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チャイコフスキー晩年の闇と、未完に終わったはずの「ピアノ協奏曲第3番」の真実

2015年04月23日 16時35分03秒 | 私の「名曲名盤選」

 

 チャイコフスキー『ピアノ協奏曲』は『第1番』だけが人気曲で録音も多く、『第2番』『第3番』は、ほんのいくつかしかCDがないが、その中で、ペーテル・ヤブロンスキーのピアノ、シャルル・デュトワ指揮フィルハーモニア管弦楽団による演奏が、私の知る限りでは最上の録音だと思っている。
 私がこの両曲を初めて耳にしたのは、もうずいぶんと昔のことで、1972年のギレリスとマゼールによるEMI録音の『ピアノ協奏曲全集』だった。だが、ヤブロンスキー/デュトワ盤を聴いたとたんに、その、遠い昔の記憶が、「とりあえず、音にしてみましたので、聴いてください」といった感じの、通り一遍の演奏に過ぎなかったのだと思い出されてしまった。
 天下のギレリス/マゼール組に対して、ずいぶんな物言いだが、実際、当時はそのくらいに珍曲の録音だったはずで、挙句の果てに、「つまらない曲だなぁ」と思って、それきりになったのだから罪深い。同じ時期だったか、このギレリス盤の少し後だったかに発売されたウェルナー・ハース盤の「1番/3番」のレコード(バックのオケや指揮者が誰だったも忘れていた)は、とうとう聴かず終いになってしまった。この稿を書くに際して調べてみたら、それは若き日のインバル指揮モンテカルロ歌劇場管で、10年以上前に欧州盤の2枚組CDがフィリップスから出て現在は廃盤だが、先日、イギリスからの中古盤取り寄せに成功した。今更ながらである。

 ヤブロンスキーとデュトワとの演奏は、日本盤ライナーノートに掲載されている伊熊よし子氏による録音セッション前の面会証言にもあるとおり、二人とも明らかに、曲のイメージに確信を持って録音に臨んでいるのが、よく伝わってくる。作品に対する「共感と愛情」が生んだ名演なのだ。
 「第2番」は、初演直後に「しつこ過ぎる」という批判によって作られたシロティ版(作曲者自身が認めた短縮版とされている)となる前の、チャイコフスキーのオリジナル・バージョンで演奏している。(ギレリスをはじめ、今日、一般に演奏されているのは「シロティ版」のはずである。)そして「第3番」は、完成した部分(第1楽章)に続けて、スケッチしか残っていなかった第2楽章(アンダンテ)と第3楽章(フィナーレ)が、チャイコフスキーの弟子でもあったタニェーエフによるオーケストレーション版(「アンダンテとフィナーレ」op. 79)で、続けて収録されている。つまり、これらを通して聴くことで、通常の3楽章構成の協奏曲完成版として鑑賞できる仕立てだ。
 タニェーエフのオーケストレーションも、なかなかに愛情のこもった仕事で、チャイコフスキーの着想への深い共感と想像力が、まとまりのよい音楽としての仕上がりを生んでいる。この「完成版第3協奏曲」によって私は初めて、チャイコフスキーの最晩年の心境の一端を聴く想いがしたと言ってもよい。
 「ピアノ協奏曲第3番」には、もともと交響曲として構想され、それが行き詰まった末に、「メロディの着想がヴィルトーゾ的だから、協奏曲に向いているのではないか」という認識で方針変更された作品だという逸話がある。
 だが、チャイコフスキーの脳裏に最初に浮かんだタイトルは『人生』だったという。それが結局、協奏曲化にも行き詰まって未完のまま、第一楽章のみの単一楽章の協奏曲作品として残されてしまったのは、決して偶然ではないはずだ。「交響曲」から「協奏曲」へ変更していく苦悶に満ちた音楽の、ギシギシときしむ様が、ヤブロンスキー盤からは聞こえてくる。この曲は「ヴィルトーゾ的」な作品などではなく、「人生」という抽象的な概念を音化しようとした「交響曲」となるべき素材だったはずだ。

 じつは、作曲者の死後半世紀も経った1950年代に、当時新進気鋭の作曲家だったボカティレフという人物が、『交響曲第7番』(つまり、「悲愴交響曲」の次に位置する交響曲)として、編曲した作品が存在する。これは、当時のソビエト連邦内で録音された後、1960年代の後半に、オーマンディ/フィラデルフィア管弦楽団が録音したレコードが発売されて、西側でも広く知られるようになった。
 このオーマンディ盤も、私は発売当初に聴いた記憶があるが、何しろまだ中学生だった時代である。その時の印象は、とにかく派手なだけの空疎な曲、の一言に尽きた。ところが、つい最近、ドミトリー・キタエンコ指揮ケルン・ギュルツェニヒ管弦楽団が演奏したCDで聴いた『交響曲第7番』では、すっかり感激してしまった。

