映画批評ってどんなモンダイ！

『四月物語』

2010年01月31日 19時45分35秒 | 映画（サ行）

　『四月物語』１９９８年（日）監督：岩井俊二

　北海道から上京してきた大学生一年生の女の子が巡る一瞬の輝き。どこにでもあるような人間関係、よくありそうな大学の入学理由。なんでもない大学生の心を映像と音響による芸術的な演出によって魅せる秀作。
　オープニング、カメラのＰＯＶショット（視点ショット）だけで、目線の持ち主の台詞を一切なしに、映画的に見送る家族の愛しくも、何を言えばいいのか戸惑う心境を可笑しくもリアリティ溢れる主観で捉えているから映画的で惹きつけられる。その後も北海道の雪のように降りそそぐ桜の花弁が咲き乱れ、視覚的に舞台が東京へと変わったことを感じさせ、甘いメロディとテレビカメラのような観察的な映像、光沢が最大限に煌めくタンポポの綿毛のように、蛍の幻想の灯火のように温かい光が終始、画面いっぱいに降り注いでいるから、彼女の新生活の自然体な心がより一層際立って感じさせられるから強烈だ。
　自らの性格や感情を役と一致させる演技方法で演じる竹内結子の温くも愛らしい演技が、何も知らない田舎者の主人公を応援したくなる姿勢へと観客を運び、その彼女の演じる〝何もしない〟が、何もしたくないわけでもなく、ただ少しシャイで、不器用で、朗らかな性格を持つ彼女の一面をより愛らしく魅せるから微笑ましい。
　しかし物語は一変する。ただの彼女の性格と思っていた〝何もしない〟は、実は〝他にやること〟があったのだ。他の大学生よりも使命感と勇気を持って上京してきた彼女の不器用であっても微笑ましいくらい可愛いその〝他にやること〟は、ただの恋物語にはしない「愛嬌」を感じさせてくれるのではないだろうか。
　だからこそラストのなんでもないような、しかし本人（恋する者）にとってはかなり嬉しい出来事が、強烈な青春の輝きを持って観る者を襲うのであろう。また目と目で会話する女の子の微妙な囁きが微笑ましくも映画的だ。
　友達らしくない友達の女の子は、観察するように竹内結子を見つめ、回想シーンでは、東京に出た後輩がとあるプレゼントを持ってきた時に、主人公にニタニタした眼差しを送る。そうした視線の会話が言葉にはできない感情を見事に観客の心に創り出していた。
　高校生の女の子のしたたかな想いと熱い思いは土砂降りの雨を幸せの祝福の雨へと変えてしまうほど、観客の心は田舎者であるがとてつもなく〝イイ子〟の主人公へ温かい眼差しを送るであろう。だから輝かしいし、だから嬉しい。
　観察的な撮影、輝かしく幻想的な映像、甘いメロディ、言葉のサウンド、甘い目線、驚きの展開、竹内結子の温かさと愛らしさ、恋の始まりと映画の終わり。全てが絡み合い、互いに効果を膨らまし、なんでもない日常をより輝かしく感じさせるから驚愕だ。
　幸せすぎる青春の断片。恋の実りも失恋もセックスも何もないが、それだけで人はこんなにも幸せになり、嬉しい気分になる。映画作品において、物語の一部として流される美しき恋の断片を本作は最大限に盛り上げてくれる。こんなにもありふれた感情をこんなにも映画的に魅せるのが本作の凄味であろう。短いながらも極上の恋の物語。まさにあっという間に過ぎゆく、四月の物語であった。

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『ロスト・ハイウェイ』

2010年01月30日 22時31分59秒 | 映画（ラ行）

ロスト・ハイウェイ [DVD]

パイオニアLDC

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　『ロスト・ハイウェイ』　　１９９７年（米）監督デヴィッド・リンチ

