クラシカルミュージシャン !
クラシック音楽を中心に、いろいろなことに思いをめぐらせてゆきたいと思います。お気軽にお立ち寄りください。
 



キャノンズコンサート室内合唱団のガラ・コンサートを聴いた。

ヘンデル専門の演奏団体として著名になりつつあるプロの合唱団だ。
東京・大久保の教会で開かれたこの日のコンサートもほぼ満席だった。

ヘンデルの研究者でもある指揮者が、曲の解説をしながら進行するスタイルも定着し、温かな空気が流れるなか、ヘンデルの生き生きとした音楽を楽しむことができた。

オラトリオ「テオドーラ」のアリア（メゾ・ソプラノ宮崎恵美子）や、イェフタ、ヘラクレス、サムソンからそれぞれアリアや重唱、合唱など、比較的めずらしいオラトリオから、均整の取れた歌が披露された。

指揮者の熱い思いがいつものように伝わってくると、合唱は熱を帯び、教会の空間は、高貴で敬虔な感動に包まれた。

人声の厚くうつくしい響きほど、こころに迫るものもすくないかもしれない。



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ブルックナーの練習が始まった。

７番シンフォニーである。
前回のドビュッシーとは対照的と言ってよいかとおもえる。

リズムや和声は比較的シンプルである。
トランペットの場合、記譜が複雑なことを除けば、個々の音でひどく苦労することはなさそうだ。

がじつは、大きな壁がある。

金管楽器は、主に唇の振動数を変えることによって音の高低をつくりだすのだが、この振動数を変える作業は、唇に負担をかける。

この曲には、短いパッセージのなかに1オクターヴ以上にわたって上下に跳躍する譜例が比較的多く登場する。

しかも、さらにその多くの場合、高い音はＧを超え、音量はｆｆｆと指示されている。おまけにその上下動パッセージは続けて何度も繰り返され、長い曲想を形作る。

トランペットにとって、まるで宗教の修行のような日々が始まった。



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指揮をしながら、千秋が心のなかで叫ぶ。

ブラームスの１番シンフォニーの最終楽章だ。
曲は、最後の大コラールに差し掛かる。この感動を呼ぶクライマックスを、千秋は見事に振ってみせる。

客席ののだめは、ゆびで小さく拍手を作りながら、もう、泣いている。
こののだめの涙に、ぼくたちドラマを見ている者も、ともすれば目を潤ませる。

それは、音楽の力と、感動の涙に真実を見るからだろうか。

曲は、このほか、シベリウス、ラヴェル、ムソルグスキー、バーバーなど名曲のオンパレードであるが、今回は、優しさにおいて比類ない、ラフマニノフの第２シンフォニーもついに登場した。

ドラマの付随音楽にこれほど多くの名曲が聴かれることは、やはり幸福なことといわねばなるまい。

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譜面に書かれている音符に番号を振っている。

フィンガリング(運指)を表す番号だ。たとえば、1番ピストンだけを押す音なら「1」と書き込む。1番ピストンと2番ピストンを押す音なら「12」という要領だ。

実音でたとえば、Ａ♭とか、Ｄ♭のように書くひともいて、書き方は好き好きではあるが、いずれにせよ、こんな振り仮名みたいなものが音によって必要になるのにはわけがある。

トランペットの楽譜は、inＣやinＢで書かれているとは限らないからだ。
inＦやinＤ、inＥｓなどで書かれていることもめずらしくない。
だから、Ｃ管で吹くとすると、移調読みすることが普通なのである。

が、利点もあって、そうすると五線譜の左端に♯や♭の調号なしに記譜できるため、転調が頻繁な曲などの場合、「この音、♯ついてたっけ？」などと確認しなくて済む。

ところが、この利点を無視した譜面と格闘することになった。
inＦでいながら、♯が５個もついている。
これをinＣの楽器で演奏しなければならない。

このため、譜面は、臨時記号のオンパレードになっている。
ダブルシャープのほか、ナチュラル＋フラット、なども頻繁に登場する。

というわけで、しばらくの間、暗譜するまでは、番号に活躍してもらおう。

なぜブルックナーは、ＥDurの７番シンフォニーのトランペットの譜面を、他の多くの作家がするように、inＥで書かなかったのか。

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幼稚園児が遊戯に使う曲だという。

のだめが作詞作曲し、振り付けまでつけようと取り組んでいるものだ。
「くだらんっ！ここは音大だっ！」と一蹴する新しいスパルタ担当教官に、のだめは逆上する。
「のだめは真剣にやっとっとよっ！」

