ワーグナー「タンホイザー」

＜びわ湖ホール・プロデュースオペラ／サンディエゴ・オペラ制作＞
2012年3月11日（日）14:00／びわ湖ホール

指揮／沼尻竜典
京都市交響楽団
二期会合唱団
びわ湖ホール声楽アンサンブル

演出／ミヒャエル・ハンペ
美術／ギュンター・シュナイダー・ジームセン
照明／マリー・バレット
衣装／ウォルター・マホーニー
振付／ケトゥーラ・スティッキャン

タンホイザー／水口聡
エリーザベト／佐々木典子
ヴェーヌス／並河寿美
ヴォルフラム／大島幾雄
領主ヘルマン／大澤建
ヴァルター／岡田尚之
ハインリヒ／大野光彦
ビテロルフ／加賀清孝
ラインマル／鹿野由之
牧童／福永修子
小姓／岩川亮子／栗原未和／田中千佳子／本田華奈子


　3月11日、あの日から今日で一年が経つ。沼尻芸術監督がマイクを持ち、幕開け前の舞台に現われる。14時46分は一幕二場の牧童の歌辺りになるが、タンホイザーの祈りの心は、必ず被災地に届く筈と挨拶した。チューリンゲンに春の訪れる場面が、その時刻なのも廻り合わせで、僕も被災地の復興を願って祈りたいと思う。

　まず、タイトル・ロールの歌から。プレミエの福井敬は、さすがの豊かな声量が見事で、長いフレーズも楽々と歌い切る声の力が凄い。でも、一幕のヴェーヌスベルクのアリアでは、何時ものように短く切り分けたフレーズへ、スフォルツァンドと云うかクレシェンドと云うべきか、先太りのアーティキュレーションを挟むのを煩わしく感じる。立派な声の持ち主なのだから、もう少し素直に聴かせて欲しい。でも、これも二幕になると、こちらの耳の慣れたのか、或いは音楽自体と噛み合ったのか、結構楽しく聴けるようになる。特にローマ語りはノッペラボーに歌う輩の多く、しばしば退屈させられるが、ここでは福井の小細工が上手くハマり、僕は面白く聴かせて貰った。

　水口聡はイタリアっぽい明るい声と、福井とは違う素直なフレージングは良いが、スピントする高音部が綺麗にスッと伸びず、胴間声みたいになるのが気になる。この人にも声量はあるので、ローマ語りにダイナミズムの変化は付くが、音色の変わらないので面白くない。それと僕の座る天井桟敷席まで、プロンプターの声がウルサイ程に聞こえて、一体何事の起こったかと思う程だった。水口は初役だそうだが、それならもっとプロンプター・ボックスに近寄って歌えよ、とも思う。

　小手先の工夫の多い福井に対し、ヴェーヌスの小山由美には持ち声の良さで聴かせようとする、潔い姿勢がある。ヴァーグナーのツボを心得た歌に、さすがの深い美声と伸びやかな高音で、とても立派なヴェーヌスだった。並河寿美のヴェーヌスにも高音の伸びやかな美声があり、パセティックな情感を込めた歌心がある。本当はヴェルディの、それもメゾではなくソプラノ役で、聴きたい人ではあるけれども。

　エリーザベトは若手とベテランの取り合わせ。安藤赴美子は立派な声だが、フォルテで音色のキツくなる傾向がある。二幕の大詰めでタンホイザーを庇う場面等、そのキツイ声は効果を発揮するが、三幕の“祈りの歌”は音色の変化に乏しく、今ひとつ面白く聴けない。エリーザベトと云うよりトゥーランドット姫みたいで、優しく許すのではなく、先頭に立って厳しく追求されそうな感じもする。佐々木典子は明快なドイツ語のディクションで、自然なデュナーミクを付け、“歌の殿堂”のアリアは軽やかに爽やかに、“嘆願の場”では劇的な重い歌を唱い切り、力のある処も聴かせる。“祈りの歌”は荘重且つ清純な歌で、三曲を的確に分析して唱い分ける、誠に真っ当なヴァーグナー・ソプラノと評価したい。

　ヴォルフラムは黒田博の硬質なバリトンが役に嵌まる。剛毅な声は実直なお人柄を表しているようで、“夕星の歌”にやや甘さは欠けるが、これはこれで良かったと思う。大島幾雄は声に特色の無く、存在感が希薄。寄る年波かヴィブラートもキツ目で、声自体に華の無いのが辛い。

