10数回しか観たことがありません、ワルキューレだけでしたらその倍ぐらいは観てると思いますが、いずれにしても精通しているとは言い難く、この編曲で記憶の端々からシーンを思い出せる程度です。
それでもある程度は理解していると思っているので初めて聴く感想のようなものはありません。その上で、
独立楽曲としてではなく、全部つないでいくため局所的には煮え切らないものを感じ、とはいうものの、煮え切るためにはやはり四日間かけた方がいいので、愛とか神とかのストーリーを横に置いて響きを楽しむ、ことに途中からしました。
.
マゼールはこの曲を4日分当然、まるごと熟知していて自由自在にできると思います。その前提で聴くしかない。
この日の弦編成は以下でした。
.
18+16+14+14+12
弦だけで74本です。このうしろにウィンドとブラス、パーカッション、その他鳴り物、大変な数になりました。超ワーグナー編成ですね。
これだけでかいのに張りぼてにならない。ぼて系サウンドにならず引き締まっているところは前週と同じです。マゼールは異常に縦の線を整えにくる指揮者ではないと思うのですが、低弦から高弦にかけて音を積み重ねていくというよりも、それぞれのパートの独立性のようなものを重視した方針で、お互いが主張しあい、そのせいもあってか幾分メタリックなおもむきがあり、低弦さえも心なしか軽くなる。束にすると縦の線はきっちりそろっているなぁ、というところが率直な感想です。
気張らずにそれでいて集中力があるのがマゼールの棒、その通りのN響サウンドになっておりました。
マゼールは若いときに比べて棒の振りが一回り小さくなりましたが、そのしぐさやパート指示など昔と同じく冴えわたっております。
ラインゴールドや騎行の明確な三拍子振り、全楽劇にわたる息の長いシンコペーションのクリアさ!音楽の縁取りがあまりにも明快すぎる。マゼールは例えばチャイコフスキーの2番の交響曲のように細かいビートの曲は大好きなんでしょうが、それだけではなくワーグナーのように息の長いリズムもからだ全体で感じ表現できる、ここらへんがすばらしい。
ご本人だけフィーリングがあってもはじまりません、マゼールの場合オーケストラプレイヤーが同じフィーリングになっていくあたりがさらに素晴らしいんです。
今回も演奏については文句のつけようがありません、編曲のスタンスが今一よくわからないところがありますが、個人的には十分に楽しめました。
おわり
.