　狂気的であるとか、難解だとか、バイオレンスだとか、そんなことはどうでもいい。なぜなら、それらはストーリー性のある物語劇映画などにおいてしばしば用いられる作品の雰囲気や傾向を示す言葉であり、映画の感覚とマジックと幻想を映画作品によって体感させてしまう本作においては、作品の雰囲気を伝える上で何ら適切ではないように思えるからだ。
　序盤、深淵の闇の中、男がインターホンを押し、謎の男の言葉を聞き、暗闇を彷徨。台詞ほとんどなしに展開し、底知れぬ闇と世界とビデオテープの不気味さと死神のような顔面をした男のミステリーが観客の心を翻弄する。それは物語を無意識に構築しようとする観客の習慣を利用した映画的トリックと言えよう。
　物語を見出そうとする観客を嘲笑うかのように、一切の物語は与えられず、その意味と論理は映像と音響によって崩壊していく。映像と音響だけの世界に対して、観客は、この難解でもない不気味で別次元の感覚に身をゆだねるしかない。
　もはやそれは悪夢に近い。悪夢はいつだって意味のない羅列的で断片的で幻想的で感覚的。悪夢には無意味で何の物語もないのにも関わらず、脳内をかき乱し、不快でおぞましき気分にさせられる。本作もまたそうした悪夢の感覚に近いだろう。
　ブニュエルにも、アルジェントにも、ヤン・シュバンクマイエルにもない、この悪夢の感覚は、デヴィッド・リンチ独自の世界観だ。本作で最も素晴らしいのは、あまりに断片的で抽象的で、感覚的で、その感覚と意味を言葉で説明するのは無謀であるにも関わらず、彼の作品にはあまりに美しい秩序が成り立っているということだろう。
　序盤に映し出されるフル・サイズでの不気味な闇の質感、ビデオテープの鬼気溢れる地獄音、主人公の外見と内面の崩壊、気持ちの悪い異次元、インターホンの言葉、グロテスクな殺害シーン、脳ミソのばら撒き、そのワン・シークエンスだけでは、クローネンバーグ作品のような映画的表現によって異次元の世界を表現していて、ミヒャエル・ハネケの『隠された記憶』のようなおぞましさを秘めている。しかし、それら秩序ある美しきシーンが繋ぎとめられると、突如として、それらのシーンは牙をむき、鬼となり、作品は地獄と化し、悪夢となり、観客を退屈で忙しい地獄へと引きずり込んでいく。
　退屈で刺激的、現実的で幻想的、魅惑的でおぞましい、矛盾と感覚と幻想が入り乱れる〝映画〟の可能性を広げるデヴィッド・リンチの魔術はどの映画の魔術よりも魔術的だ。
　まるで死人の世界を覗いた気分だ。そして今でも死人に覗かれている気分である。悪夢の幻想体験、覚悟して侵入するべき映画の幻想世界。それが本作のおぞましき魅力だ。最悪の世界を覗かせてくれる悪魔の作品と言えよう。

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『クローズドノート』

2010年01月28日 10時48分12秒 | 日本映画（ア行～ナ行）

クローズド・ノートスタンダード・エディション [DVD]