　ヘルマンの妻屋秀和は、何と云ってもガタイが良い。チビッ子騎士五人組から頭ひとつ抜け出し、一人だけ大人の混ざったようで、その立ち姿に風格がある。勿論、何時も通りの貫禄の声で、舞台を引き締めてもいる。大澤建は一応キチンと歌っているが、最低音のカスれて、領主らしい威厳に欠ける。去年、やはりびわ湖ホールで聴いたファルスタッフ役はソコソコ良かったので、恐らくブッファ向きの声なのだろうと思う。

　14時46分に歌われた“牧童の歌”は、訪れる五月を歓迎し、春と豊穣の女神ホルダ（別名ヴェーヌス）を讃える歌とされる。五月の到来を祝うメーデーは、11月のハロウィンと共に、寒暖の交替を告げる西欧の祝祭で、耶蘇のイースターにやや遅れて開催される、古代ゲルマンを起源とする異教の祭りである。メーデーの前夜祭“最初のヴァルプルギスの夜”は、メンデルスゾーンの同名カンタータと、ムソルグスキー「禿山の一夜」でお馴染みだが、これは魔女の酒宴で単なる乱痴気騒ぎ。対する「タンホイザー」の“牧童の歌”は、大地に恵みを与える春への頌歌である。

　春の訪れと共に、大地に祝福を与える女神ヴェーヌスは、枯れた教皇の杖を甦らせる生命力の象徴でもある。冬枯れした野山が春に甦える事自体、自然の力の起こす奇跡だろう。東日本大震災から一年となる日に、「タンホイザー」を上演する巡り合わせであれば、荒れ果てた大地に緑を芽吹かせ、被災地の復興を暗喩する、そんな演出の工夫があっても良かったと思う。今回の演出は何でもかでも絵解きして見せて、リアリズムの上に何かヘンなものの付くと、僕には感じられた。

　昨日の森季子も清澄な声で“牧童の歌”を聴かせてくれたが、今日の福永修子もレジェーロな声で、鎮魂の思いを込めたような柔らかい歌だった。牧童は本来ボーイ・ソプラノの役処だが、今回の女声二人にも良い歌心のあって、被災地の復興を素直に願える場面となったように思う。

ワーグナー「タンホイザー」

＜びわ湖ホールプロデュースオペラ／サンディエゴ・オペラ制作＞
2012年3月10日（土）14:00／びわ湖ホール

指揮／沼尻竜典
京都市交響楽団
二期会合唱団
びわ湖ホール声楽アンサンブル

演出／ミヒャエル・ハンペ
美術／ギュンター・シュナイダー・ジームセン
照明／マリー・バレット
衣装／ウォルター・マホーニー
振付／ケトゥーラ・スティッキャン

タンホイザー／福井敬
エリーザベト／安藤赴美子
ヴェーヌス／小山由美
ヴォルフラム／黒田博
領主ヘルマン／妻屋秀和
ヴァルター／松浦健
ハインリヒ／二塚直紀
ビテロルフ／萩原潤
ラインマル／山下浩司
牧童／森季子
小姓／岩川亮子／栗原未和／田中千佳子／本田華奈子

　
　今日は一昨年の「トリスタンとイゾルデ」に続く、沼尻芸術監督のヴァーグナー・シリーズ第二弾（順番は逆のような気もするが…）、「タンホイザー」のプレミエ上演。オケピットから序曲冒頭のホルンの旋律が立ち昇ると、パウゼには僕の座る天井桟敷席まで、奏者の生々しいブレスの息遣いが届く。ああ、「タンホイザー」だなぁと、それだけで感激してしまう。「トリスタン」の際もそうだったが、沼尻は特に序曲へ気合を込める。テンポ自体は遅過ぎず中庸だが、何事も最初が肝心とばかりに、猛然とフォワード・ラッシュを仕掛ける。

　その後も指揮者は弛みの無い演奏を続ける。二幕の入場行進曲では最初の内、まあこんなものかと思っていると、リピートがエライ勢いで盛り上り驚かされる。タイトル・ロールが、自分はヴェーヌスベルクに居たと口を滑らせる場面で、沼尻は衝撃的な程に張り詰めた音を聴かせる。ヴァーグナーに“爽やか”と云う表現は、余り相応しくないかも知れないが、でも今日の演奏は本当に軽やかで爽やかだ。京響のオケピットに入ったヴァーグナーを聴くのは久し振りだが、やはり関西では最もヴァーグナーの演奏機会の多いオケで、彼等はキチンとツボを心得ている。今回の「タンホイザー」でも、その実力を如何なく発揮してくれた。