【付記:曲の説明】
ワーグナー(マゼール編)
言葉のない「指環」~ニーベルングの指環 管弦楽曲集
.
オペラにおける「聴きどころ」を歌劇場以外の場所で演奏するためには、かならず何らかの工夫が必要となる。番号オペラであれば、アリアや重唱、序曲や間奏曲は独立していることが多いので、演奏会で披露するためにはその部分だけを抜き出せばよい。だが、歌、オーケストラ、そして演劇が一体となった「総合芸術」を志し、無限旋律によって自らの理想とする「楽劇」を追究したリヒャルト・ワーグナー(1813?1883)の後期作品の場合は、その音楽を無理に裁ち切り、新たな終結部を作る必要に迫られる。
 もっとも、作曲家自らがその目的のために手がけた加筆が、必ずしも成功しているとは限らないのが興味深いところで、ワーグナー自身が《トリスタンとイゾルデ》第1幕の最後に付け足した演奏会用終結部が、現在演奏されることはめったにない。単に終結部を作ればよいというものではなく、音楽が醸(かも)し出す作品世界を毀(こわ)さぬよう、特段の配慮が求められるのだろう(同作の場合は、前奏曲にそのまま第3幕最後の〈愛の死〉を繋げるという最高の解決策があったことも大きい)。
 上演に4夜を要する、ゲルマン神話に題材をとった超大作《ニーベルングの指環》の場合も、事情は同じである。現在、歌劇場以外の場所でこの作品の断片を聴けるのは、超有名曲となった《ワルキューレ》の第3幕冒頭〈ワルキューレの騎行〉を筆頭に、《神々のたそがれ》から〈ジークフリートのラインの旅〉〈ジークフリートの葬送行進曲〉などに限られており、オーケストラだけの見せ場に乏しい《ラインの黄金》《ジークフリート》の断片が演奏される機会はめったにない。
 指揮者としてだけでなく、自らも作曲の筆をとり、ジェームズ・ゴールウェイに委嘱された《フルートと管弦楽のための音楽》、ロストロポーヴィチに委嘱された《チェロと管弦楽のための音楽》、そしてジョージ・オーウェルの同名の小説をオペラ化した《1984年》などの作品を手がけてきたロリン・マゼール。1987年、マゼールはベルリン・フィルハーモニー管弦楽団から編曲の委嘱を受け(逡巡した末にようやく引き受けたという)、指揮者・作曲家という両方の視点から、ワーグナー作品の編曲にまつわる問題を克服しようと試みた。マゼールは、この管弦楽曲を編むにあたり、以下のような4つの方針を掲げている。この方針からは、マゼールが《指環》という壮大な作品に対する、そして作曲家ワーグナーその人に対して抱いている尊敬と愛情が透けて見えるようにすら思われる。
.
1:全体は自然に、切れ目なく続いていくようにせねばならない。そして、物語の筋に沿い、《ラインの黄金》の最初の音に始まり、《神々のたそがれ》の最後の音で終わらねばならない。
2:曲のつなぎ目は、和声の面からも、時間配分という面からも正統的で不自然にならないように、そして曲同士のテンポの対比も、作品全体の長さと釣り合いの取れた状態にせねばならない。
3:もとの作品のうち、「声楽なしで」書かれた音楽はそのほとんどを使う。歌のある部分で、欠くことのできない重要な旋律は加えるが、その箇所は、歌の旋律が他のオーケストラの楽器で重ねて演奏されていて、聴き手がその歌を「想像できる」部分か、(稀なケースではあるが)完全に楽器で置き換える部分とする。
4:すべての音符は、ワーグナー自身が書いたものだけに限る。

 上記の通り、オペラの筋書きに沿って、その順番通りに抜き出された各部分は休みなく演奏される。この各部分には以下のような標題が付けられており、これを見るだけでほぼ筋書きもわかるように工夫されている。新たにつけられたタイトルに関しては、( )内にマゼールが実際に抜き出した箇所を便宜的に補った。
.
《ラインの黄金》
 ・かくして、ライン川の〈緑あやなすたそがれ〉が始まる(序奏)
 ・神々の城への歩み・ワルハラ城への神々の入城(第2場冒頭。正確には眠りから覚めたウォータンが完成したワルハラ城を妻フリッカと眺める場面)
 ・地の底へと潜ったこびとたちが鉄を鍛える(第2場から第3場への場面転換音楽)
 ・雷神ドンナーが槌(つち)を振り下ろし、喉(のど)の渇きを覚えたジークムントが這(は)いつくばりながら、(たまたま)竈(かまど)のそばにいるジークリンデに水を求める(前半は第4場幕切れ近くの同場面。後半は《ワルキューレ》第1幕の前奏曲後半およびそれに続く同場面より)
.
《ワルキューレ》
 ・〈響きの暗号〉のうちに、ジークムントの愛の眼差(まなざ)しを「見る」我ら(前場面より続く)
 ・ジークムントとジークリンデの逃避行(第1幕幕切れ)
 ・ウォータンの怒り(第2幕前奏曲と幕切れ)
 ・ワルキューレ(ブリュンヒルデの妹たち)の騎行(第3幕第1場冒頭)
 ・ウォータンと、その愛する娘ブリュンヒルデとの別れ、ウォータンの別れと魔の炎の音楽(第3幕第3場後半より幕切れまで)
.
《ジークフリート》
 ・ミーメの「怖れ」(第1幕第3場冒頭から前半)
 ・魔法の剣を鍛えるジークフリート(第1幕第3場幕切れ。正確には鍛えた剣の切れ味をミーメに見せる箇所。ジークフリートの歌唱部分がトロンボーンで加えられている)
 ・ジークフリート、森をさまよう、森のささやき
 ・大蛇を退治
 ・大蛇の嘆き(以上3箇所、第2幕第2場)
.
《神々のたそがれ》
 ・ジークフリートとブリュンヒルデの情熱を包む朝焼け(序幕後半)
 ・ジークフリートのラインの旅(序幕から第1幕への場面転換音楽)
 ・家臣を招集するハーゲン(第2幕第3場)
 ・ジークフリートとラインの乙女たち(第3幕第1場)
 ・ジークフリートの葬送行進曲(第3幕第2場から第3場への場面転換音楽)
 ・ブリュンヒルデの自己犠牲(第3幕第3場後半から幕切れまで)
.
 わずかの例外を除き、マゼールは一音符もワーグナーの総譜を書き換えることなく、見事な手腕を駆使してみせた。そのお陰で、本編曲は初めて《指環》の世界に触れる聴き手にも、そして作品を熟知した聴き手にも、どちらにも違和感なく受け容れられるような完成度を持つに至る。1987年にベルリン・フィルハーモニー管弦楽団とこの作品を初めてともに演奏して以来、この編曲がいわば《指環》管弦楽曲用編曲の「定番」としての地位を得たのは、まったく不思議なことではない。編曲者自らの指揮によって聴くことによって、その説得力はいや増すことだろう。
.
作曲年代:原曲:1848年~1874年、マゼール編曲:1987年
初  演:ワーグナー《指環》全曲初演:1876年8月、バイロイト。マゼール編曲:1987年12月、ベルリン。
.