 ボカティレフの編曲は、「協奏曲第3番」の第2楽章としてスケッチが残されている「アンダンテ」を第2楽章に、同じく「協奏曲第3番」フィナーレのスケッチを第4楽章としてオーケストレーションを施し、第3楽章として、チャイコフスキーの晩年のピアノ小品の旋律を素材にして創作された、というものなのだが、これがまた、愛情にあふれた傑作なのである。ひと息で聴いてしまい、何の違和感もなく感動する、よく出来たひとかたまりの「世界」だ。編曲者のチャイコフスキー観に揺るぎのないものを感じるだけではなく、それを、共感と畏敬の念を持って音にしている指揮者とオーケストラの世界をも感じる、聴き応えのあるCDである。「ピアノ協奏曲」とするよりも、交響曲的な響きのほうが似合っていると確信する充実した響きだ。
 そして、スケルツォ的に仕上げられた「第3楽章」が、しっくりと配置されていることに驚く。私は、晩年のチャイコフスキーは「音楽の抽象化」という陥穽(=落とし穴)に迷い込んでいたと見ているが、そのチャイコフスキーが、「交響曲」か、それとも「協奏曲」か、と考えあぐねた末に頓挫してしまった原因が、ここで見事に解決されているように思った。傑作である。ちょっと大げさかも知れないが、「他人の手によって、こんなことも起こるんだなぁ」と、感慨無量だが、これは、キタエンコの周到な運びの演奏によって気づかされたことでもある。
 そう思った瞬間、むかし聴いた「オーマンディ盤」が、どうだったろう――、協奏曲での「ギレリス/マゼール盤」と同様のものだろうか、と、にわかに確かめたくなってしまった。因果な性分である。
 ――というわけで、キーワード「チャイコフスキー 交響曲第7番 オーマンディ」で検索したら、たちどころに見つかった。『オーマンディ/チャイコフスキー録音集』の12枚組CDボックスに収録されていた。かなり安価である。即、購入。そして、もちろん、ギレリス/マゼールの『協奏曲全集』も我が家のCD棚から数十年ぶりに引っぱり出した。どちらも40数年前の印象が間違っていたのかを確かめなくてはならないと思ったからである。

 翌日さっそく、アマゾンから「オーマンディ/チャイコフスキー録音集」が届いたので聴いてみた。すると、やはり、キタエンコの指揮で聴くのとは大違いだった。オーマンディ盤は、兎にも角にも華麗に力強く、猛烈な推進力で駆け抜けるきらびやかな世界を提示している。スペクタクルなサウンドと言っていい。「序曲1812年」のような世界、と言えばわかりやすいだろうか。これは、オーマンディにしてみれば、少しでも立派な曲に聴こえるように配慮してのものだろう。いわば、善意から出たものだ。
 もちろん、こうした改変作品にありがちなこととして、オーマンディの録音は「譜面が違うのではないか?」と、知人にも言われたが、基本は変わっていない。序奏部を短縮しているようだし、一部に楽器の補強などもあるが、総じて、指揮者の解釈上の「方向性の明確化」の範囲での変更といってよい。つまりは、「解釈」の方向性の違いにこそ目を向けるべきなのだ。
 この傾向は、「協奏曲」版となると、更に顕著だ。ギレリス/マゼール盤は、各部分の音の動きを克明に追って素早く駆けずり回る、おそろしく丁寧で細かな表現を徹底して行い、その名人芸ぶりで、これもまた凄い。ギレリスの指の動きとマゼールの指揮棒の技術だけに限れば、これほどに鮮やかな演奏は、めったに聴かれない。ハース/インバル盤は、このスピードとクリアさではとても及ばないが、この曲の名技性を前面に押し出すことでは共通で、しかも、オーマンディの交響曲版に通ずるスペクタキュラーな作品として提示している。つまり、この時代、1970年代ころのチャイコフスキーに対する認識の根底にあったものは、共通しているのだ。
 だが、先にも書いたとおり、ヤブロンスキー/デュトワやキタエンコ/ギュルツェニヒ管でチャイコフスキー最晩年の未完に終わった作品を聴くと、そのイメージががらりと変わる。不安や焦燥感が何物かへの切なる願いと交錯し、その彷徨う心はどこまでも深く沈み込む。――これが、私たちが「悲愴交響曲」の終楽章アダージョで知り得たチャイコフスキーの深い闇なのだ。
 そして私自身は、そのことに気づくまでに、半世紀近い年月が経過してしまったわけである。
【付記】
ロシアの外貨稼ぎイベントに連動するようにしてPRが凄まじかった新しい3楽章バージョンの「第7交響曲」には、私は関心がない。喧伝する人々の動機に胡散くさいものを感じるからだ。

