Wein, Weib und Gesang

三月十一日にラッツィンガー教授の新著が発売されていたとは気がつかなかった。数年前に出版されたものの続きである。ヨハネの福音からも受難が扱われている。それどころではなかったので、今もそのような心理的な余裕はない、それでも四月になってから手にとってみる心算だ。

先週の火曜日にはバルタザー・ノイマン合唱団が初期からのお付き合いのあるフランクフルトのアルテオーパーで二十周年の演奏会を開いた。そしてバッハのカンターターを三曲披露した。

トーマス・ヘンゲルブロックのドイツ風の音楽作りは、今や殆どフルトヴェングラーを髣髴させる指揮ぶりから、ドイツの聴衆をも辟易とさせるほどドイツ風のそれも強くホモフォニーなバッハを奏した。そして、そうした演奏実践でなにを描いたかが問題なのだ。

「わが心に憂い多かりき」BWV21のそれによって慰めを得るなどは全く嘘っぱちである。偽善である。そのような慰めがないところに現実がある。今時、そしてその時、そのような音楽はもはや芸術でもなんでもなかろう。

私達はここで幾つかの名言を思い出さずにはいられない。

そこで、予定調和的な慰めや希望などに一筋の光明を見出すことすら叶わない。

「認識が生む苦しみの認識を禁ずる事も統治機構の一つである。」、更に続けて「真っ直ぐと伸びる道は、人生の喜びの福音から、　遥　か　遠　く　のポーラ ンドの収容所の人間屠殺場へと続く。こうして、絶叫などは聞いていないと自国の一人一人のアーリア人に思い込ませる事が出来る。」（Theodor W. Adorno: „MINIMA MORALIA“ 1951）

「いさかいは起これり」BWV19において、悪魔と天使の弁証となるとき、そこに成就よりも顕現、そのことによって自己崩壊する逆説をそこに読み取る方が自然なのである。

そこで「アウシュヴィッツ以降に詩を書くことは野蛮である」とアドルノの有名な一節に続いて、「そのことは、どうして今日詩を書くことが　可　能　な　の　か　と　の　認　識　をさえも侵食しているのでもある」と、先を続けて読む、

「つまり進歩観の前提としての、今日その進歩を完全に汲み尽そうとする究極の顕現に、自己満足の観照に浸かっている限りは、批判精神がそれに優ることはないのである。」（Theodor W. Adorno: „Prismen. Kulturkritik und Gesellschaft“. München 1963. Seite 26.）

これが「黙示」と呼ばれる福島原発事故の姿なのだ。



参照：
フラッシュバックの共観　2007-05-29 | 暦
ヒロシマの生き残り　2005-08-06 | 暦

「冴えない演奏」のCDの感想を書こう。五枚組みの廉価CDの一通りを回した。その中でもお目当てのロ短調ミサを先ずは集中して愉しんだ。

この曲の実演は数年前に現代の管弦楽団で聞いたものが最後であるが、もしかしたら90年代の初めにヘルヴェッヘ指揮のゲントのアンサンブルでも聞いているかも知れない。いやもしかすると、あまり関心がなくて聞きそびれている可能性も強い。

大バッハの最後の作品の一つであり、パロディーミサのように嘗ての作曲を当て嵌めたりしているのでその作曲過程も定かでない。最新の成果としては、2007年ベルファーストでの学会でバッハ博物館の所員が発表したドイツ帝国ボヘミア王の影響が挙げられている。チェコの文庫から最近明らかになった書面がそれを裏づけしているようだ。

いずれにしても晩年の「ゴールトベルク変奏曲」や「フーガの技法」なども特定の機会音楽の枠組みから越えている面があり、特にこの曲の場合は死後の発表のために息子のエマニュエルバッハの影響なども疑われるほど、当時の最新の音楽芸術文化に近づいている面がある。要するに近代音楽の音楽会場での演奏に適した編成や内容をもっていて、恐らく憧れを抱いていたであろう同時代作曲家のヘンデルやテレマンの都会的な文化への近親感も感じられる。実際に、当時の都会であったライプチッヒのカントールの立場にも嫌気がさしていた背景には、「輝いた世界」に住んでいるとはいえなかった自らの立場を顧みる気持ちもなかっただろうか？

それにも拘らず、出来上がった作品は、他の受難曲のように死後百年間は忘れ去られた歴史もあるようだが　―　当然ながら当時の売れっ子作曲家のエンターティメント精神に満ち溢れた作品とは競合しようがない　―　、ロマンティックな感興を以って二十世紀には音楽会場でベートーヴェンの「ミサソレムニス」同様に演奏される曲となったことは、その曲の性格からして当然であろう。

