表現と言葉のジレンマ
2009年12月20日 13時16分52秒
カテゴリー： Weblog
横浜美術館のセザンヌ展に行って来た。
いわゆる「印象派」の絵画―日本人によく好かれる分野だというが―は、好きではなかった。というよりも、「わからなかった」と表現したほうが正しい。
私は美しいものに触れることを望んでいる。私が触れることを望む美しいものは、一般的に鑑賞の対象物とされているものに限らない。時には空間と経た歴史と物と人が作る街全体に対して、高さ約２メートル、6枚綴りの屏風の前に立っているときと同じかそれ以上の心のふるえを感じ、また時には家具屋やアパレルのショップの売り物に対して、高台寺蒔絵が施された硯箱を見ているときと同じかそれ以上の、湧き上がるような心地よさを感じる。美しいものに触れたい、という欲求が私の日常生活の大きな部分を動かしている。しかし、一般に「大変美しい」とされている印象派の絵画に「是非本物を見てみたい」という感情を持ったことがなかったのである。
こんな私が後期印象派の時期に活躍したセザンヌを見たいと思った理由は、政治学の本で以下の一節にであったからである。
1987年のパリ万博には始めて江戸幕府と薩摩藩、肥前藩が出品し「北斎漫画」などの浮世絵を展示した。この影響でパリではジャポニズムが大流行し印象主義の絵画たちが浮世円持つ平面的な手法を取り入れることに繋がった。1889年の万博になると、フランスとそれ以外のヨーロッパ、植民地の展示館を鉄道で結び世界一周ができる仕掛けになっていた。鉄道で旅行をするという感覚は、まさに新しい「まなざし」で、人々の意識を大きく変えるきっかけとなったのである。･･･（中略）･･･<o:p></o:p>
こうした人々の生活や「まなざし」の変化、都市の変化が絵にも表れてくる。まさに印象主義の絵画とは、画家が、「現在を生きる」という経験を印象的に描いたものだった。絵に登場するのは「歴史」ではなく、生き生きと都会を生きる普通の人々であり、ダンスホール、競馬など新時代の風俗、つまりあくまで「現在」だった。<o:p></o:p>
彼らは、「現在」をダイナミックに変貌し生まれかわっていくものと捉えられていた。「まなざし」の変化を敏感に取り込んだ印象主義の画家達にとってそれ以前にはあった「世界は不変である」という信頼感は失われていた。だから自分で目にした一瞬こそを「現実」としてキャンバスのうえに切り取ろうとした。<o:p></o:p>
そのために印象主義の画家たちがとった手法の特徴として、描く対象の全体像ではなくて風景を断片的に捉えたこと現実が平面的に単純化されていたこと、輪郭が失われていたことの三点が挙げられる。彼らはそうやって自分の印象を色彩的に描くことで、「時代の気分」ばかりか「時間の移ろい」までも表現しようとした。<o:p></o:p>
（『市民社会の政治学』川原彰／中央大学出版／2006年4月／313頁より引用）
これを読んで、印象派絵画を見てみたいと思ったのである。 しかしやはり、秋晴れの横浜美術館でセザンヌの絵画の前で佇んでいるときも「わからない」という感覚は変わらなかった。10枚に１枚くらい「わぁ！好き！」と感じる絵があったが、ほかは、「う〜〜〜ん」と考え込んでしまった。ふと気づくと、眉間にしわを寄せて考えていることがあった。あきらかに「美術をみるときの脳」ではなく「書物を読むときの脳」を使っていた。というのも、この美術展にくることをモチベートしたのが上記の一節だったからであると思う。セザンヌの絵に、「現在時間の捉え方」や「固定した世界へ懐疑」を見ようと、ああでもない、こうでもない、と考えていたのである。思うに、上に書いた印象派絵画もとい「近代美術」にたいする私の「わからない」という感覚とは、ここに理由がある。というのも、世界史が好きな私は近代美術を鑑賞するときにいつもその背景にある人物や社会制度や時代風潮を読み取りたがってしまう（読み取りたがる≠読める）。後日知人にこのことを話したら、美術館では、「この色すごいなぁ」「この形すごいなぁ」って感じて帰ってくるものだ、といわれ、もっともであると思った。