　スコアを当った事の無い僕には分からないが、今回はヴァーグナーのト書きに、徹底して忠実な演出だったのだろうか。「トリスタン」も読替えのない穏当な演出だったが、今回は更にその上を行く、今時珍しい程のオーソドックスと云うか、随分と古臭いスタイルと感じる。

　序曲に続く、ヴェーヌスベルクの場面。具象的な岩山のセットを、赤っぽい色合いの照明で染めた舞台上では、露出度の高い男女のバレエ・ダンサーが、モロにヤッてるトコを描写した振付けで踊る、と云うか睦み合っている。そこへ紗幕を掛けた上、更にモクモクとスモークを焚いて狙う効果は、やや安易と云うか陳腐に過ぎると思う。舞台美術からは絵に描いたような“ありきたり”、振付けからはアダルト・ヴィデオの真似事みたいで“お下品”、と云う印象を受ける。ヴェーヌスベルクから、チューリンゲンの緑深い山中への舞台転換は、照明を赤から青に切り替え一瞬の内に行ったが、これも少し手際の良過ぎて、これ見よがしな芝居臭い工夫と感じる。

　二幕のヴァルトブルク城のセットはお伽噺風の造りで、中世風の衣装も古式床しく、舞台美術には平凡の良さのあり、歌手には音楽と筋立てに寄り添う、手堅い演技がある。故郷に戻ったタンホイザーと、再会した騎士達との和解や、皆の吊るし上げを食うタンホイザーをエリーザベトの庇う場面等、次のストーリー展開を知る観客の期待通りに処理する手際は、良い意味で保守的な演出と感じる。但し、歌手には細かい演技を施しても、その他大勢のコーラスには行き届かず、手を広げ前へ差し伸べるだけの場面の多いのには、やや興醒めさせられる。

　一幕の岩山のセットの再び出て来る三幕は、相変わらずヴェーヌスの出し方など泥臭く、無粋な演出に逆戻りする。その極め付けは、実際に葉っぱの芽吹いた法皇の杖を絵にして見せた事。今時の信者さんでは、聖書の奇跡を歴史的事実と考えるヤツも居ないだろうし、あれは腐敗したローマ・カトリックへの、ヴァーグナーの揶揄と考えるのが普通だろう。芽吹いた杖は如何にも作り物めいて、僕には手品師が懐から取り出す、安物の造花にしか見えなかった。

　昔、ヘネシー・オペラの小澤征爾指揮「オランダ人」で、演出に蜷川幸雄の起用された際、オランダ人船長とゼンダの絵姿が宙を飛ぶ幕切れを見せられ、呆気に取られた記憶がある。今日はアレと並び称されるドン臭い幕切れとして、日本オペラ上演史上の語り草にしたく思う。

　手品の世界にしか有り得ない、歩行補助器具に緑の芽生える挿話は、既成宗教の堕落の比喩的な表現で、それを視覚化する発想は音楽のリアリティも損なう。物理的な奇跡を信じない現代人にも、我が身を投げ出す利他的な行為を信じたい、そんな気持ちはある筈だ。そうであればこそ、エリーザベトの自己犠牲によりタンホイザーの救われる幕切れに、我々聴衆は感動する。杖に葉っぱの生えたから救われるのでは、決して無いのだ。耶蘇教の奇跡を信じない、葬式仏教徒の僕であっても、他人を思い遣る心は信じたい。それこそ「タンホイザー」のテーマであり、ヴァーグナーの音楽の本質と思う。
　
　幕切れでの京響と沼尻の馬力も見事で、「タンホイザー」全幕を立派に締め括り、僕はまた少し涙ぐんでしまった。爽やかで尚且つ、威風堂々とした要素にも欠けない演奏だっただけに、演出に興を削がれたのを残念に思う。ダンサーへの猥褻な振付けは、女性演出補の仕事のようだが、昨年末の「ドン・ジョヴァンニ」の女性演出家からも、僕は同じような匂いを感じた。

　つまり、この二人には性行為を穢れたものと見做す、抑圧されたコンプレックスに共通点がある。それが耶蘇の原罪意識とやらと関係するのかは分からないが、何れにせよ性的な偏向は覆い難く露骨に表れている。性描写は隠微にやればエロだが、見ていてちっとも楽しくないのでは、如何ともし難い。オペラを観に来た積もりで、アダルト・ヴィデオを見せられても、嬉しくも何とも無い。もう少し陽気に明るく、性愛を肯定的に扱えないものかと、僕は実際ウンザリしているのだ。