さて、このCDで聞かれる演奏実践は、歴史的楽器と呼ばれる復元された楽器で演奏される実践のそれもグスタフ・レオンハールトの切り拓いたそれの流れを汲んでいて、オランダやベルギーの楽人に共通するものも強いが、それ以上に現在この指揮者の手兵のアンサンブルがフランクフルトの聴衆に受け入れられている基本がそこ明白に聞き取れる。

たとえばクレドにおけるツービート張りの乗りも見事で、オランダの白けたそれやルネ・ヤコブスとも異なり、現在の欧州の各地の共同体で歌われるポップな音楽に馴染んだ人々の乗りそのものが其処にある。まさにそれが音楽文化なのである。だから必ずしもドイツ的なリズム運びで無くとも受け入れられる要素となるのである。そして文化とは金を積んで娯楽に買うものでも無いのである。自らが育んでいる文化などに金を積む馬鹿は居らぬ。

もう一度大バッハに戻ると、この曲の成立の細部は別にして、こうした曲を作曲するという行為は、丁度京の手の込んだ錦糸を織ることに一生を捧げた職人が、晩年になって大芸術作品の製作に手を出したような按配ではあるまいか。

待降節におそらくボヘミアで演奏されたというサンクトュス二部の「主の栄光は大地にみつ」と歌う三拍子　―　もしくはグローリア終曲で聖霊と共に謳われるとき　―　のスイング感覚もタップリと愉しめる素晴らしいCD である。合唱の対位法的な扱いにも現在からすると若さがみられる反面、シンコーペーションの扱いなどは今日と変わらず上手に処理しているには違いない。こうした演奏を聞くと、同じようにミサ曲を作曲しているベートヴェンのそれよりもレナード・バーンスタインのそれを思い起こさせるから面白い。

なるほど、ネットで聞き比べをすると、新録音の方は　―　実演でのこの五年ほどのこの合唱団の進展を物語るかのように　―　遥かに精緻さが増して完璧な演奏であるが、管弦楽団はその新録音の様には実演では巧くいっていない。寧ろ、この客演している啓蒙時代管弦楽団の演奏の方が、恐らく録音プロデューサーの意図も働いてか、思い切った指示が与えられている分だけ面白い演奏になっているかも知れない。


聞き比べ試聴：
鈴木盤、なにも六拍子でなくても間が持たなくせかせかしている。欧州からの歌手も早く帰りの飛行機に乗るのでせわしい感じ。なによりも根を詰めたつくりが鬱陶しい。こんな精神文化なら直ぐにでも逃げ出したくなる。但し音感とか音色に神道的な白木の清楚さが感じられる。

上で愉しんだヘルヴェッヘが指揮した「冴えない」廉価盤

ミンコスキー盤、この誤まってキリエに張られたリンクは実はクレド。綺麗であるがここまで骨無しにしてしまうとフランクフルトでは受け入れられないのではないか？更にコルボ盤などにも似て拒絶される要素も多い。

コルボ盤、特にこうした宗教音楽ではスイスの特にフランス語圏となると全く文化圏が甚だ異なると思い知らされる。バッハ音楽実践としては旧世代でしかない。

ブリュッヘン盤、　器楽奏者だからか鈴木のように生真面目な演奏。やはりここまでやるとどうも居心地が悪い。古楽演奏としては折衷的であり、やはり古臭い印象は免れない。

アーノンクール盤、流石に大変立派であるが、そこまで力まないでもと思わせる。そうしたところが子供っぽく見えるのが戴けない。

ヘルヴェッヘ新盤、既に触れたが最新の状況がここに良く捉えられている。

クリストファーズ盤、英語圏の演奏実践が表れているのだろうが、やはりどうしてもこうした解釈は音楽が荒くなる。

ヤコブス盤、些かオペラ的な趣となっている。これならばアーノンクールの方が良いかも知れない。

ヘンゲルブロック盤、流石に良く現状を押さえているが、演奏実践の慣れや対位法的な扱いにはもう少し見解を示せても良いのではないか？アーノンクールを意識してか、もしくは鈴木と争そって其処まで力む必要はないだろう。