東宝

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　『クローズドノート』２００７年（日）監督：行定勲

　引っ越し先に残されていた一冊の日記。沢尻エリカ演じる主人公の妄想的な日記回想と現実が交差し、予測通りの悲劇と感動が展開する終盤にはあまりの通俗さも涙がでてくる。
　日記での回想。竹内結子が新任教師として子供たちの担任になるくだり。生徒たちを「太陽の子」と呼び、家族のように接し合いましょうと都合のいいことを言う。家族のようにと言うが、この先生は子供たちの親が全員、助け合いの精神を持つ模範的でアットホームな親だと思っているのだろうか。子供たちの中には、家族という束縛的な絆に苦しんでいる子もいるはずだ。そんな子供に対して「家族のように」なんて言うのは、新任教師の理想論である。
　しかしながら、劇中ではあまりに素直すぎる子供たちが、みんな「はーい」と言い、まるで絵に描いたような、教師のマニュエルに乗っているような想像上の子供たちの光景が広がるのだ。このまま順調に続くわけないだろ、と少々の呆れ顔を見せながら観客は後に壁が立ちはだかることを無意識に予測するのではないだろうか。いや、壁を願っていると言ってもよい。するとまさに願いが届いたかのように、不登校の子が現れ、先生の「頑張りましょう」が重みであったことが判明する。そしてその後もご都合主義的な素晴らしき教師人生が展開し、感動と涙の修了式を迎える。
　一方、日記を読んでいる香恵もまた恋という形で同様の展開を見せる。夢のような出会い、恋敵、幸せな瞬間、告白、失恋。もう馬鹿馬鹿しいほどに通俗的で、凡庸で、高校生の携帯小説でもこれほどまでのご都合主義の展開は魅せないであろう。しかも彼女ら主人公たちの感情を些細な映像表現で紡ぎ取っていくことはないし、照明とメロディによって恋心を映しているから、それもまた哀しい。
　沢尻エリカや竹内結子というキャスティングは物語のキャラクターと一致しているし、愛嬌と初々しさから言っても最高のキャスティングと言えるだろう。しかし彼女らを美しく映し、愛嬌のある演技だけが光っていて、映画的に、感覚的に彼女らの心境と切なさと苦しさを曖昧な映画的表現で魅せていくことはない。
　また「たかし」という存在のミステリーだって、わかり切ったことだろう。テレビ・ドラマの主人公を「たかし」像に当てはめているあたりから「たかしの正体」はミステリーと化している。ラストに明かされるだろうその正体を観客は無意識に知っているだろう。なぜなら、本作には男が「石飛」しかいないからだ。物語を盛り上げるためには、「たかし」は彼以外にＮＧである。しかしながらあまりにそれは凡庸で、クロスワードよりもわかりやすい答えである。
　そして先生に会いに行くというのも日記を手にしたころから予測できる展開だ。この日記と出会うことで彼女は次第に変わっていく。であれば、終盤で先生に会いに行くのは必然的だ。しかしそこで感動の出会いを果たして、恋敵に複雑な心境を魅せるのも現実ではあり得るが、映画的には面白くない。となると、先生を死なせるしかない。ごく簡単な理論で構成された脚本はまさに教科書通りの展開。その教科書通りの展開を映像と音響を用いて、映画的に観客を欺いていないところに本作の凡庸さがあるように思える。
　高校生のありきたりの青春を描いた『ハルフウェイ』ではなんのミステリーもないごく普通の高校生の恋物語だったが、映像と音響でこれとないほどのユーモアと日常の輝きを体感させていたから一切飽きることはなかったが、本作はそうした幻想に思える感覚的な心的躍動がなく、凡庸な物語と絶妙なキャスティングだけで観る者を感動させようとしているようだ。観客をあなどってはいけない。
　もはやここまでご都合的な物語であるとラストの紙飛行機にしたって「やりすぎだろ！」と笑ってしまう。永遠と飛び続ける紙飛行機にギネス記録をあげたいほど、あまりに感動から逸脱した理論上の感動の作り方には、これとないほど悲しくなってくる。