 


人気ブログランキングへ

コメント

1396- ピーター・グライムズ 千秋楽 新国立2012.10.14

2012-10-17 22:47:00 | インポート

2012年10月14日(日)2:00pm
オペラパレス、新国立劇場
.
ウィリー・デッカー プロダクション
.
ブリッテン ピーター・グライムズ
.
ピーター・グライムズ スチュアート・スケルトン
エレン・オーフォード スーザン・グリットン
バルストロード船長 ジョナサン・サマーズ
アーンティ キャサリン・ウィン=ロジャース

.
新国立劇場合唱団
リチャード・アームストロング 指揮
東京フィルハーモニー交響楽団
.
プロローグ+第1幕:1時間
インターミッション:30分
第2幕:50分
第3幕:40分

タイトルロールという言葉にあるように、オペラには主人公の名前をただ持ってきただけというのがたくさんある。
だいたい名前とオペラのイメージは慣れるほどに一致していくのだが、今回のピーター・グライムズのように、見事なパフォーマンスを行なってくれると、自分の頭の中にもしっかりと定着できるようになった。素晴らしいものでした。
特に第2幕結尾、第3幕結尾の緊張感はただものではなく、一面、休憩がない分、90分の緊張を保持するのに疲れもありました。まして、メロディックな節もないし、いわゆるドラマですから。
新国立がこうなのか演出家のプロダクションや考えでこうなっているのかよくわかりませんけど、インターミッションなく幕をつないで上演する傾向があるのではないでしょうか。
今回のPG上演では単に緊張感に疲れるというだけでなく、ドラマの内実における緊張感の質が異なるものを矢継ぎ早に出されてきて、ブルックナーだってゲネラル・パウゼをいれるじゃないか、と文句の一つも言いたくなる。自分の中でストーリーにおける位相の転換対応がうまくできない。
.
プロローグ+第1幕:1時間
第2幕+第3幕:1時間半(場面転換4つ)
.
大雑把というか、中身のことをあんまり考えていないというか、休日の2時からはじめてそんなに先を急いでどこに行く。
これって世界的傾向なのかな?以前のメトでは例えばフィガロの結婚でもきっちり3回休憩取っていました。舞台転換以上のメリハリ感が出て、今我々はどこのシーンにいるのかといったことがよくわかる。
椿姫では25分の第1幕の後、40分の休憩があり、幕前に予約したメシを食べるとか、そもそも第1幕と第2幕第1場ではこれだけの休憩が是非とも欲しいものだと納得したりしていたものなんですが、当節、バタバタしはじめているのかしら?
新国立はグランドフロア以外は猫の額で窮屈。あまり動かれたくないとう作戦もあるのかな?そんなことはないよね。飲み食いしてくれた方が商売になるし。
とにかく今のやり方には反対です。というのをアンケートに書いたがどうなんでしょう。
.