こんな場面もあった。
学外の優秀な奏者を集めてＲ☆Ｓオーケストラの練習が始まった。
指揮者の千秋には、正確な演奏振りが好ましく思えたが、やがて物足りなさを感じるようになる。
そんな矢先、オーボエのソリストとコンミスにそれぞれ恋の予兆が訪れ、演奏は、一変する。

「ピンク色のモーツァルトだ。。。」


どちらの挿話も、クラシック音楽を身近に感じてもらうために用意されたものかとおもえる。

が、クラシックに携わっている気分からすれば、じつはさらに本質的なこと−音楽とは何か−という遠方にまでしっかりと焦点が合っているようにおもわれて、いっそうの楽しみが感じられる気がする。

そういえば、オープニングのタイトルムービーも、カンディンスキーの作品をおもわせて、なかなか気が利いているではないか。



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Ｓオケは解散した。

Ｓとは、Specialのことだ。優秀な学生で編成されたＡオケに対抗してつくられた。

必ずしも優秀ではないが、個性的なメンバーたちは、千秋の指揮のもと、型破りな演奏で聴衆を魅了し、教授陣をあっと言わせた。

が、シュトレーゼマンの帰国に伴いＳオケは解散、メンバーたちは、それぞれの進路に向かって、歩み始める。

まがりなりにも、初めて振ったＳオケへの感慨を込めた千秋の述懐が、タイトルのつぶやきだ。

ひとつのプロジェクトを終え、何がしかのものを得て、それぞれが別々の方向に別れてゆく瞬間の、寂しさまじりのこころのふるえを、期待と勇気で包んだ明るい表現だ。

千秋は、自分の姿にも重ね合わせてもいるかとおもえる。

この色恋ドラマは、つまり、未来、という、現代のひとびとが見失いかけているきわめて重い課題をも、かろやかにテーマに採り入れてしまっているのではないか。



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難曲であった。

それだけに、なんとか無事終えたあとの達成感も大きいのかもしれない。

創立後４０数年経つオーケストラだが、ドイツの作曲家の作品を中心に演奏して来ていて、ドビュッシーの海は初めてだった。

その意味で、記念すべき演奏会といえるかもしれない。

もう少しだけ、しずかな充足感に包まれていたい。

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ゲネプロが終了した。

オーケストラの演奏の場合、練習で約束したことを本番でも同じようにするのがふつうである。

が、指揮者のＴさんは言う。

「今日、いろいろと練習しましたが、明日の本番は、また違うと思ってください。明日になって、（昨日はどうやったっけ？）などと考えるのはやめてください。明日は明日。今日とは違います。演奏のたびにつねにクリエイティヴに創り上げてください。そうすることで普段の力を超えて進歩することができるのです」

このひとの指揮は、エネルギーの放出量を感じさせるが、楽団員にもそれを求める。

明日は、芸術に没入する幸福を味わいたい。



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ワルツは3拍子である。

だから、2拍子ではワルツは作れない。

が、本当にそうか。

ラヴェルが書いた、「高雅で感傷的なワルツ」の第6曲は、ふつうの3拍子にしか聴こえないが、譜面を見ると、3/2拍子と6/4拍子が同じくらいずつおおよそ交互に出てくる。

6/4拍子というのは、2拍系で、1小節を2等分する。
つまり、123+456 というふうに6つの音を2グループに分けて数える。

これに対し、3/2拍子は、12+34+56 と、3グループに分ける3拍子系だ。

効果の違いとして、アクセントの位置が変わる。
3/2なら、1,3,5 にアクセントが来るが、6/4なら1,4だ。
3/2をタカタカタカとすれば、6/4はタカカタカカ、というぐあいで、ちょうどシンコペーションの感覚が出てくる。

曲の感じから見て、全小節を3/2で書いた場合に比べて軽やかさが増しているかとおもえる。

さらに考えを進めると、2拍子でもワルツになりうることを、さりげなく示しているのではないか。

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「音の価値が違うんだ。。」


先週末のオケの練習を終えて、何人かで電車を待っているとき、ぼくが、

「今回の演奏会は、ドビュッシーもラヴェルも（やってて）とっても楽しい」

と言ったら、木管パートの仲間が、

「ええ？！　金管には不評だって聞いたけど。吹くとこ少ないし」

と答えたから、返したのが、冒頭の言葉だ。
すると、指揮者のＴさんが、にこにこしながら続けた。

「そうそう。音の価値がね、違うんだよね。楽しいよね」

こんなひとときは、いっそう楽しい。

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「そこは、セレブのけだるさを表現してみて」

指揮者のＴさんは言った。
ラヴェルの「高雅で感傷的なワルツ」には、そんな指示がしっくりくるような雰囲気がある。

第２曲は、フルートが、低音でゆったりとしたメロディを吹く。華やかな音色になりにくい音域のうえ、テンポが遅いため、「浅い」演奏では音楽にならぬ。
なんらかの意味づけをして、上品だが物憂い、すっきりしないが何かに困っているというわけでもない、そんな葛藤めいた判然としない感情を、奏者の脳裏にイメージとして想起させる必要がある。