　沼尻の爽やかなヴァーグナーを聴きながら、これは“ヴァヲタ”さんを怒らせるんじゃないかなぁと、僕はやや不安だった。でも、カーテン・コールでは幸いにもブラーヴォの声だけで、ブーイングは全く聞こえなかった。これが新国立劇場なら、大挙押し掛けたヴァヲタさんのブーイングに、鬱陶しい思いをさせられた事だろう。こんな時、自分のフランチャイズがびわ湖ホールにある事を、本当に嬉しく思えるのだ。

ボロディン「イーゴリ公」

＜オデッサ・ナショナル・アカデミーシアター初来日公演＞
2012年1月28日（土）15:00／兵庫県立芸術文化センター

指揮／ユーリィ・ヤコヴェンコ
ウクライナ国立オデッサ歌劇場管弦楽団＆合唱団

演出／スタニスラフ・ガウダシンスキー
美術／Ｖ．Ａ．ボリスキー
振付／Ｋ．ゴレイゾフスキー
ウクライナ国立オデッサ歌劇場バレエ

イーゴリ公／アレクサンドル・ブラゴダールヌイ
ヤロスラーヴナ公妃／アーラ・ミシャコワ
ガリツキー公／セルゲイ・ザムィツキー
コンチャク汗／ウラジーミル・グラシェンコ
ウラディーミル公子／アレクセイ・スレブニツキー
コンチャコーヴナ姫／リリア・クチシェヴァ
スクーラ／コスチャンチン・ウルィビン
エローシュカ／イーゴリ・コルナトフスキー
韃靼人オヴルール／イェヴゲニー・ガヴリシ


　「プリンス・イーゴリ」は12世紀に成立した、中世写本「イーゴリ軍記」を元ネタに、作曲家自身の執筆した台本に基づくオペラだが、これをボロディンは作品として完成させる事なく、この世を去っている。作曲家の死後、全体のオーケストレーションをリムスキー・コルサコフが、断片として残された序曲と第三幕の仕立て直しをグラズノフが、それぞれ専ら担当した補筆改訂版が、このオペラの完成楽譜とされている。

　但し、二人とも補筆に当たり、自分の創作も相当部分に混ぜ込んだようで、この辺りの事情はモーツァルトのレクイエム等と同じく、それを分別するのは難しいようだ。従って、第三幕を偽作と認定して素っ飛ばすとか、あちこちをカットしての上演に口実は付く訳で、全曲上演の機会など絶無に近そうだし、まあ補筆版を全部聴いても仕方なかろう、と云う気のするオペラではある。僕が四年前に観た、マールイ・オペラの演出もガウダシンスキーだったし、今回も三幕はカットの二幕五場版による上演と云う事で、舞台自体は前回と同じのようだ。

　まず持って、遥々ウクライナからお越しのオペラ・ハウスに、イタオペをやらせるのも無粋な話だ。そもそも、イーゴリさんはウクライナの首都キエフの殿様だし、そのタイトル・ロールが軍勢を率いて戦いを挑む、韃靼人と訳されるトルコ系遊牧民ボロヴェッツ人の根城は、黒海北岸に位置するウクライナ第二の都市・オデッサなのだ。「イーゴリ公」はオデッサ・オペラに取って、正真正銘のご当地物なのである。それならば、初来日で力の入った処を聴かせて貰おうじゃないの、と考える次第である。

　前回と同じ演出と云っても、健忘症の僕の記憶には全く残っておらず、まあ初めてみたいなモンである。でも、予想通りセットは書き割りの立て看板だし、歌手とコーラスの演技も有って無きが如し。衣装のみ豪華なのだけには、薄っすらと前回の記憶の残っている。だが、今更そんな事に文句を付けても始まらない、これが毎度お馴染み旧ソ連圏オペラの、通例に沿った演出なのだ。

　そんな良く言えばメルヘンチックな舞台に、上手な歌さえ花を添えてくれれば、一観客として満足すべきなのだろう。その歌手の品定め。タイトル・ロールのバリトンが、スピントしない野太い声のままフォルテを伸ばす、平板なアーティキュレーションの歌い振りで、聴いていてちっとも面白くない。その嫁さんのソプラノも最初、唐突に高音を発する奇妙なフレージングで、先の思いやられたが、一幕後半のアリアは伸びやかに歌えて、まずはホッと胸を撫で下ろす。

　ガリツキー公のバスは声自体の魅力に乏しく、ノー天気な美味しい役処を生かせない。コンチャク汗はクセのあるキャラクター・バスだが、声に輝きのあって良く響くし、イーゴリとの対称性も付いて楽しく聴ける。アリアは一曲しか無いが、ウラディーミルは端正にフレージングを作る、折り目正しいテノール。声自体は重目でも、良い歌を唱ってくれた。コンチャコーヴナのソプラノはキツイ声に過ぎるし、もう少し音色の変化も欲しい処だ。