何が答えなのかわからないオペラ、どちらに肩入れするかでだいぶ違うのではないか。自分の感じではグライムズ寄りというか、正常性が強調されていたように思えました。第2幕終結部のように演出での強調的効果もあると思います。結果、グライムズの独白が嘘なら物語は成り立たないと思いますし。ただし精神の病とか偏狭な性質(たち)であるならば、まわりの人たちの演劇的要素がもう少し強調されてもいいですね。彼の独白につられる自分が怖い、そんな部分もたしかに有りました。
観る人聴く人によってドラマが四方八方に広がっていく拡散系のオペラ。
ドラマ仕立ての展開はムソルグスキーのボリスやホバンシチーナを感じさせるし、全体の雰囲気はポーギーとベスに近いものがある。特に嵐のキャットフィッシュローの雰囲気は相似性を感じる。(メトの舞台では舟のしかけがでかかったが)
白黒のモノトーン的な舞台は殺風景で、いくら村人の踊りなどといってもそこには寂しさしか感じられない。そのわりには生活感もあまり感じられない。音のざわめきが心の安定しない心象風景を見事に表している。ポーギーとベスでは帆が心の不安定さを出していたと思う。
.
立役者はスケルトン、独り舞台の歌舞伎技のようでもあると思ったのは終わってからですけど、役に激しく思い入れがあり、歌唱と動きに一体感がある。ドラマのツボを心得ている。演技とは思えないぐらいの切迫感。ゆるんだのは終わってから。役とは違って明るい。ここで明るさが出てももう舞台は終わっている、気持ちの転換やコントロールお見事!
.
合唱は特に弱音が非常によくコントロールされていて、ざわめく様子がよく表現できていたと思います。ざわめき、終始一面の不安感です。この雄弁さにオーケストラは敵わなかった。このオペラの理解には少し遠い。もっと言葉のような音楽を吐けたのではないか、指揮者のアームストロングはおそらくこのオペラのオーソリティだと思うが、音楽の中身を、未体験のオーケストラに移植するところまでは至っていなかったと思います。どうすれば今回の合唱のように線は一本通っているのに妙にざわめく微妙な表現をオーケストラから音として引き出せるのか、難しいですね。友禅流しのようなうねりのサウンド、決して潰れない、流れているから。
このオペラ、休憩いれてもやっぱり3時間で終わるような代物ではありませんね。
.
はじめてPGを見たときの感想はこちら。ものすごいキャストです。
マッサラでいくとこうなるピーター・グライムズMET1983.10.29

おわり


人気ブログランキングへ

コメント (2)

1395- ロリン・マゼール、キュッヒル、N響、スクリャービン法悦の詩、チャイコフスキー組曲第3番、グラズノフV協、2012.10.13

2012-10-16 20:49:58 | コンサート

2012年10月13日(土) 6:00pm  NHKホール


チャイコフスキー 組曲第3番

グラズノフ ヴァイオリン協奏曲イ短調Op82
  ヴァイオリン、ライナー・キュッヒル

(アンコール)
バッハ 無伴奏パルティータ第2番BWV1004よりサラバンド

スクリャービン 交響曲第4番 法悦の詩


ロリン・マゼール 指揮 NHK交響楽団


マゼールのN響登場初日公演です。


マゼールには棒がよく似合う。
マゼールの腕や頭から、全ての音符やスコアが丸ごと、N響メンバーに照射されていくよう。理知的な太陽の光が全てを明るくする。
譜面台不要で全ての楽器に隈なく指示していく様は昔から同じだが、やり過ぎはなくなり彼にしては本当に必要にして最小限の動きとなっている。1930年生まれだから全部アンビリーバブルではあるけれど。

