Moritareiko2000の美術探訪

美術(絵画、工芸品)と美術館に関する探訪を主体に、
芸術に関する個人的な考えも発信する。

エル・グレコとムンク

2017年02月28日 | 美術館

        

マニエリスムのエル・グレコ「福音書記者聖ヨハネの幻視」と、表現主義のエドワルド・ムンク「叫び」を比較する。ムンクの作品は、明らかに、デッサンよりも色彩のリズム、更にはデフォルメを使用した人物表現など、現代の抽象画につながるものである。

この様な絵がないかと探していて、エル・グレコの絵が同じ印象、デッサンよりも色彩のリズム優先、マニエリスムによる人体比率のデフォルメなどに気が付いた。

 この2つの絵を比べてみた。

 

 

福音書記者聖ヨハネの幻視(エル・グレコ)
 エル・グレコの最晩年の作(1610年頃)で、マニエリスム様式の最後期の作品である。天を仰ぐ聖ヨハネを強調する異常に長い手足、非現実的な空間構成、原色を多用した表現などが特色である。色に注目すると、聖母マリアの象徴の赤と青、イコンで使用される色の意味を感じる白、緑、黄、茶等から、宗教的図像の影響が分かる。
 画題が珍しいので、図像的な制約が少ない、言葉を変えると自由に構成できることになる。このため、画家の心が宗教に縛られているとはいえ、この絵は作者の自由な心象風景である。
 多少の矛盾はあるが、中央から当たっている光、人物の動き、一瞬間を切り取った画面等はバロックを予感させる。

 絵画はルネッサンスを境に、大きく変化する。即ち、貿易等により豊かになった市民階級、王侯貴族が芸術としての美を求め始めたこと、対抗宗教改革の影響、ヨーロッパ内の交流が盛んになったこと等で、絵画表現が大幅に進化し始めた。さらに、油彩とキャンバスが発明されて、技術的制約が取れたことも、これにおおきく貢献している。
 簡単に、この変化を見ると、自然な進展と感じられるが、静的であったダ・ビンチ(15世紀末)から、人間表現の美を求めたミケランジェロ(16世紀初頭)の人体比率、光と色の美を求めたティツィアーノ(16世紀中葉)等の自然な発展があった。

ミケランジェロや、ティツィアーノの彫刻や絵から、人体表現の美を求めた人体比率、多様な美の表現を求めてマニエリスムが起こってきた。17世紀初頭、ヨーロッパ諸国では、マニエリスムは耽美的で奇妙な絵へと変化し、終焉を迎えた。しかし、カトリックの影響が強かったスペインでは上記の傾向は少なく、写実と美を両立させたエル・グレコの絵は、批判はあったものの、宗教画として受け入れられた。

 
叫び
 ムンクの29歳の作(1893年)で、表現主義様式の最初期の作品である。遠近法の消失点まで伸びる欄干、歪み盛り上がった海、赤くリズミカルな空、喜びとも驚きとも取れる人物、すべては写実と色彩から自由になり、画家の感情を表すことを中心にしている。デッサンよりも、色と構成による心の表現に重点を置いている。

「福音書記者聖ヨハネの幻視」から300年後の作品である。マニエリスムやベネチア派の絵は、次のバロック絵画を予感させた。しかし、その重さを克服するため、軽快でリズミカルなロココ様式がフランスを中心に生まれた。
 ロココ以降は宗教的桎梏はさらに緩くなり、画家が自由に自我と美を求め始めた。光の追求、形の追求、空間の追求等、画家が芸術的良心に基づき美と感性を具現した。

一方で写真が出現し、その写実性と物の存在感を示す能力の高さに対抗するため、形の本質、色の本質を表現しようとする試みが出てきた。印象派やポスト印象派などである。画面に立体感や質感を表す必要は、必須のものではない。浮世絵の色使いが、ポスト印象派に影響を与えたのは、このような理由からである。さらに、この表現法を追求したのが、その一例として、ムンクである。