　総じて歌手陣の出来にはデコボコのあり、安心して聴けたとまでは云えない。でも、オーケストラの音には西洋的な洗練のあり、指揮者も端正に縦を揃えてアンサンブルは上手なので、ボロディンの音楽自体は充分に楽しめた。ただ、弦の人数が少なく、相対的に弱いので、管楽器がブカブカ吹き出すと聴こえず、バランスの悪いのが難ではある。でも、これを逆に云えば、フルートやホルンに実力者を揃えて、安心して聴けるとも云える。ロシアっぽい荒々しさに欠けて面白くない、とか言うのは無い物ネダリだろう。“韃靼人の踊り”や幕切れの盛り上がりでの、指揮者のカタルシスの作り方は見事だった。

　ただ、50名近くの頭数のいたコーラスは、バスの弱くてロシアっぽい重厚な響きは皆無。女声も非力で、合唱としてのクオリティは低い。でも、“韃靼人の踊り”での女声合唱はソコソコ綺麗で、バレエ・ダンサーには身体能力の高さがあり、キレのある踊りで楽しめる内容があった。このバレエのレヴェルの高さからも、初来日での力の入れようの分かる気がする。

　僕も二回、補筆改訂版の「プリンス・イーゴリ」を観て、これはボロディンのメロディー・メーカーとしての魅力の詰まった、美しい曲だとは思う。だが、良く言われるように、補筆改訂版は劇的な起伏に乏しい構成で、お芝居としての楽しみに欠けている。もう少し何とか、ボロディンの意図に近い上演は出来ないものか。そうでないと、何度観ても隔靴掻痒の想いの募る、そんなオペラだと感じるのだ。

シュッツ「クリスマス物語」SWV.435

＜H.シュッツとバッハ以前の17世紀ドイツ巨匠の音楽＞
2011年12月16日（金）19:00／京都文化博物館別館ホール　

アンサンブル・プリンチピ・ヴェネツィアーニ
ソプラノ／緋田芳江／鈴木芳
アルト／下村美穂
テノール／岡村雄一
コルネット＆リュート＆バリトン／笠原雅仁
バス／松下伸也

バロック・ヴァイオリン／大内山薫／中川敦史
ヴィオラ・ダ・ガンバ／頼田麗
コルネット／上野訓子
サクバット／松田洋介／日生貴之／織田貴浩
オルガン／野澤知子

Ｊ.エッカルド「Von himmel hoch 天上より現れ」
シャイン「Paduan 四声のパドゥアン」
ミヒャエル・プレトリウス「Puer natus ベツレヘムに産まれし幼子」
シュッツ「Sumite paslmum 賛美の歌／Fili mi Absalon わが子アブサロム SWV.269／
Exultavit cor meum in Domino 私の心は主によって喜び SWV.258
（シンフォニア・サクレ第１集）／O Jesu nomen dulce おおイエス、甘美な御名 SWV.308／
Veni sancte Spiritus 来たれ聖霊よ SWV.328（クライネ・ガイストリヒ・コンチェルト）／
Historia der freudenreichen Geburt Jesu Christi
イエス・キリストの喜ばしき降誕の物語 SWV.435」


　京都を本拠とする古楽団体、アンサンブル・プリンチピ・ヴェネツィアーニが昨年の“ヴェスプロ”に続き、今年はシュッツを取り上げる。何れも演奏頻度の少ない初期バロックの大曲だが、取り分けシュッツの季節物は滅多に聴けない珍品で、誠に有難い話である。個人的にクリスマスのＢＧＭ定番曲は、ブリテンの「キャロルの祭典」と、オネゲルの「クリスマス・カンタータ」、そして今日演奏される「クリスマス・ヒストーリエ」で、僕はライヴでは初めて聴く。

　関西ローカルでもヴェネツィアを名乗るアンサンブルなので、普段はイタリア物を中心に演奏しており、ドイツ物を取り上げるのは珍しいらしい。それがバッハでも、テレマンでもないシュッツと、これはまた渋い処を突いて来る。尺的に30分程度の曲なので、コンサートの前半はシュッツの宗教曲を中心に、四人の作曲家の小品を八曲演奏し、後半のメインに「クリスマス・ヒストーリエ」を置く一夜の構成。

