吉嶺史晴のブログ

リコーダー奏者吉嶺史晴のブログです。演奏活動ならびに鹿児島市で音楽教室を運営しています。

本能的になる 動物的になる

2015-09-28 | リコーダー奏法

その時々で必要なものは他人から教えてもらえない時には自分でそれを見つけるしかない。
自分で自分を育てるというのはそういうことだ。

自分に必要なものがどこにあるのか、それは何なのか、ということを自分自身で見つけ出す能力。
本能的であること。
動物的であること。(へんな意味ではなくて)

理想の音と現実の音

2015-09-28 | リコーダー奏法
理想の音と現実の音には隔たりがあります。
その隔たりが比較的大きい時、そして比較的少ない時があります。

問題は比較的大きい時です。
毎日レッスンを受けられるというようなことは現実として有り得ないので、自分で自分を育ててゆく、というような態度が必要です。
すごく変な音が出ても、的外れなことやっても、やる気ない時も、どんな時でも自分で自分を育てるという態度です。

良いレッスンは音楽的な情報を伝えるとか、基本的な奏法を解説するということに加えて、そのレッスンを受けることによって生徒がもっとやる気を出すようなそんな効果があります。

何らかの事情があってレッスンを受けにくい環境にある時は自分で自分にレッスンをする、そんな在り方が可能です(ただしその楽器奏法ついての基礎的な理解があること、その楽器のレパートリー、様式についての理解があることが必要です)別の言葉でそれを「練習」と言います。

人間の気持ちというのは時と場合によってどんどん変化するので、やる気ない状態がいつまでも続くということはありません。


目の前に楽譜を置いて、楽器を持って座るだけ

2015-09-28 | リコーダー奏法
とにかく強気で練習しなければいけないのですが、「練習」という言葉の定義を必要に応じて、変化させることが有効になる場合があります。

普通は練習というと、与えられた時間をフルに活用して最初から最後までなるべく音を出し続けて、しかもなるべく音楽的になるように心がけますが、体調、技術的なこと、楽器の調子など、様々な要因でそのようなかたちをとることが出来ない時があります。

その場合にはとりあえず、「目の前に楽譜を置いて、楽器を持って座るだけ」ということにします。
人間はラクなほうに流れる傾向があります。
このような状況だと、ただ音を出さないで座っているよりも音を出している方がラクなので、とりあえず持って居る楽器で目の前にある楽譜の音を出そうとします。

すぐに音楽的な音にならずとも、とりあえず音を出すということが最終的な目標である音楽的な演奏を出すことにつながります。

音を出す度に良くなる楽器(技術的な事柄)

2015-09-25 | リコーダー奏法
新しい楽器は音を出す度に良くなる感じがあります。
だいたい一度に音を出すことが出来る時間は限られているのですが、それを終えるとしばらく楽器をやすませてまた音を出します。この間隔は楽器によって違います。

新品の時から、ある程度長時間音を出せる楽器と、そうでない楽器があるので、そこのあたりを見極めながら慣らしをします。
楽器によって差がありますが、ウィンドウェイの天井部分とブロック部分ではやはりブロックのほうの動きが多いと感じることが多いです。ブロックが限界点まで膨張して高くなりすぎると、空気がエッジのポイントにあたらなくてスカスカの感じの音になります。普通はそこまで慣らしの段階で音を出すことはなかなかないと思いますが、慣らし期間を終えた楽器であっても、スカスカの音になって来たり、全体に鈍くて、つまった感じの音になって来たら限界です。

楽器によってはいったん限界を超えるまで音を出して、その後やすませてから何回か限界を超えるまで音を出すと効き目のある楽器もありますが、これは積極的な音を作るという意味では有効ですが、一歩間違えると、楽器にダメージがあるので一般にお勧め出来る方法ではありません。

通常は限界の前の時点ですみやかに音を出すのをやめるということを繰り返すのがうまく楽器を慣らすこつです。

リコーダーの「慣らし」について(技術的な事柄)

2015-09-25 | リコーダー奏法

新品や、しばらくの間使っていなかったリコーダーは「慣らし」をする必要があります。
急激に水分が入って、ウィンドウェイの形状が変形してしまうのを防ぐためと通常は考えられています。

しかし、ウィンドウェイの形状が変形することを逆に自分好みの音作りの手段とするという方法もあります。
たとえば新品の際に、ちょっとブロックの高さが低めだな、という楽器の場合には、新品の状態であるにもかかわらず買ったその日、また次の日あたりに連続して2時間、あるいは3時間音を出し続けるということをやります。