ズービン・メータは3.11後のN響との第九演奏ではことが事だっただけに感銘深いものがありました。でも内実はN響の燃え上がらない雰囲気に不満があったようだ。演奏中というよりも練習の段階で既に少しツンとしていると思ったようだ。気持ちが本当に一つになれない、何かがなければ一つになれない、若干気持ちのズレがあったようだ。N響にしてみれば特に変わったことをしているわけではなくで、一見するとツンとすましたように指揮者によってはみえるだけなのかもしれない。
双方変えようがないわけでメータから見ると早い話「あまり好きになれないオーケストラ」だったんだろう。繰り返しますが、演奏自体はことが事だっただけに感銘深いものがありましたけれども。

こうゆうことは多かれ少なかれ知ってはいるが、マゼールが相手だとうまくいくだろう、とうすうす感じていた。マゼールの場合、N響メンバーで誰一人あらゆる面でこの指揮者の上を行く者はいないだろうということを自分たちが肌で感じることの出来る数少ない指揮者のうちの一人だろうね。それも屈辱感なく屈服させられていい指揮者。
こうゆう場合のN響は従順にも力を出す。
また演奏後の日本の奇妙な習慣、プレイヤーが指揮者をオヴェイションし、それを聴衆が崇め奉るといった、金をもらっている者同士が称え合い、金を払っている方が彼ら双方に這いつくばる、お金だけで計れる世界ではないんでしょうけど本当に奇妙な風景ですが、マゼールの場合、媚を売るオケなんかあんまり関心ないというか窮屈、そんな感じ。要は大人の関係ですよ。


チャイコフスキーの組曲第3番は40分を越える大曲。
弦の数がびっくりする大人数で、結局後半2曲目のスクリャービンと同じ。
16+14+12+12+10
でもベースが10本鳴っているのにグィーンとこない。ほかの弦と同じように整理整頓され非常に丁寧に鳴っている。弦64本の整理のされ具合は今まで聴いたことのないもの。
やにっこさも抑制されている。練習不足でこうなったという雰囲気はない。第3,4楽章では抑制から開放された時の響きを実感。垂直的な練習と実演での水平的なプロセスの開放。音楽はこのようにして流れていかなければならない!マゼールの力。
抑制と開放が、弛緩することなく流れる。
ウィンドとブラス、パーカッションもコントロールされ、汚れは皆無。弦の奥からやや硬めに響く。立体的で奥行き感とニュアンスが最高。
素晴らしい演奏でした。
10月29日のNHK音楽祭で鳴るはずのチャイ4はもはやその名演が約束されたも同然。


後半最初の曲、グラズノフのヴァイオリン協奏曲、ライナー・キュッヒルの独奏。意外な選曲のように感じた。たぶんいろいろなところで演奏しているんだろうけど。今、ウィーン国立歌劇場が来日公演を行なっているのでその間での出演といったところかな。
キュッヒルのヴァイオリンは自己主張を思いとどまりウィーン・フィルという極致のアンサンブルに溶け込んでこそ力を発揮するのであろう。そういう意味では、一人よりも、アンサンブルの中で、二人以上の力をだす。実力と伝統、演奏スタイル。技量を隠してオーケストラという個体に溶け込む。
アンコールの独奏における、過度な表現を避け、角がない響、ウィーン・フィルではないですか。
伴奏演奏は一曲目同様メリハリが効いていて、折り目正しく端正でモヤモヤしていない。見通しの良いもの。このようなグラズノフなら聴いてみようと思います。


後半2曲目のスクリャービンの4番。これは3番のように調性を思いっきり響かせる50分の大曲とは、かなり異なる。調性が感じられない。かといって12音階風でもない。いわゆる神秘和音ということだと思いますが、それであればこのあとの5番の方が個人的には馴染める。
ということでこの4番自体、響きがかなりやにっぽい。この曲がマゼールのレパートリーになったのはいつのことだろう。少なくとも昔は演奏していなかったと思う。というかスクリャービン作品の演奏そのものを知らない。(あるな思い出した、4番とアシュケナージのピアノで5番、ピアノ協奏曲。)