ガーディナー盤、いつものバッハ節であるが、、、、

レオンハールト盤、ここに一つの流れの源がある事は間違いないだろう。

リヒター、ミュンヒンガー、リリング盤についてはもう触れないが、どれもクレンペラー盤などについてと同じようにこうしたロココな音楽作品では歴史化がより早く進んでしまった。ある程度年配のそれも古い録音などを愛好している者は知らぬうちに百年近くの時の流れの中においておかれて仕舞って、自分か生きていた時代が其処にないことに気がついて愕然とするかも知れない。たとえそれが受身の芸術需要だとしてもまるで己が生きていなかったのと同じなのである。そうしたあり方は、歪な文化需要であり、古い期限切れのワインを飲んで悦に入る「たわけ者」となんらかわらない。

楽譜：Mass in B Minor, BWV 232 (Bach, Johann Sebastian)



参照：
知的エリートの啓蒙芸術　2008-03-17 | 音
それは、なぜ難しい？　2007-11-10 | 音
中継されるミスティック　2006-12-26 | 暦
正統的古楽器演奏風景　2005-11-13 | 音
バロックな感性の反照　2008-03-23 | 音
大バッハを凌駕して踏襲　2006-02-22 | 音
偉大な統治者と大衆　2005-10-14 | 文化一般
賢明で理知的なもの？！　2005-02-25 | 歴史・時事
社会性の高い放送文化とは　2009-12-10 | マスメディア批評
安売り音楽の品定め　2009-12-04 | マスメディア批評
グッスリ二度寝をして気付く　2009-12-05 | 雑感

本当ならば週の前半に再びフランクフルトに出かける予定だった。準備はしていたのだが、午後になって熱っぽくなって断念した。夜の音楽会はバルターザー楽団とヘンゲルブロック指揮のバロック宗教曲のプログラムであった。特にフランスバロックの作曲家カムプラには興味があったのだが辞めた。フランクフルトまで車を走らせる自信がなかった。演奏の質も分かっていることであり、逆にそれほど期待外れのことはないと考えたからである。おそらく会場はがらがらだったのではないかと推測する。

一般的にこうしたクラシック演奏会は殆ど集客力を無くしたばかりでなく、欧州ではそうした形式の終焉へと加速しているような気がする。古楽の演奏会も若者の姿は稀であって、いつもの常連に混じって、時間を余した老人しか居なくなってきている。劇場も芝居の方はまだ若さがあるだろうが、歌芝居は駄目である。特にリーマン危機以後は浮ついた金が動かなくなってきており、そうした催物を支えていた俗物層が居なくなるとやはりエンターティメントとしての催物の席が売れなくなるのである。

窓掃除の日にバルコンに出してあった植物を室内に入れた。すると急に花も咲き始め、小さな蕾も次々に芽を出して来たが、葉が黄色くなってきた。落葉である。直射日光が綺麗に拭いた窓ガラス越しでも当たらなくなったからだろうか。こうして寒い季節に備えて、葉にあったような糖分が全て根に集められるのだろうか。

自身は、高熱が出る事も無く、心配された豚インフルエンザではなかったようだが、なんとなく熱っぽい日が続いていて、やはり季節の変化に順応するのに苦労しているのである。

レクイエムの会に行った。トーマス・ヘンゲルブロック指揮のバルターザー・ノイマン合唱・管弦楽団の演奏である。

モーツァルトが最後の筆を置いたと云う八章節目に至る箇所、セクエンツァ（続唱）の「涙の日」からQUA　RE−SUR−GET EX　FA−VI−LLA（は　い　より　よみ　が　える　とき）のシラブルに音節をくっきりと区切る。音価が二倍ぐらいに感じるほどにして、フォルテへと解放する事で、昇天と云うようなイメージを明確に与える。

曲頭の入祭文からセクエンツァのこの「涙の日」までのその凝縮した主観的な緊張はここで解き放たれる。その後のオッフェルトルムでは、祭壇にパンとワインが捧げられて死者のためのミサ式次第は進む。作曲家の死を暗示して並びにその白鳥の歌が弟子によって引き継がれるところでレクイエムは客観へと転じる、それは「死者のためのミサ」の精神にそれほど違わない。これがまさにこのレクイエムの独自の形式となっている。

こうした発想をそのまま示す事自体が、非構造主義的解決法と云っても良い。丁寧に音化される、その前のめりテンポとロマンティックの対極にある演奏実践は、更に「レコルダーレ」では、よく云われる「妙なるラッパ」の魔笛的重唱にも勝る、最高傑作オペラのどのシーンにも負けぬような情感の吐露を繰り広げる。しかし、それは改めてこの作曲家の舞台劇での卓越を示すだけではない。

またそれに続く「ラクリモーサ」へと繋がる「呪われし者」での音高で示される天からの呼び出しの空間的な上下感などは、空気を支配し切らないバスの軽やかな足取りのその些か浮き足立った情景でもある。