このようなことをすればブロックに急激に水分が入ってブロックが膨張したまま、もとのサイズに戻らなくなります。楽器によっては意図的にこのような作業を施して、奏者の好みのブロックの高さにする、というような方法もあります。

場合によってはそのような作業を施してから、かなり近い時期に製作者のもとでブロック、および天井付近を削りなおしてもらうこともあります。もらわない場合もあります。意図的にブロックを膨張させてブロックが最終的に落ち着いた形状がその奏者の音色と合致する場合には、この状態がなるべく保たれるようにします。

経験の浅い人はこのようなことを行うべきではありません。通常の取り扱い説明にあるように次第に音を出す時間を長くしてゆくという方法をとるべきです。

新品の場合は特に、低い音域でたっぷり鳴るような癖をつけてゆくことが重要です。
アルトリコーダーの場合だと、最低音から3度上のラの音くらいまで。
稀にしか起きないことですが、楽器によっては「ぶるぶる」と震える状態を通り越して、さらに息を吹き込むと、まるでルネサンスリコーダーのような強烈な鳴り方をする場合があります。
これを望ましい状態とするのか、それとも、望ましくないこととするのか、という判断の違いによって、その鳴りかたでさらに癖をつけてゆくのか、それともそうでないのか、という方向性が定まります。

いずれにしても低い音域でたっぷり鳴るような楽器にする、ということがある程度、達成されることが大事です。
これは新品の状態の楽器を慣らす段階で行うべきことです。

ウェインドウェイに水がたまりにくい楽器としての癖をつけることも大事です。
慣らしの段階でこのような癖をつけてゆきます。

上に書いたような事柄はいずれにしても、理想的にはある程度の経験を積んだ奏者が入念に行うべきことです。
「慣らし」の段階でその楽器の個性はかなりの割合で定まってしまいます。

「慣らし」が成功した楽器ならば10万円の楽器なのに数倍もの価値を持たせることができますが、そう出ない場合は10万円の楽器に大きなダメージを与える場合も起こることがあります。


*ただし前者のように劇的にリコーダーの価値が上がるような場合はあまり起きません。新品の時点において、意図的にブロックを変形させるような積極的な慣らしをすることに意味があるような楽器であることが必要だからです。慣らしをしようとする奏者はそのような楽器であることを、見抜いて、それに見合ったような慣らしをする必要があります。

この場合、楽器の状態を見極められるだけの経験が奏者に備わっていることが必要です。
普通は取り扱い説明書にあるように、次第に音を出す時間を長くしてゆくやりかたが妥当です。


「溶け合う音」と「溶け合わない音」(技術的な事柄)

2015-09-22 | リコーダー奏法
この間、三重奏の練習をしたのですが、その際に気がついたことがありました。
リコーダーには「溶け合う音」(良い意味で)、そして「溶け合わない音」(文字通り、良くない意味で)があります。

アンサンブルの際には「溶け合う音」がまず基本です。
それは別の言葉で言えば「和音の一部を構成するためにふさわしいクオリティを備えた音」という意味です。

そのような音を出すためには、まずリコーダーアンサンブルで「和音」というものがどのようなものかということを認識できている必要があります。
「溶け合う音」イコール「ヴィブラートのない音」という意味ではありません。

そのような表面に起きる現象よりもまず、その奏者がどのような認識を持っているのか、ということが重要です。音楽は最低二人いなければ学習できません。

それは何よりもまずアンサンブルひいてはコミュニケーションということが音楽を作る上で最重要だからです。

我慢大会みたいな練習(技術的な事柄)

2015-09-17 | リコーダー奏法
アンサンブルではなく一人で練習している際にはアンサンブルでは通常やらないような練習方法もとることが出来ます。
そのひとつは「我慢大会みたいな練習」です。

音楽的な表現はとにかく置いておいて、ひたすら遅いテンポで繰り返し同じ曲を練習するようなものです。
同じものをひたすら繰り返すというのは通常は「頭を使わないで済むようなそんな練習はダメ!」と言われるものですが、場合によってはこのような練習も効き目があります。