マゼールの生は1974年のクリーヴランドとの来日公演以来、たくさん聴いているが、実演でスクリャービンを聴くのはおそらく初めて。
一言で言うと、このやにっこい曲を整理しつくし、非常に見通しの良いものにした。フレーズの切り方、アクセントの置き方、ポイントになるところは全てメリハリ良くし、モヤモヤ感は皆無となった。なんだかグラズノフと同じような感想になりましたけれど、N響の整理され具合が尋常ではない。
むしろ軽くなったとさえ思えるN響サウンドは、ドイツ指揮者のもとでときとしてみせる引きずられるような鈍重な具合もない。遅く出るオーケストラの意味を理解し熟知し、掌握したマゼールならではの分解的解釈。練習では一度、空中分解させてから曲を再構築していったに違いない。プレイヤーから先入観を取り払い、そこから始めた。従ってこの構築美はマゼールのものであるかもしれない。彼以外でこのようにN響をコントロールできる指揮者はこの時代、他にいない。
聴きようによってはマゼールの範囲内でのオーケストラの自発性ということになるかもしれない。普通に聴けばそれで十分。コントロールからの本来の開放は10月29日あたりまで待たないといけないかもしれない。
その間、N響定期をたくさんこなすのでいい具合になっていくと思います。
おわり

 

コメント

1394- メトから来るのは寄付の催促とブックマークだけ。(ラジオ放送とライブヴューイング2012-2013)

2012-10-10 00:43:33 | met

メトから送られてくるのは、寄付のお願い。

Scan10639

おまけは、ブックマーク(笑)。

このブックマーク一応少し役立ちます。

表には、毎週土曜マチネーのブロードキャスト・スケジュール。(ラジオ生放送)

そのうち、ライヴヴューイングされるものもわかるようになってます。

裏は、ライヴヴューイング・スケジュール。

ブロードキャストは23回。

ライヴヴューイングは12回。

Scan10640_7



Scan10641_13




人気ブログランキングへ

コメント

1393- 東京フルトヴェングラー研究会、2012年末までのスケジュール、その他出版物等の連絡

2012-10-06 20:35:02 | ニュース

箇条書きしておきます。
.
●2012年年末までの活動スケジュール
10/5(金)第73回 読書会「Fの手記」(邦訳P202-205)
10/19(金)第4回 文献購読「フルトヴェングラーとイギリス」(ロジャー・アレン)
11/2(金)第74回 読書会「フルトヴェングラーの手記」(邦訳-P209)
11/9(金)第5回 文献購読「フルトヴェングラーと手記の意義について」(J-J.ラパン)
.
11/23(金祝)第2回東京フルトヴェングラー・フォーラム
(会場:大久保・学生の家)
「ワルター(没後50年)とフルトヴェングラー」
講師:宇野功芳
ワルターとFの弦楽四重奏曲の初演あり
(*詳細は下欄参照)
.
11/30(金)第53回ゼミナール「命日特集」
(彼の命日を音楽と言葉で追悼します)
12/7(金)第75回 読書会「Fの手記」(邦訳-P213)
12/14(金)第6回 文献購読「Fの作曲家としての自己理解」(G.ビルクナー)
12/22(土)第54回ゼミナール「Fとベートーヴェン」(8)《フィデリオ》
.
●研究会特製
『フルトヴェングラー・卓上カレンダー』
(2012年10月~翌年9月)
専用スタンド付き。
.
●新刊書のご案内
『エリーザベト・フルトヴェングラー 101歳の少女』
クラウス・ラング 著  野口 剛夫 訳(発行:芸術現代社)
.
現在101歳のエリーザベト・フルトヴェングラー夫人に関する書籍が、邦訳刊行されました。
前半はラングによるロング・インタビュー、後半はフルトヴェングラー夫妻の出会いから夫の死まで続いた往復書簡が収録されています。
研究会の賛助会員と研究員には2割引の2,400円で。
.
●舞台「テイキング サイド」公演のご案内
1998年劇団民藝で上演された舞台「どちらの側に立つか」が、原題にならい「テイキング サイド」として、来年2月、天王洲 銀河劇場で再演。
今回の新しいカンパニーでの上演は、演出に、映画「世界の中心で、愛をさけぶ」などの映画監督、行定勲。主演のアーノルド役には筧利夫。対するフルトヴェングラー役には平幹二朗。共演には、福田沙紀、小島聖、小林隆、鈴木亮平、と魅力的な俳優陣が揃いました。詳しくは.