以下に「わぁ！好き！」と感じた絵について書こうと思う。
�‐啻�画：「セザンヌ夫人」
青と灰色がクリーム状に混ざり合ったような色の背景に、30代くらいの中流階級風のいでたちで椅子に座る女性が描かれている。私が感じ入ったのは背景の色と女性の肌のコントラストの在り方とも言うべきものである。色彩は大きく異なるのに、なんともとろけそうな輪郭である。この効果か、大人の女性の肌の、張りすぎない柔らかい感触が伝わってくるようである。
�∪妬�画「ラム酒のある風景」
セザンヌは、時間と共に移ろう光を追いかけている印象派に不満であったという。彼は「絵画は、堅固で自律的な再構築物であるべきである」と考え、この考え方は続く20世紀美術（ピカソ･ゴーギャン・マティス･モディリアーニ）に決定的な影響を与えたという。この、調和的、画面再構成的側面が、セザンヌ芸術の古典主義的側面であったという。彼にとって静物画は、一瞬に永遠を与える（＝永遠の美しさを画布にとどめる）ための試行錯誤の場であった。私には、いささかこの「構図の調和」というのがわからない。というより、どの構図が調和を得ていてどの構図が調和を得ていないのかを判別することができない。もちろん左右対称であったり、上下対称であったり、数学上の調和からくる構図の安定性は感じ取ることはできるのだが。静物画にみる画面の構図の安定性、これは感覚的なものなのであろうか？言葉で説明することがかなわない領域のものなのであろうか？とにかく私にはわからなかった。この絵で感じ入ったのは、ラム酒の側にある果物が、匂いたつほどまろやかな感覚を喚起させる点である。桃の甘く瑞々しい香りが私まで届くようであった。これは「構図」というより色遣いがそうさせたのか。桃の表面だけでなく、質量を持った桃の身、桃のまわりの空気まで一緒に描いてしまっているようであった。
�Ｉ�景画「林間の空き地」
緑が鮮やかな林間の空き地に、木々の間をぬって太陽の光が差し込んでいる。その太陽の光は幾分斜めである。太陽の位置は描かれていないのに、それが午後ではなく午前であることがわかる。空気がひんやり冴えているからだ。空気まで一緒に描かれている。
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後日、次の日から、素晴らしい体験をした。なぜか、瞬間瞬間にセザンヌの絵（とくにそのときは何も感じることがなかった風景画）が頭に浮かぶのである。あの、薄い青色の空と、茶色の山のイメージが頭の中にずっと残っているのである。２ヶ月経った今ですらあの青色が目に浮かぶ。その実際に見ているときは「わからない」と感じた絵が多かったのにもかかわらずである。
セザンヌの言葉
Nature for us men is more depth than surface whence the need to introduce into our light vibrations represented by the reds and yellows, a sufficient amount of BLUNESS to give the feel of air.
こころが震えた。彼は、対象に対して、その質量や、対象と周りの物（自分を含め）との関係性（存在感のありかた）、周りの大気とともに、「永遠」を与えた。そして私は、絵を描きたくなった。赤と黄と青の絵の具を買って、卒業旅行先で絵を描いてみようと思う。
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（セザンヌはフランス語をしゃべります。上のセザンヌの言葉は、展覧会でもフランス語で書いてありました。その日本語訳では意味内容が理解しにくかった（日本語文法の特性のため）ので、英語訳をメモして帰ってきました。今また日本語訳しようとしたら、意味内容が理解しにくい文にしかなりませんでした。英語は日本語よりも単語と単語の関係性を見えやすく表現することのできる言語だと常々感じます。）
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