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私の「名曲名盤選」のその後と、C君とのやりとりについて

2015年04月22日 11時33分30秒 | 私の「名曲名盤選」

 たまたま数年前に、あるところで知り合ったC君の質問に答える形で、このところ毎週のように、私が過去に執筆したいわゆる「名曲名盤」のその後の変遷を再考したり、これまで一度も書いたことのない曲目のさまざまな演奏を比較試聴する機会が増えてしまった。
 私自身の考えを整理する意味でも興味深い依頼だったので、気軽に引き受けてしまってから、じつは、もう3年くらい経ってしまった。まったくの初心者だったはずのC君だが、もともと音楽への勘の良さと、文芸全般に対する幅広い知識を持ち合わせているので、最近では、私自身にずいぶんと刺激になる変化球を投げてくるようになった。彼の質問に答えたいことが度重なる最近は、私自身が彼の問いへの答えを、嬉々として書き連ねているようにも感じてきている。
 そこで、今後、そうした彼とのやりとりの中から、書き留めて置きたいと思ったことを、少しずつまとめて行こうと思う。長年続けてきた書籍編集者としての自分の仕事を振り返ってみても、私自身が良き読み手になれた時が、それぞれの著者から一番いい原稿を受け取れていたように思う。
 じつは、先日のファリャ『スペインの庭の夜』もそのひとつなのだが、多少書き直して整えたとはいえ、そこに残された筆致でもお分かりのように、あくまでもまだメモ書きの延長上にあるもので決定稿ではない。いずれ、『名盤つれづれ記』のような形でまとめる折にでも細部を検討するつもりだが、問題提起の一種として、これからの「C君への回答」のこのブログでの先行掲載をお読みいただければ幸いと思っている。
 第1回目は、明日、掲載する予定にしている。

 

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METライブビューイング2015、ロッシーニ「湖上の美人」を観る

2015年04月16日 10時23分05秒 | エッセイ(クラシック音楽)

 ロッシーニが作曲して初演された1819年から、約200年近くを経て、ようやくMET初演となったというロッシーニ『湖上の美人』のライブ映像を、東京・東銀座の「東劇」で鑑賞した。収録は2015年3月14日。演出がポール・カランで、指揮は、若手ながらロッシーニ振りとして第一人者と評価の高いミケーレ・マリオッティである。

 配役は次のとおり。

エレナ……ジョイス・ディドナート(メゾ・ソプラノ)

スコットランド王(ウベルト)……ファン・デイエゴ・フローレス(テノール)

マルコム……ダニエラ・バルチェッローナ(メゾソプラノ)

ロドリーゴ……ジョン・オズボーン(テノール)ほか

 以前にも、このブログに書いたと思うが、このオペラを私自身はこれまで、1983年のロッシーニ・フェスティヴァルの際に録音されたエレナ役をリチャレッリが歌ったポリーニ指揮ヨーロッパ室内管弦楽団によるCDで聴いているに過ぎない。私のような音盤派にとっても、それ以後、ビデオ画面も見たことがなかった作品である。それもそのはずで、この『湖上の美人』は、軽妙洒脱なオペラ・ブッファで知られる(というか、人気の高い)ロッシーニの、生真面目なオペラ・セリア作品なのだ。19世紀の半ば過ぎから100年近くもの間、特定の作品しかほとんど上演されなかったロッシーニのオペラが、1970年代になって、やっと広がりを見せはじめ、ロッシーニ・ルネッサンスともいうべき80年代になって、さまざまの作品が上演され、録音される中で、ようやく脚光を浴びた作品のひとつが、この『湖上の美人』だったと記憶している。

 

 ポリーニ盤(写真)で初めてこのオペラを聴いた時、私自身は、その旋律線の美しさにまず魅せられ、そして、伴奏オーケストラに登場人物の心理状態をきめこまかく想起させるロッシーニの手法に舌を巻いたのを憶えている。オーケストラの動きが、じつに複雑なのだ。よく書けているオペラである。だからこそ、近年、評価が高まっているのだと思う。