古典派の曲となると、古楽器の弓使いや息使いと、合唱の山形フレージングが、ハーモニーの協和の山を準備するのみならず、正しいアーティクレーションへの契機となるのに気付く。実はこうした高い精度の弓使い表現は、カール・べェームなどと云う二十世紀の最高のモーツァルト指揮者が現代楽器を対象に行っていた。ただ、そうした現代楽器奏法は、音価、拍、小節、動機を均一化し均質化してその近代的機能を重視するばかりに本来音楽の持っている素朴な表現の力強さや精妙さを欠くことになっていた。

またファン・カラヤンのモーツァルト演奏はそれほど悪いものとは思わないが、この曲の録音を比べると、いかにもレクイエムと云う同郷の作曲家の白鳥の歌を名曲として全体像を把握し易くするために、　場　面　の　視　覚　的　な印象を強調している。それは、流れをあまりにも容易に設定して、細部を全体の部分として機能させているに過ぎない。これは全体における一声部でもある合唱部にも云えて、合唱付き曲を得意とした指揮者でもあるが、こういう風に器楽的にかつ平均律的な感覚で人声が扱われると、「歌なぞはいつも音程外れで、器楽的な感覚からいえばあんな不正確なものは聞いていられない。」となる。実際にこの発言をしていたのは、但しベェーム博士であった。

現代の古楽器演奏実践では、明らかに旋律の持つ音楽的ベクトルが強調されていて、その和声・律動の方向性がくっきりと浮かび上がるようになっている。であるからして近代奏法との相違を見れば、経過的に動くとする以上になにも表現出来ていなかった楽想にも、そこでは音楽が活きつくことになる。

その様な近代とは一体何であったかの、また異なる様相が、敬語を話題としたTAROさんの記事とそれに対する助六さんのコメントに示されている。そこで助六さんは、ルネ・ヤコブス指揮の「ドン・ジョヴァンニ」の公演をパリで観劇して来て、その微妙な言葉使いを指摘している。フランス革命の余波と云うべき思潮は、芸術家モーツァルトを理解する場合大変重要である。

それを、台本家ダ・ポンテが1603年出版の「スペインの放蕩者と石像の客」を土台とした創作、そして作曲家との共同作業において見て取ることが出来る。そしてこのオペラの核心にあるその思潮は、近代のオペラ上演の実践のなかで何時の間にか脇へと追いやられていったようである。それは、当時の封建制度の空気を残した時代における過激さが、そして徐々に影も無くなって形骸化した封建文化が、ブルジョワジーの文化の中へと、その管弦楽の　発　展　とともに解体されていく近代文化史の様相でもある。（今言を以って古言を視るへ続く）

週末のヘンデルの「メサイア」の公演の感想を書き留めておく。最近は音楽会で思弁的な感想を抱く事が多いが、充分に感応出来る演奏会であった。それは、演奏解釈の勝利でもあるのだが、250年程前に没した作曲家の人間性に負うところが多い。

バロック音楽も他の音楽同様に、その和声と通奏低音の関係を社会のヒエラルヒーとして捉えられる事が多い。しかし、それでは余りに大雑把過ぎて、世界観の一部すらもまたその世界の一部すらも表すことが出来ない。

有名なハレルヤコーラスの後に続く第三部にだけでも、この作曲家の創作の妙を知らされる。その全体のテキストは、バッハにおけるピカンデルのようにチャールス・ジェネスが受け持って、イザヤ記、ハガイ書、マラキ書、マタイ、ルカ、ゼファニア書、ヨハン、詩篇、哀歌、ヘブライ人の手紙、ローマの信徒への手紙、ヨハネ黙示録、ヨブ記、コリントの使途への手紙がバイブルから適当に抜粋されているために、教会からは批判を受けた。第三部にあるようなこれほどの慰めの音楽は、かの世のパラダイスを通したこの世の希望に満ちた世界観であって、近代の認識であるアダム・スミスの楽天的な国富論に通じる。これは現在も世界の経済活動の根本をなすアングロサクソン文化圏における其れである。

今回の公演では、ダブリンでの初演とは比較にならない22人のソリスツと合唱に２人のトランペット、２人のオーボエ、ファゴット、ティンパニ、６人の両ヴァイオリン、４人のヴィオラ、２人のチェロに２人コントラバスなどと、楽譜はダブリン版に近いようであったが、編成は切り詰めてある。そして、チェンバロを殆んど使わずに装飾風なハープと通奏低音のオルガンが気の効いたな音色を演出する。