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『今度は愛妻家』

2010年01月26日 22時45分17秒 | 新作の批評部屋（2008～2009）

オリジナル・サウンドトラック今度は愛妻家
サントラ
フォーライフミュージックエンタテインメント

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　『今度は愛妻家』２００９年（日）監督：行定勲

　素晴らしき衝撃作。本作を「ダメ夫婦から良き夫婦に変わる夫婦愛の映画」だと思ったら、それはとんでもない勘違い。薬師丸ひろ子の魅力だけが光る趣味的作品だと思ったらそれもまた大きな勘違いである。
　本作は絶妙なキャスティングと念密に計算された脚本が織りなす葛藤と克服をドラマにした作品だ。
　オープニング、サイレント・コメディのような馬鹿馬鹿しくも愛らしい夫婦のダメダメ旅行が映し出される。それから一年後。完全なる舞台劇のように大げさな台詞と動作で豊川悦司と薬師丸ひろ子の会話劇が展開する。バックに流れるサウンドのメロディは『踊る大捜査線』を彷彿とさせるコメディの典型的な使用方法。すなわち、単調なメロディと突如としてメロディが止まるコメディ演出だ。それはテレビ・ドラマや凡庸なコメディ映画で散々用いられている手法にすぎない。その陳腐さと凡庸なコメディの描き方には涙々の情けなさを感じさせられる。
　なんて舞台的で凡庸な会話劇だろう、監督のセンスの微塵も感じられない、そう思っていると薬師丸ひろ子はどこかへ消えてしまう。寂しさが募る豊川悦司。このダメ夫の描き方も通常のテレビ・ドラマのような描き方で、視覚的・聴覚的な表現、すなわち映画的表現で、その哀しさの苦しさと切なさ、妻への心理的な愛を描けていないから退屈だ。
　その退屈しのぎに展開するのは、オーディションを受けようと体を使って男たちを手玉に取る女と彼女に身と心を捧げる青年、そして彼女を罵倒し、応援するオカマ。こちらも全く舞台的で、彼らの会話の迫力をそのままカメラで収めたかのような退屈さが展開する。
　一体、現代の日本映画の映画的な表現から体感させられる心的躍動はどこへ消えてしまったのだろう。そんな嘆きを楽しみにしていたかのように、その嘲笑と退屈さと「本作は夫婦のコメディ・ハートフル・ドラマである」という勝手な思い込みを観客が抱くことを待ち望んでいたかのように、衝撃の展開が退屈そうにしている観客を襲う。
　クリスマスの日。パーティによって、仲睦まじく、言い争いながらも支え合ってきた四人の心が会話によって崩壊する。まさにこのシークエンスは役者の舞台的な演技の巧さで構築されていると言えよう。カメラはもはや何度も本番を重ねた中での最高のバージョンを記録する装置にすぎない。迫真の演技の中、豊川悦司はもちろん、オカマのおっさんはオカマというコンプレックスと孤独を抱えているにも関わらず、それらをオカマの化粧で隠しているという表と裏が暴かれるし、濱田岳演じる青年もイケない真実と真剣な愛を隠していたことが暴かれる。オーディションが合格した女も全ての事実を隠していたという真実を吐露する。みんながみんな、コンプレックスやトラウマを抱え、その障害をどのように乗り越えていくかが問われるのだ。その結果、二組のカップルと一組の親子関係は〝正面から受けとめること〟によって進展していくから哀しくも心強く爽快だ。
　二部構成になっている本作だが、言わずと知れずの第一部は、まさに第二部の衝撃とトラウマとコンプレックスを乗り越えるためのお膳立てに過ぎない。映像や音響の演出があまりに陳腐という「監督は現場で何を演出しているのだろう」という素直な疑問を取り除けば、まさに脚本の巧さとはまり役のキャスティング、鬼気迫る内面の暴露を演じた役者たちの演技力が光る衝撃作と言えよう。
　ダメ夫婦が再生する物語であるかのようなイメージを持つ『今度は愛妻家』というタイトルや物語上の衝撃を隠す必要性を考えれば、本作がヒットしないことは間違いないのだが、脚本とキャスティングの巧さが織りなす映画作品としては非常に衝撃的な秀作であり、本年度必ず観るべき逸品なのではないだろうか。

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『ブルーベルベット』

2010年01月26日 21時07分26秒 | 映画（ハ行）

ブルーベルベット [DVD]

20世紀フォックス・ホーム・エンターテイメント・ジャパン

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　『ブルーベルベット』１９８６年（米）監督デヴィッド・リンチ