http://www.gingeki.jp/special/takingside/index.html
.
かつて東京フルトヴェングラー研究会は、劇団民藝の上演に刺激され、東京フルトヴェングラー・フェスト2002において、シナリオの朗読会とシンポジウムを行いました。
この度の意義ある再演を協賛したく考えております。
賛助会員と研究員は、主催者のご厚意により、定価9,000円のところ、2割引の特別割引価格7,200円で。ご購入は各自でしていただきますが、ご希望の方は研究会までご連絡をお願いします。特別割引の方法をお知らせいたします。
.
●月刊「音楽現代」10月号(芸術現代社)のフルトヴェングラー特集
クラウス・ラング著「エリーザベト・フルトヴェングラー 101歳の少女」の刊行に合わせて、「音楽現代」誌上ではフルトヴェングラー特集が組まれました。
そこに収録されている論説『フルトヴェングラーを超えて』(野口剛夫)、
ロング対談「フルトヴェングラーの人間と音楽」(宇野功芳、野口剛夫)
.
●東京フルトヴェングラー・フォーラム11月23日
2回目を迎える振弁=フルヴェン・フォーラム。
今年没後50年を迎えたブルーノ・ワルターとフルトヴェングラーの関係について、思想面や音楽面などから皆さんで考える。
前半のシンポジウムでは宇野功芳氏(音楽評論家・指揮者 当研究会名誉会員)をお招きし、存分に語っていただきます。
著書や評論ではおなじみでも、氏の肉声に触れる機会は滅多にない貴重な機会と思います。
後半では、ワルターとフルトヴェングラーの作品演奏をいたします。
.
ブルーノ・ワルター:弦楽四重奏曲(第2-4楽章 初演)
フルトヴェングラー:弦楽四重奏曲(初演)
演奏:東京フルトヴェングラー弦楽四重奏団
.
他にも珍しいフルトヴェングラー作品の楽譜、書籍、CDなどの展示、即売もあります!
席数100限定ですので、お早めに研究会までお申し込み下さい。
終演後はパーティーもあります。
.
●東京フルトヴェングラー研究会管弦楽団 第30回記念定期演奏会(12月15日)
ブルーノ・ワルター:序曲(没後50年記念 世界初演)
ベートーヴェン:ピアノ協奏曲第5番 変ホ長調 作品73《皇帝》
シューベルト:交響曲第9番 ハ長調 D.944《グレイト》
ピアノ:シュテファン・メラー(ヴィーン国立音大) 指揮:野口 剛夫
.
ワルターの14歳の作品である「序曲」は、ヴィーン国立音大図書館から楽譜の提供を受け、清書と校訂をし、パート譜を作成して演奏されます。


東京フルトヴェングラー研究会
http://www.kt.rim.or.jp/~otakesan/furt.htm
.

コメント

1392- スーパー・コーラス・トーキョー、嘆きの歌、インバル、都響、ジークフリート牧歌2012.10.3

2012-10-03 22:30:40 | インポート

Music Weeks in TOKYO 2012
2012年10月3日(水)7:00pm
東京文化会館
.
ワーグナー ジークフリート牧歌
.
マーラー 嘆きの歌
.
ソプラノ、浜田理恵
メゾ、小山由美
テノール、福井敬
バリトン、堀内康雄
合唱、スーパー・コーラス・トーキョー
エリアフ・インバル 指揮 東京都交響楽団
.