　三条姉小路にある京都文化博物館別館の建物は、重要文化財に指定されている旧日銀京都支店で、東京駅丸の内口や大阪市中央公会堂でお馴染み、辰野金吾設計によるレンガ造り二階建て。元の銀行の営業部屋は天井吹き抜けの広いホールで、そこを演奏会場としてリサイクルした、なかなかお洒落な空間。平土間の入口は銀行受付になっており、そこを回り込んだ奥の方に客用の椅子を並べ、反対側に演奏者が陣取る。二階部分には廻廊が四周に張り出して、あそこで聴けば音が良いだろうなぁ、と思わせる。

　開演時間になると器楽のメンバーが定位置に着き、声楽陣の入場を待つ。歌手達が部屋の外でアカペラで唱い出し、そこへオルガン伴奏の入ると、そのまま唱いながらゾロゾロとホールに入場する、「キャロルの祭典」みたいな趣向でコンサートは始まる。最初のシュッツのモテットは、トゥッティでサクバットも華やかに、次はベース・ソロを器楽隊で支える曲。管と弦の息の合わず、危なっかしい場面もあったが、そこは生演奏に付き物の、ご愛嬌と云う事で。

　三曲目ではコルネットを吹いていた人が、オルガン伴奏でバリトン・ソロを歌う。この方は歌を唱い、コルネットを吹く他に、リュートまで爪弾くなど矢鱈に多芸で、声質は高音部の綺麗なハイ・バリトン。まず持ち声自体が良く、メリスマの技術もあって、今日の男声歌手三人の中では一番巧いのが、何だか可笑しくも感じられる人。四曲目はオルガン伴奏を入れた五声で歌う、ノン・ヴィブラートのソプラノ二人の魅力を引き出す曲と感じる。一人は透明な声、もう一人は少し色のある声で、二人の声の対比が美しい。ただ、二人とも声量に乏しく、もっと声を張り上げ、鮮烈なフーガを作って欲しかった。大声を出さなければボロも出ないが、それでは盛り上がりにも欠けてしまう。

　五曲目はソプラノ・ソロを、二本のコルネットとオルガンで支える。尺八みたいなコルネットを操る、二人には抜群のテクニックがあり、このメンバーの中では図抜けているように思う。ソプラノもソロで聴かされると、この方はアンサンブル歌手ではあっても、ソリストでは無いと分かってしまう。前半の最後にはミヒャエル・プトリウスのモテット「Puer natus」が演奏された。

　シュッツやシャインに先立ち、イタリアに留学したプレトリウスは、三巻から成る浩瀚な音楽辞典「シンタグマ・ムジクム」の著者で、プロテスタント・カントライの伝統の世界に生き、初めてヴェネツィア楽派の書法を伝えた、ドイツ音楽史の上で重要な作曲家。その嬰児イエス・キリストの誕生を祝福するモテットは、14名全員のトゥッティで演奏される。教会ぽい雰囲気のある天井の高いホールに、柔らかい音の立ち昇り、シミジミとしたクリスマス・ムードを盛り上げる。

　休憩後はお目当ての「クリスマス・ヒストーリエ」で、コルネットの人の指揮と合図の、中間位の身振りに従っての演奏だった。でも、このアンサンブルの14名の頭数は、指揮無しで演奏するには多過ぎるし、指揮者を置くのなら少な過ぎる。中途半端な指揮では、レツィタティーヴォとトゥッティの対比は際立たず、更に強烈な明暗の対比の欲しい処だ。ただ、このホールは演奏者と聴衆との間の距離が近いので、音量の小さいのはインチメイトな雰囲気も醸して、雰囲気自体は悪くない。

　この曲は詰まる処、エヴァンゲリストのテノールと、天使のソプラノの二人の歌手の力量次第で、全体の出来も左右される。テノールの人は高音のスピントせず、頭声の伸びないのが難で、劇的なアリアは歌えそうもないが、エヴァンゲリストとしてレツィタティーヴォだけを歌っていれば、そのリリックな声は生かされる。ソプラノの人も三曲あるアリアを良く歌えて、まずは満足すべき出来栄え。単に透明なだけではなく、ほんのりとシュッツの深い色合いも付いて、クリスマス・ムードを盛り上げてくれた。

　でも、アルトとバスの二人に、声量の無いのは困り物。取り分けバスの人には単独のアリアがあり、これが声の小さい上に低音も響かず、殆んど聴き取れない程。東方博士のトリオの歌は、男声がコルネットの人とバスの人しか居らず、サックバットを吹いていた内の一人が楽器を置いて歌い出す、実に手作り感に溢れる展開。大学グリークラブには吹奏楽からの転向組も多いが、管楽器の経験者は息の使い方を知っているので、歌の上達も早い傾向はある。サックバットの人もソコソコ歌えていたが、これも相対的な問題なので、今日の非力な専門歌手陣となら互角だったとも云えそうだ。