　１２１分の悪魔。奇妙だとか、異様だとか、もはやそんな陳腐な言葉で片付けられる作品ではない。非常に寓話的で挑発的で魅了される誘惑の悪夢に覆われた異次元、そんな異世界を舞台にしているかのように主人公の学生カップルは無意識的な究極の違和感を持って不気味な出来事に遭遇することになる。
　オープニングからおぞましく映画的で魅せられる悪夢だ。優雅なメロディでブルーベルベットの音楽が流れるスローモーションで展開する花とチューリップと手を振る男。家の中でモノクロ映画を観る老婆たち。庭で水をまく父親らしき男が映る。そこに拳銃がクロースアップになっている映画の中のワンシーンがスクリーンいっぱいに映し出された後にはホースが絡まり、不穏な空気が流れる。すると彼は苦しみだし、倒れ、ホースから噴出する水を犬が噛み殺し、赤ん坊がその光景を眺め、カメラは昆虫のように庭の草をかき分け、暗黒の世界に入り込んでいく。サウンドは不気味な地獄世界のように流れ、昆虫たちのグロテスクな嫌悪感が映像と音響によって体感させられ、〝この世が不思議な所〟であることを体感させられるからおぞましい。
　父親の苦しそうでありながらグロテスクなもがきが不気味さを加速し、死んだ耳に青年は誘惑される。さらに闇の夜を歩く青年を見つめる太ったサングラスの男と微動打にしない小さな犬が奇妙とも言い難い別世界を彩っているから細部の演出まで怠らないところに徹底した不気味な世界観を体感させられる。
　映像と音響、その不協和音と時に強烈すぎる過激なヒッチコック張りのサウンド、理解しえない野獣的なセックス、そうした映画から体感させられる不快さと不気味さの全てが映画的な表現で彩っているから幻想的で映画的で刺激的だ。もはやこれほどまでの感覚は映画でしか体感できないであろう。
　漆黒の闇と混沌の〝不思議な世界〟を好奇心のまま歩む男と女のカップルは、まるで不思議の国に迷い込んだアリスのようである。彼ら自身の衣装も風貌も全てこの世界とはあまりにも不一致、しかし彼らは異邦人ゆえに観客同様に摩訶不思議なストレンジワールドに惹かれていく。
　感覚的で幻想的な映画体験。映像と音響によるマジックが展開するスリリングな幻想の悪夢、そして光。ラストの鳥の登場は輝かしい悪魔的世界からの解放を意味するが、鳥が口にくわえているのは不気味な昆虫。闇を光が殺したという暗喩でもあるのか、しかしそのシーンから感じるのは輝かしくもどこか不気味な空気。
　全てを台詞などで説明してしまうわけでもなく、全てを観客に委ね、暗喩、そして映像と音響が醸し出す感覚的な幻想、そうした曖昧な感情と哲学こそが本作の魅力の一部であり、デヴィッド・リンチの偉大さと不気味さと映画の巨塔を幻想的に創り出してしまう巧さなのである。

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『歩いても歩いても』

2010年01月25日 20時42分56秒 | 映画（ア行）

歩いても歩いても [DVD]