今年の5月にアルミンクの棒で聴いたときはよくわからなかった嘆きの歌ですけれど、今回もあまりよくわからず。煮え切らない曲で、インバルの棒さばきがいくら良くても限界が見える。
インバルの棒は明確で(昔から)、主旋律と主律動を強調し曲のアウトラインを浮き彫りにする。対旋律とハーモニーの強調はあまり見えない。ハーモニーの音塊をまとめて主旋律的に扱うということはあるかもしれない。
棒の振り方もその自分の主張の理にかなっていて、確信をもってアウトラインを振りぬく。巨大サウンドが生理的快感のようにすっきり響くわけですが、それはこちらの思っていることであって本人はちょっと違うこと考えているのではないかなぁ、というのは2010年に復活を聴いたときの感想に書いてます。
.
嘆きの歌は、マーラーの主要作品に比べたら雲泥の差で、流れがぎこちないし、鳴りもいいとは言えない。ほぼひとつの主題が鳴り続けているのはリストのファウスト交響曲みたいなところもあるが、でもあのような奇天烈な面白さはない。
カンタータということを思い返し、字幕を追いながら聴く方が頭の中にドラマを作り上げイメージ化していける、そこらへんまでは出来そうです。
極度の美化はよくなくて、どんな曲でもどこか少なくとも一か所ぐらいはいいところがあるだろう、というのは長い駄作オペラでも言えることだとは思いますが、そのようなところだけクローズアップして美化しすぎるのはどうかと思います。プログラム解説にはインバルもしっかりと書いておりますが、あれは表面(おもてづら)的なところがあるなぁ。と、思うのです。
インバルのしたいことは端的に言うと、自身の感覚で、同時代の音楽を、聴衆に迎合することなく、振りぬく。彼の流布の意味はそうあったと思っております。そういうことをやり終えて今、自在に振っているということはあるかもしれませんが。
.
第1部初稿24分
第2部最終稿16分
第3部最終稿17分
.
初稿と最終稿のハイブリッド版で合計1時間かかっておりません、部ごとのテンションの高さとデューレーションの長さは比例しているというか、一致をみておりバランスはいいと思いました。インバルはなぜ混ぜたんでしょう。作った順序、改訂した順番、その時々の時点のものを順序良くやりたかった、流れのセンテンスでやりたかったのではないでしょうか、同時代に生きていなかったことが悔やまれる、そんなところかな。
嘆きの歌はDas Klagende Lied、英語だとSong of Lamentationだそうです。悲劇の結果よりも、そこに至る悲嘆のドラマですね。第3部の唐突なエンディングが効果的であるのかどうか、もし効果的であるのならば、そのような効果的な作為、考えの実現は、悲嘆プロセスの部分に生かしてほしい。第1部の弟殺しの表現の幅のなさ、第2部の骨で吹く、あのあたりで劇的効果を出してほしかった。曲にケチをつけても今更はじまりませんけど、ワーグナーなら弟殺しは第2部に位置付けるような気がしますね。
インバルはこの曲を魅力的に語らないといけません、大変なご苦労なことだと思います。最初に書いた通り、インバルは自在に振り、何が一番素晴らしいかというと、棒にダイレクトに反応するオーケストラです。これだけ反応がいいと、指揮者の曲への理解の深さとオーケストラの表現の幅が見事に一致し、濃度の高い演奏が実現される。このコンビの絶好調さ加減がわかるというものです。
ウィンドとか鳴り物とか聴いていると、インバルが同時代に生き、この曲のインクが渇く前に、誰も手をつけない状態で、自分が一番最初に音化したかったのではないか、そうすれば既成概念なく大胆な響きでホールを満たすことができたのにと思っているかもしれません。ここらたりが、聴衆とご本人のズレだと。誰も何も悪くありません、最上の響きでした。
スーパー・コーラス・トーキョー、記念公演にしては渋すぎる難曲を選んだというところで、棒がインバルというあたりがみそでしょう。
いわゆるカンタータという扱いで、ソリスト4名はいってます。合唱もソロも、歌がほぼぶつ切り状態と言いますか、歌ったとたんに終わる。ドラマよりもシチュエーションの説明であり、やっぱり物足りない曲。ですので、どうだったのかよくわかりません。破たんはありませんでした。
.
前半のジークフリート牧歌。18分
大人数で演奏されました。弦の準備体操のようで。
スタッカート風な弦の立ち上がりに特徴があるような気がするが、それ以上にどうかというところは特にありません。
おわり


人気ブログランキングへ

コメント