 今回のメト初演を指揮するマリオッティは、この『湖上の美人』を、8歳のときに初めてオペラ・ハウスで観て、それ以来大好きだという。幕間に上映されたインタビューでの発言である。――ということは、年齢から推して、ロッシーニ・ルネッサンスの波のなかでの邂逅というわけだ。私も、ずいぶん長い間、音楽を聴き続けてきたのだな、と思わず苦笑した。

 オペラ・ファンなら先刻ご承知と思うが、このオペラはべルカントの饗宴といったもので、このオペラの上演を成功させられる歌手を揃えるのは並大抵ではないが、その意味では、メト初演の配役は、望み得る最高の組み合わせと言っていいのだろう。彼女ら、彼らは、幕間のインタビューで、異口同音に、ヨーロッパのオペラハウスでもいつも、このコンビで歌ってきたとか、メトを通じて、世界中にこのオペラの素晴らしさを発信できるのがうれしい、と語っていた。その意気込みが伝ってくる名唱でもあった。特に、第2幕冒頭のフローレス、フィナーレ直前のディドナートは圧巻。ズボン役のバルチェッローナとのメゾ二重唱も圧倒的な迫り方で聴かせる。メト初演を勤める喜びがあふれてくるような舞台である。

 マリオッティの指揮するオーケストラが響きを抑制された薄塗りの色を敷く上で繰り広げられる歌合戦は、じつに聴き応えがある。精緻な室内オペラのような響きを確保しながら進行させるのは、この指揮者にかなりの力量があるからで、合唱が全開するのも、フィナーレでの国王万歳だけである。全体に響きを高域に寄らせるようにオーケストラがドライブされており、なかなかに、ロッシーニ・サウンドの名手である。木管を中心にした音楽の動きが、よく透けて聴こえるのもいい。ポリーニの指揮で気付かされたロッシーニの書法が、ロッシーニという斬新で革命的だったこの作曲家が、既に、後の時代のヴェルディやプッチーニへと連なるヴェリズモ・オペラ的なオーケストラ書法のさきがけだったということを確信させる。マリオッティ自身も、幕間のインタビューで、『湖上の美人』は、10年後に書かれたロッシーニ最晩年のオペラ・セリア『ウィリアム・テル』へと連なり、それは、イタリア・オペラのその後へと連なっている、と語っていた。すべて、手の内にある人の見識である。この指揮者、これから、もっと評価が高まるだろう。

 なお、カランの演出(既にヨーロッパで定評があるものをメトに持ち込んだものだそうだ)も見事なもので、この複雑な人間関係が、じつにわかりやすく、それでいて、豊かな想像力を喚起させるものだった。

 すばらしい上演記録だと思う。音盤派を自認している私にとって、これまで、こうしたいわゆる「ライブ収録もの」は、あくまでも興行の一環であって、「今年、この日は、まぁ、こんな様子でした」といった程度のものだと思っていた。かつて、レコードのためのスタジオ・セッションが、大げさでなく、私たち人類の記録として100年、200年先まで残るはずだという確信と覚悟を以って制作されていたのとは意味合いがちがう、と思っていたのだ。実際、ほとんどのライブ収録映像は、その域に留まっている。いわば、参考資料であって、「永久保存版」ではないのだ。

 この2015年3月のメトロポリタン歌劇場における『湖上の美人』の記録は、ロッシーニ・ルネッサンスの大いなる成果のひとつとして、「永久保存版」と言っていいのだと思った。それほどにすばらしい上演記録だった。

 

(4月15日に執筆したのち、16日、17日と推敲、加筆を数回繰り返してしまいました。これにて、ひとまず決定稿とします。)

(なお、今回の執筆に際して改めて、さまざまな検索で他の音盤の有無を調べ直してみたところ、最近になって、セラフィン指揮による1958年のフィレンツェ五月音楽祭公演という伝説的復活上演の記録というCDが発売されていることを知った。ロッシーニ・ルネッサンスの経過を辿る、またとない「資料」だと思う。)

 

 

 

 

 

 

 

 