　とにかく全体的に音量の小さく、フォルテとピアニシモの明確な対比の無いのは辛い。でも、コルネットの人は吹いている時以外は指揮して、曲の最後では少し盛り上げて見せてくれたし、奏者全員がシュッツの音楽を把握している様子のあり、クリスマス・ムードは盛り上がった事で、僕としては了解したい。ただ、声楽陣は余りにも非力で、関西にも他に人材は居る筈だし、今後のテコ入れを要望して置く。

　昔、まだ僕の若い頃、所属していた合唱団の副指揮者が、シュッツをやりたいと頻りに騒ぐので、一体シュッツて何者やねん？と尋ねてみると、一度クリスマス・オラトリオを聴いてみろと勧められた。おまえにエヴァンゲリスト歌わせてやるから、と彼は僕を唆すのだ。その話を演奏会の打ち上げ二次会で同席した、関西在住の某有名エヴァンゲリスト歌手にすると、だから素人は困るんや、と言われてしまった。今日は酔いの回りが早いぞ、とかも言われた。僕の若気の至りのお粗末でした。

Ｊ.Ｓ.バッハ「ミサ曲ロ短調」BWV.232

2011年12月10日（土）15:00／兵庫県立芸術文化センター

指揮／ヨス・ファン・フェルトホーヴェン
ソプラノ／ドロテー・ミールズ／ヨハネッティ・ゾマー
アルト／マルゴット・オイツィンガー
テノール／チャールズ・ダニエルズ
バス／ピーター・ハーヴェイ
オランダ・バッハ協会合唱団＆管弦楽団


　僕は名前も知らなかったネーデルランド・バッハ・ソサイェティーだが、初来日の際の「ヨハネ受難曲」も好評を博した、日本でも人気の古楽アンサンブルらしい。創設は前世紀の21年、フェルトホーヴェン音楽監督の就任も30年前で、片田舎の教会を本拠地に地道な活動を続ける、結構な老舗である。それが何故、今世紀になって突然ブレイクしたのかと云えば、それは矢張りＣＤのリリースが理由だ。国内でのみ知られていた団体が、録音発売により国外でも名前を知られ、世界ツアーを行うに至る。何だか今時は、そんな話ばかりのような気もする。

　予備知識を仕入れず出向いたので、開演前の舞台に置かれた椅子を数え、これは小じんまりしたアンサンブルと初めて知った次第。声楽陣はソリストが五名にコーラスは十名、オケは弦と管の11名づつにティンパニー、鍵盤はチェンバロとポジティーフ・オルガンの編成。二千人収容の大ホールに総勢40名では、広い舞台が余計に広く感じられ、如何にも小編成の趣となる。小編成のロ短調ミサと云えば、自ずと思い出されるのはリフキン大先生のＯＶＰＰ（One Voice Per Part 各声部一人）理論だが、オランダ・バッハ協会の指揮者も独特な見解をお持ちのようで、今日は自分の聴き慣れたモノとは、随分と異なるスタイルの演奏だった。

　ソリストも加わって実質15名による合唱。冒頭のキリエ・エレイソンから、指揮者は流麗なレガートによる、圭角の取れたスタイルを志向していると感じる。それは曲のポリフォニックな構造を明らかにする、あくまで透明な音色による演奏で、とにかくコーラスの各声部を良く聴き取れる。中間部のクリステ・エレイソンのソプラノ・デュエット。透明な声質のミールズと深い声のゾマーのコンビは、二人共に徹底したメッサ・ディ・ヴォーチェで、やはり曲のテクスチャーを明らかにしようとする。

　続くグローリア冒頭のコーラスは、15名のトゥッティと五名のソリが交互に歌い出し、僕はあれれ？と驚かされるが、これは音楽に変化を付け、徐々に盛り上げる為の手段と感じる。今日の指揮者の言によると、声楽と楽器は共にソロ奏者を基本とし、これを随時にリピエニスト（総奏要員）が補強するスタイルには、ドイツの長い伝統の裏付けのあるそうな。バッハと同時代の演奏習慣では、ソロとトゥッティの交代は自明の事柄で、それはカペルマイスター辺りの指示により、適宜に行われるものなそうな。ははぁ…これってＯＶＰＰの進化形理論なんすかね？