合唱と通奏低音の呼応が基本で、其れもチェロが雄弁に語ることで、合唱と器楽双方の装飾の面白さを示す事が重要と予てから考えていた。其れは、例えばハレの生家でのフェスティヴァルなどで経験した通奏低音付きのトリオソナタなどにも顕著であって、永い演奏の歴史の中で疎かになって来たものなのだろう。しかし、最近は優れたオペラの上演だけでなく、古楽器の奏法が安定してきた事から、思い切ったアーティキュレーションが取れるようになって、装飾音だけでなく通奏低音へのイメージが大分変わって来ている。

此れに似た感想を、初演後にロンドンでメサイアを聞いたであろう同時代の地質学者エマニュエル・スヴェーデンボリが夢日記に書き添えているのを改めて読むと、まるでこの会を批評しているようで驚く。合奏する・させる作品の素晴らしさは、その音楽構造の和声だけでなくて、かのベートーヴェンが言った様な「心から心への」創作者と演奏者、演奏者と聴衆、聴衆と創作者の間の感応にある。スヴェーデンボリの言葉の「経験」はまさに此れを表しており、聴衆が会同することでもある。それを実現させたのが、このヘンデルであって、オラトリオの形式を教会から解放して大都会の市民に直接訴えかけるのに大成功したこの作品である。

そのような演奏によってこそ初めて、この曲がハレルヤ合唱でのみ名曲になったのでは無く、全編を通じて作曲家の熟練した筆運びから生まれた愛情に満ちた至福感と慰めへの会同した聴衆の感応・共感があるのを実感出来る。

故に今回のように、それが有機的な曲の構築を示すような解釈になると、遥かに楽曲への理解が深まるだけで無く、永遠の課題である声楽と器楽の合わせ方を堪能出来る。声楽と器楽の装飾における協調がその功を奏する。このような演奏が出来るのならば、ヴァチカンでヴィーナーフィルハーモニカーとモーツァルトを歌わないかと誘われても躊躇する必要も無かったのだが。

そしてそのモーツァルトが既に、例えば息の長いボーイングなどの、古典派風のヘンデルの編曲に手を染めており、その様な古典派以降の影響から逃れる事こそが、バロック以前の音楽において甚だ重要となる所以である。管弦楽においてもヘンデル自身がセンツァ若しくはコン・リピエーノと記しているように、切り詰められた弦楽部で演奏されるだけでなく、室内学的にソロ楽器がコムニケートするのに対して、必要なところだけを合奏が補強する方法が今回も採られていた。

ハレに生まれ、ハノーファーから世界へ旅したヴァイタリティーに満ちたコスモポリタンな作曲家が、興行師としての辛苦を舐めた後に辿りついた人生観は、第一級の演奏家と演奏の現場で得られた信頼関係に立脚した、職業的成功を導いた肯定的なものであった。それは、彼の遺書が語るのにもまして、彼の音楽の書法が物語っている。

今回功績のあった演奏家は、トーマス・ヘンゲルブロック指導のバルターザー・ノイマン合唱管弦楽団で、フライブルクのその出身母体を芸術性で凌いでいるようだ。この楽団には、あまり興味が無く何度も会に欠席したが、その秀逸を今回遅まきながら確認した。そしてヘンデルが終生ドイツ訛りの英語を話していたのを発見しただけで無く、古楽器楽団も機能的に合わせる事が重要視されてくるようになると、こうした本来の価値を失う例が余りにも多いと認識させられる。それは、1742年初演の曲が示唆する、自己と宇宙と言う脈々と続く「音の調」の楽天的な呼応関係でもある。

スヴェーデンボリの言葉を、「真実なものに　立派なものに　良きものに」のスローガンの掛かるアルテオパーの待降節の風景に重ねて、引用する。

「管楽器は、善　き　も　の　への憧れを表現して、弦楽器は、　真　実　な　も　の　に結びついている。」

それでは立派で美しいものは？

「全ての管弦楽は、天国的で精神的な感覚と感応する。詩を歌うようにである。　響　き　は、言葉よりも精密な方法で経験を表現する。　響　き　は、言葉の助けを引きずる言語を乗り越えて、ある言語を成す。」。



参照：
ヘンデルの収支決算 [ 歴史・時事 ] / 2005-03-20
微睡の楽園の響き [ 文学・思想 ] / 2005-02-22
バロックオペラのジェンダー [ 音 ] / 2005-02-20
賢明で理知的なもの？！[ 歴史・時事 ] / 2005-02-25