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ファリャ『スペインの庭の夜』を聴くCD

2015年04月06日 16時35分58秒 | 私の「名曲名盤選」

 先日、友人のC君に、ファリャの『スペインの庭の夜』を聴きたいのだが、と問われて、何とはなしに、ラローチャで聴けばいいのでは、と答えてから、ちょっと考え直し始めて、少々深追いしてしまったので、そのことを「メモ書き」することにした。
 まず、我が家のCD棚のラローチャを収めた辺りを眺めていて、ラローチャ自身が英デッカにステレオで2種の録音を残していることに、うかつにも、初めて気づいた。何度か組み合わせを変えて様々なアルバムに登場するのはフリューベック・デ・ブルゴス指揮ロンドン・フィルとの80年代録音のようで、私がずいぶんむかしにLPレコードで聴いて印象に残っている、それ以前の70年代にセルジュ・コミッショーナ指揮スイス・ロマンド管弦楽団とで録音したものは、ほとんど顧みられていないようだ。私はこのラローチャ/コミッショーナのCDは、ハチャトリアンの『ピアノ協奏曲』を聴くときに、国内盤で購入していた。アルベニスやグラナドスなど、他のスペインの作曲家の協奏的作品集を、組み合わせが異なるもので2種、海外盤を購入したときに、ファリャについて、さほど気に留めず、同じものと早合点していたものだ。
 今回、改めて聴き比べてみた。
 コミッショーナ指揮の70年代録音の方が、ラローチャのピアノも伴奏のオーケストラも音楽の表情が生き生きしていて、豊かな広がりを感じるが、そのラローチャと80年代に協演した指揮者フリューベック・デ・ブルゴスは、何の感興もない凡庸な指揮ぶりで、「スペインの庭の夜」という曲を「つまらない音楽」にしてしまっている。だがそれは、おそらくラローチャのピアノに原因がある。
 というのは、同じフリューベック・デ・ブルゴスが、仏EMI盤のゴンサロ・ソリアーノとの協演では、打って変わって表情豊かにオーケストラをドライブしているのだ。ファリャの音楽には粗削りなところがあって、それが、ラローチャの手にかかると、妙に洗練され過ぎてしまうことがある。ラローチャはスペイン出身のピアニストだが、ある時期から、決してスペイン音楽は得意ではなくなってしまった人ではないかと思っているのだ。それが、「洗練」という魔物の正体でもあるわけだが、おそらくそれは、70年代から少しずつ始まっていたと思う。
 ラローチャというピアニストに私が初めて接したのは、ソニーがニューヨークのスタジオで単発的に収録して発売した『ラヴェル集』だが、それは、正に、スペイン音楽的イディオムを洗練させた、じつに鮮烈な演奏だった。そして私はその後、むしろ、モーツァルトを弾くラローチャを中心に聴いていたような気がする。

 

 さて、この写真の仏EMIによるCD5枚組アルバムは、標題どおり、アルベニス、グラナドス、ファリャのピアノ・ソロ作品を集めたものだが、最後の余白に『スペインの庭の夜』が収録されている。ソリアーノのピアノを支えるオーケストラはフルーベック・デ・ブルゴス指揮のパリ音楽院管弦楽団である。このちょっと野卑な味わいもあるソリアーノの『スペインの庭の夜』からは、じつに「いい音楽」が聞けるのだ。結局、C君には、この演奏を第一に勧めることにした。
 ファリャ作品を収めた5枚目のCDの前半で独奏曲を弾いているテレサ・ラクーナという女性ピアニストも、中々いい。リズムが良く、繊細でありながら、強い色彩のほとばしるファリャを弾いている。この人の名前は、このアルバムで、最近になって初めて知った。あまり録音がないようだが、どうやら健康を害して短期間の活動だけで第一線を退いたらしい。ただ、その後、後進の指導に尽力し、現在は、彼女の名前を冠した国際ピアノ・コンクールまであるという。この5枚組アルバムで登場するほかに、どんな録音が残されているのか、ちょっと興味を持ったので調べてみたいと思っているが、まだ果たせていない。今のところ、EMIにショパン録音が少しあることがわかっているだけだ。
 いずれにしても、この5枚組アルバムは、興味深い演奏が満載だ。ソリアーノは、グラナドスの『スペイン舞曲集』やアルベニスの『スペイン組曲』も弾いているが、ここで他の作品を弾いているミシェル・ブロックも、これを機会に、ゆっくり聴いてみたいと思った。
 そのほか、この5枚組のピアニストには、グラナドスの『ゴイェスカス』でアルド・チッコリーニの名が出てくるが、ラローチャの名はない。ご存知の方も多いと思うが、最近EMIの廉価BOXシリーズで発売されているラローチャの録音は、スペインのイスパヴォックス原盤のもので、20年近く前にCD化されたときには、確か新星堂が直輸入盤として発売したものと同じだと思う。このイスパヴォックスへの一連の録音をした時期のラローチャも、そうした視点で、ゆっくり聴き直さなければならないと思った。
 じつは、最後になったが、白状すると、写真の5枚組の仏EMI盤は、つい最近になってたまたま通りかかったリサイクル・ショップでの掘り出し品。例によって、「ガラクタのなかから救出した」CDである。
 

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