　まず、ソリストによるアリアの演奏形態に付いて、第6曲のラウダムス・テでコンマスは椅子から立ち上がり、ミールズと二人並んで演奏する事で、この曲は謂わばソプラノとヴァイオリンのデュエットと、見た目からも認識させられる。ミールズのメリスマの技術も、超絶的なレヴェルにあった。この調子で第10曲のクイ・セーデス・アド・デクセラムでは、ソプラノのゾマーとオーボエが、第11曲のオーニアム・トゥ・ソールスでは、バスのハーヴェイとホルンが、それぞれデュエットとして聴かせてくれる。ゾマーは深いけれども軽い声質で、均質な音色のあるメゾ・ソプラノ。ハーヴェイは几帳面にメリスマを歌う、生真面目なバスだが、Ｓの無声音の強調は遣り過ぎとも感じられる。

　でも、第19曲のアリア、エト・イン・スピリトゥムは、謂わば二本のオーボエとのトリオで、ハーヴェイは美声を聴かせてくれる。第8曲のソプラノとテノールのデュエットも、二本のフルートとのカルテットで、歌手の声との掛け合いに、木製楽器の柔らかい音色が生かされる。ただ、第24曲のベネディクトゥスで、フルートとデュエットを組む、テノールのダニエルズが一本調子で、高音部をファルセットに逃げるのも聴き辛い。

　次は合唱曲の扱いに付いて、第7曲のグラツィアス・アジムスはトッティによる演奏で、全く力まない透明なフォルテが美しい。第9曲のクイ・トーリス・ペッカータ・ムンディは、ミールズを除いた四人のアンサンブル。グローリアの掉尾を飾る、第12曲のクム・サンクト・スピリトゥスは、速目のテンポで軽やかに盛り上げ締め括る、とても祝祭的な演奏。この曲の冒頭のテノール・パートは、余りにもお馴染みの旋律だが、これをソロで歌い出したのには、やはり驚かされる。クレド冒頭の第13曲もダニエルズのテノール・ソロで始まるが、そのノン・ヴィブラートで突っ張り、フォルテで硬くなる声が気になる。やはりソリスト五人によるアンサンブルだが、次の第14曲のパートレム・オムニポテンテムをトゥッティで畳み掛け、二曲に対照を付けていた。

　第16曲のエト・イン・カルナートゥスが最初からトゥッティなのは、瞑想的な曲想のピアニシモを、分厚く聴かせる作戦と見た。続く第17曲、クルチフィークスのポリフォニックな構造を、ソリスト達が低音域のピアニシモで聴かせると、そこから第18曲のエト・レズレーシットへと、トゥッティで華やかに雪崩れ込む。この三曲の対比の効果を、指揮者はキチンと計算して外さない。

　第20曲のコンフィテールもトゥッティで始め、その後にソリストの五人に移り、また15人のトゥッティに戻る等、アンサンブルとコーラスはクルクルと目まぐるしく交替する。こうしてクレド全曲を、軽く明るくリズミカルに締め括ると、第22曲のサンクトゥスでも、カウンター・テノールを含む六人のアンサンブルを挟み、とにかく明るく盛り上げる。第23曲のオザンナ・イン・エクセルシスに至っても、やはりソリとコーラスが交代しながら、ひたすらに軽く明るい演奏は続く。ここまで聴いて来て、どうやらメリスマでフレーズを伸ばす部分はソリ、短い音節で言い切る部分はコーラス、と云う傾向はあるように感じる。

　山あり谷ありの末、いよいよロ短調ミサも大詰め、第26曲のアニュス・デイを迎える。だが、一応それなりに盛り上がってはいても、ここまで漸く辿り着いたのだなぁ、と云う感慨は今ひとつ湧いて来ない。そもそもアニュス・デイは暗い曲の筈だが、妙にネアカで表面的な演奏に聴こえる。つまりはデュナーミクの彫りの浅いのと、リズムに軽重の使い分けの無いので、音楽は常に明るく感じられる。全体的に速目のテンポで、歌手は絶叫など一切せず、表情の一定で音色も変わらない。軽いリズムで明朗快活一辺倒、終始一貫して透明でレガートな演奏では、やはり飽きの来てしまう。暗い音色や重いリズムも無いと、ロ短調の峻険は表現出来ないと思う。

　何事にも薄味の流行る世相を背景に、こんなヒーリング・ミュージックみたいなバッハ演奏も持て囃されるのだろう。だが、リヒターは古臭いとか、古楽のトレンドはとか云う以前に、指揮者には楽譜の意図を読み取り、表現する責務があると考える。それはスタイルの新旧の問題ではなく、ひとつ一つの音に含まれる軽重と明暗を、指揮者が測れているか否かだ。その意味で今日の演奏を、僕は一度聴けば充分と感じる。少なくとも、この指揮者の演奏を聴く機会を、今後も積極的に作りたいとは思っていない。