エル・グレコとムンクの比較
 人物表現を見ると、エル・グレコは人体比率を伸ばしているが、ムンクは、デフォルメを行い、はるかに表現の自由度が高い。前者の空間構成は人物の大小によるが、後者は遠近法と濃い青色の使用により、空間の奥行きを自由にコントロールしている。また、後者は色の種類は少ないが、感情表現は豊かである。この様に、詳細に見ると、300年の間に絵画表現の自由度が大幅に向上した。

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エル・グレコの聖ヨハネの幻視

2017年02月15日 | 美術館

福音書記者聖ヨハネの幻視   エル・グレコ

  

 印象

 非常に印象的な絵で、一見して、エル・グレコの絵とわかる。大胆な色の使い方、遠近法と身体比率を超越した画面構成、躍動感のある人物、そこには、リズムと、願いの成就を願う熱意が感じられる。

 

背景

エル・グレコは1541年にクレタ島で生まれ、1567年に、ヴェネチアにわたり、ルネッサンス期のヴェネチア派の巨匠ティツアーノに学ぶ。1570年にローマに移りミケランジェロなどの作品を学ぶ。1576年にスペインにわたり、スペイン・カソリックの本山であるトレドで宗教画家として活躍する。この作品は彼の死の前の、1610年ごろに制作された最晩年の作品である。

政治的に見れば、当時ヴェネチア領であったクレタ島は、ギリシャ正教とカソリックの衝突があり、オスマン帝国の圧力を受けていた。このような状況下で宗主国のヴェネチアに移住するのは自然な流れかもしれない。スペインは、ハプスブルグ家のもと神聖ローマ帝国の一部であり、海外植民地経営により、莫大な富を得ていた。プロテスタントとの宗教戦争ともいえるオランダ独立、スペイン無敵艦隊の敗北などで衰退に向かいつつあるとはいえ、依然として、カソリックと美術の中心であり、芸術家の憧れの地であった。

社会的に見れば、ルッターの宗教改革に対する対抗宗教改革のさなかであり、まだ、魔女裁判が実際に行われていた時代である。さらに、黒死病は14世紀の大流行から比べると、小康を得ているとはいえ、依然大きな脅威であった。

一方、私的に見れば、フィリペ2世に、その個性の強い絵が着哀れ、宮廷画家になることができず、

更に、借金に苦しみ不遇な晩年を過ごしたといわれている。この絵はその最晩年に書かれたものである。

 

 

様式

 異常に引き延ばされた聖ヨハネの体、遠近法を無視したような蘇った殉教者たちの作る空間、自然の色を離れた大地と空、原色の山、短縮法を使用した天使など、マニエリスムのひとつの典型である。

 画面構成は、黄色を背景とした白い肉体の男女3人が特に目立つ印象を受ける。これは、ルネッサンスのヴェネチア派の技法を使っている。 光が中央上面より当たっているように見えるが、必ずしも統一されていない。イマジネーションを重要視するティツアーノの手法を発展させたものである。

 画面構成は動きがあり、ミュージカルの舞台を見るようであり、バロック的なものを予感させる。

 

図像(イコノグラフィー)

この絵は、聖ヨハネの黙示録の第5の封印が解かれた時である。キリスト教の宗教画は、最後の審判を除けば、大部分は過去に起こったことをとりあげていて、図像的(イコノグラフ)に、約束事が多い。しかし、この画題はほとんど書かれたことがなく、そのため、この制約が少ない。即ち、自由に絵を描ける可能性が高い。

クレタ島でイコンを学んでいたという目で、使用されている色を見てみると、聖ヨハネの青い服と赤い布は、聖母マリアの象徴の色である。マリア信仰の強かったスペインで、聖ヨハネにこの色を使っているのは、画家の心象が、宗教画の伝統から自由でないためか、色そのものの持つ意味が心象として画家自身のものとなっていたためと推定される。さらに、ギリシャ正教のイコンからは、正義を示す白い布、自然を示す緑の布、聖女マグダナのマリア(正教とカソリックでは評価が一致しない)の服の色ともいわれる黄色、さらに、大地と流転を示す茶色などがそれぞれの意味を持ちながら使われている。

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