ただし繰り返しの回数にはある程度、限度を定めておくのが良いかもしれません。
あまりにも多く繰り返されるとやはりだんだん鈍くなってしまうのは避けられません。

たとえば2回まで。このようにしてみるとどうでしょうか。
バロック期の曲にはリピートのあるものが多いです。当時の慣習としてリピートされる際には何らかの装飾が入れられていたと考えるほうが自然ですが、それが難しい時には装飾なしでも良いです。

比較的、規模の大きい曲を繰り返しありで、遅めのテンポで通して演奏すると1時間を超える場合にもあります。
これは極端な例かもしれませんが、1曲だけで1時間。このような方法もあります。

ただし他の人が、そのような風景をみると、まるで我慢大会しているみたいに見えるかもしれません。

楽器に熟達するという目標のためには様々な「練習」の在り方を自分自身で考えてみるのも面白いです。
ひとりの練習の際には、ひとりでなければ出来ないような練習をするのがポイントです。

追記:
テンポを極端に遅くする場合には、当然のことながら息継ぎの場所に関しては、ある程度寛容になっても良いことにします。

奇妙な演奏は必ずしも悪い演奏ではない

2015-09-16 | リコーダー奏法
奇妙な演奏は必ずしも悪い演奏ではありません。

ここで述べる「奇妙な演奏」というのは様式について考慮がなされていない演奏を指します。
様式について考慮されていない、ということはその点からみると欠陥のあるものです。

しかし、それ以外の点から見ると、その演奏は必ずしも悪い演奏ということになるとは限りません。

これに加えて、様式という事柄は非常にデリケートな問題を提起します。
その奏者が様式について何も知らず、結果として様式を無視したような演奏になってしまっている状態と、様式を学んだ奏者が意図的に学んだものを創造的に破壊している状態は一見すると、区別しにくいことがあるからです。

これらのどちらも「奇妙」なという一言で片付けることは難しいです。

状況に応じて変化する評価基準

2015-09-16 | リコーダー奏法
ヨーロッパの古い音楽を演奏するならば相応の様式が尊重されていなければなりません。
そうでない演奏はただ奇妙なだけの説得力のないものです。
だからと言って「聴き手の想像力」をしなくても良いということにはならないのですが。

現代的な音楽であれば様式というようなことの比重は小さくなるかもしれません。なぜならば新しい音楽はそもそも演奏様式というものがはっきりとは確立されていないからです。このような場合には「聴き手の想像力」を如何に刺激できるか、どうか、という観点はおおいに有効になります。

その演奏者がその場で即興演奏する、というような場合には、その奏者の演奏スタイルはその奏者だけのものだから、既存の様式は無視してかまわないのか、ということになると必ずしもそうではありません。

この場合、ジャズなど、既に様式が確立されていると思われる音楽を即興演奏するのか、それとも、その奏者だけのスタイルで即興するのか、ということで評価の基準は変化するはずです。
ただし、その奏者だけのスタイルというような考え方がどこまで有効なのかは考える余地があります。

何故ならば、ひとりの奏者は数限りない奏者の演奏から影響を受けており、どこからどこまでがその奏者の個人的なスタイルなのかということを限定するのは容易ではないからです。

このように考えてみると、どこからどこまでが本当にその音楽家のオリジナルなものなのか、ということを明らかにするのは極めて難しい作業だということがわかります。

如何に聴き手の想像力を刺激することが出来るのか

2015-09-16 | リコーダー奏法
如何に聴き手の想像力を刺激することが出来るのか、という点に演奏の評価基準を置くならば、必ずしもその演奏は「美しい」とか「様式に合致している」とか、そのようなことが必要ではないということになります。

ただし、音色を気にしなくても良いとか、様式のことは全く考えなくても良いということではありません。
「聴き手の想像力」を刺激することが出来るか、どうか。

この点に着目するならば、必ずしも豊かな経歴を備えた演奏者が有利であるとも限らない。
容姿の美しい奏者が必ずしも有利とも限らない。
良い音色を持っていること自体が必ずしもそれだけで有利な点になるとは限らない。

たとえば高い演奏技術があまりにも前面に出すぎてしまうと、そのこと自体が聴き手の想像力ではなく、「拒否感」を強める場合もあるということ。

だからといって演奏技術が低くても良いということにならない。

このようなことなど考えます。
なかなかレッスン内の限られた時間ではこのようなことは生徒諸君に伝えることは難しいのですが、気がついた時に少しずつ書いてみます。

これらのことを考えるヒントとして、まなこのダンスが大きなチカラになっています。