Ｔさんは、きっとそのように考えたのであろう、「セレブのけだるさ」という言葉にその一切を代表させたかとおもえる。

こんなひとコマが、しかし、フランスの近代音楽をつくっていく作業の楽しさのひとつではないか。

本番まで、あと８日間となった。

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第５話が手に入った。

「酒と煙草と女がなければ、生きられない」

桃ヶ丘音大での最後の指揮を終え、ソファに横になったシュトレーゼマンが言う。
千秋はつぶやく。

（じじい。。）

が、本番直前、シュトレーゼマンは、共演者の千秋にこうも言う。

「（これから聴かせて欲しいのは）きみが、どれだけ真剣にこの曲と向き合ったかだ」

この聖俗を行き来する幅と奥行きが芸術家の条件のひとつであることをこのドラマは描こうとしているかのようだ。

格式ばったクラシック音楽へのアンチテーゼとしてのＳオケだが、今回は黒を基調とした和装で全員が登場する。

しかも、われらがカエルのけろっぴ（澄田勝手命名）が2nd Tp.KEYKOさんの譜面台でますます元気に参加しているのも楽しい。

まあそれにしても、ガーシュイン、ラフマニノフと、音楽の感動を余すところなく伝えてくれる演出は、格好のクラシック入門になっている。

主人公・のだめにいざなわれて、あなたもオケ、やってみませんか。

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のだめ第3回と第5回を録画した方、ぜひお貸しくだされ〜。

録りそこないました。。。。。
感想が、か、書けん。。。

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東京・代官山は、若くて品のいい男女が集う街として人気がある。

その一角、ヒルサイドプラザの地下にある小ホールで、打楽器奏者、山本晶子のソロ・リサイタルを聴いた。

今回は、現代作曲家３人による委嘱作品が初演された。
もっとも印象に残ったのは、「ハンドドラム」のために書かれた作品だった（大家百子「アルカイック・ダンスＮｏ．２　ハンドドラムのために」）。

ハンドドラムとは、太鼓の本体から取り外した、皮と枠の部分を、手を使って演奏するものだ。直径は６０ｃｍくらいだったろうか。

こんな素朴な楽器（道具と呼ぶほうが似つかわしい）から、あれほどの多彩な音楽が生まれるとは、おもってもいなかった。

皮の部分を、両手の数本の指の腹でロールする（時に強く、時に柔らかく）、ゆび先でつま弾く、手の腹で強く叩く（外周部と中心部）、叩いてすぐ振動も止める、つめの先でこする、枠の部分を叩く、などなど、手とゆびのもつ表現力、機能性をふんだんに生かしたものだった。

そこから、羽毛のような柔らかな響きや、強く硬い、意志をもつ反発音、細かくリズミカルな軽快な音楽などが次々と現れでた。

音階をもたぬ枠と皮から、ドラマティックな音楽を引き出した、作曲家の豊かな創造力と、奏者の深みのある感性が一体となった好演だったかにおもえる。

山本は、今回、これまでとは少し違う方向性を示した。
作曲家が演奏家に方向性を与え、演奏家の音が、作曲家に刺激を与える、なにかそんな幸福な関係が感じられた。

山本晶子は、新たな道を歩み始めたかのようである。



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ドビュッシー「海」の第２曲、８小節目にこんなパッセージがある。

３／４拍子　６連符−６連符−６連符　である。音は低いＣ（ド）だ。

速度は、四分音符＝116　で、音量はp 、かつ、トランペットがミュートをつけて演奏するよう指示されている。

「海」は、描写音楽だから、音から映像を「逆探知」しようと試みることがあるが、こういう擬態的な音形などは、そのなかでも想像をめぐらしやすい気がする。

このグシュグシュした響きは、ぼくには、浜辺で見られる、さざなみの音に聴こえる。あの、強い白さをもつ、足もとの、細かく激しい波だ。

しかも、１番目と３番目の６連符を１stが、２番目を２ndが吹くように割り当てられているから、交互に畳み掛ける感じまでが付加されている。

副題、波の戯れ、にぴったりではないか。

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