バンダイビジュアル

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　『歩いても歩いても』２００７年（日）監督：是枝裕和

　お盆の日に集まる家族。孫をつれていくが、そこには日本人ならではのささやかな確執と家族間のぎくしゃくした関係が描かれる。長男の家業引き継ぎ、死別と再婚へのよこしまな眼差し、長男の死、死生観、現代っ子の心理、二男と長女の家族の比較、二世帯住宅、プライド、一曲のレコード、全てが日本の古風と現代との屈折の中で、忘れさられ、時にはわずらわしく思われ、捨てられないでいる日本人の「今」である。
　大切にしながらも自然に引き継がれていく日本人の愛しい会話と出来事と心は会話劇に沿ってユーモラスに、そして演技とは思えぬほどの迫真さを持って展開するが、決してこの衝撃と苦しさと哀しさ切なさと愛おしさが会話劇だけで感じさせられたわけではないであろう。会話劇をより一層引き立て、より力強く、繊細に、劇的に、美しく魅せる手法を本作はわきまえているように思える。
　まず家の中をカメラで魅せるにしても、トーンが美しいほどに闇に包まれている。その闇の中をささやかな光が包み込み、日本家屋の懐かしさと温かさを感じさせられる。そうした静けさの中に起こる美しさの中でカメラは固定されたまま登場人物の全身が映るようなフルサイズで彼らが繰り広げるリアルな会話、すなわち無駄のある会話が紡ぎだされていく。小津安二郎の固定カメラによるロー・アングルのようにスタイル化し、オブジェ化した形式とは異なり、ただありのままを捉えたような視点が、観る者を眺める観察的な態度へと引き込んでいく。そのためフルサイズからバスト・ショット、クロース・アップへと切り替わったその時、彼らの些細で繊細な心理が強烈に迫ってくるから巧い。
　夜。樹木希林演じる横山家の母が編み物をしている。手先がクロース・アップで映る。そこにタバコを吸いに来た阿部寛。毎年お線香をあげに来させている若者の話をする。もういい加減、来させる必要はないと彼は言う。しかしあの優しくもおしゃべりでとても愉快な愛すべき母のはずの樹木希林は、震えた声と涙目で憎しみを露わにしながら「彼があの子を殺したんだから」と微笑みながら呟く。クロース・アップ、絶妙な闇と光の照明の中で映し出される彼女の顔は底知れぬ日本人特有の「ストレートな内面を微笑みで隠した表情」を見事に彩っていた。
　子供たちが三人、外で遊んでいる時も都会とは違う田舎町での木々や花との触れ合い、木の花に懸命に手を伸ばす三つの手と指先が輝かしく、スローモーションで繊細なメロディと共に奏でられ、視覚的、聴覚的に、一切の台詞なくとも田舎への愛と現代っ子である長男の心の解放を感じさせられるから優れた演出である。
　言葉にできないほどのリアルで自然な会話とその内容、大人になって気付く「ちょっと間に合わない」、と言うか「まだ間に合う」と後回しにしてしまっている家族との関係。終わりが来るとは知っていながらも、まだ先だ、まだ先だ、と勝手に思い込んで、何もしてやれなかったことに気付くのは、決まっていつも、取り返しがつかない時。
　それでも人生は回って、家族と家系はめぐっていく。そんなささやかな不幸と幸せが、映画的な演出で垣間見える日本映画の秀作。素晴らしく切なくも美しい作品である。

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『花よりもなほ』

2010年01月22日 17時43分34秒 | 日本映画（ハ行～ワ行）

花よりもなほ通常版 [DVD]

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　『花よりもなほ』２００６年（日）監督：是枝裕和

　岡田准一主演でおくる痛快時代劇、と思ったら大間違い。仇討をテーマにしたコメディ、と言ったらそれもまた少々の語弊がある。
　オープニング、漫画の吹き出しのようなテロップが赤穂浪士による仇討が決行されないまま時が過ぎ、戦や侍、仇討が過去の遺物となり、そんなものとは無縁の長屋の朝であることを告げる。軽快なサウンドが鳴り響き、「さぁ朝ですよ」と言わんばかりに長屋の個性あふれる人々が顔を出し、それぞれが貧しいながらも陽気で人情あふれる生活を送っている描写が長回しと軽快な台詞というサウンドによって感じさせられるから、観客はこれはもう痛快で可笑しなコメディに違いないと純粋に楽しむであろう。
　しかし後に展開するのは仇討を真っ正面から捉えた現実。仇討とは人を殺すこと、名誉を守り、憎しみを継ぐこと、そして憎しみに生きること、そうした「仇討」という日本人のプライドや恥を嫌う国民性の原点となっている忘れ去られた主題を岡田准一という現代人に置き換え、現代人が考える「仇討」としているところに本作の重々しさがある。
　さらに深いのは、仇討をしようとする主人公の侍だけにスポットを当てていないというところだ。仇討相手の敵として指名手配されていた夫を持つ女性は、父親が死んだ事実を幼い息子に教えられずにいる。そのことを知らずに息子は父親が死んでいると悟りながらも「母上は父上がまだ生きているって信じているから内緒だよ」と主人公の侍に心の内を告白するから、あまりに皮肉であまりに哀しすぎる。その姿は同時に、自らが子持ちの敵を倒した後に、その子供がこのようになることを暗示しているようであった。
　そして全てを決断し、夜に敵を竹藪につれていくシークエンス。敵が持つ幼い子供を自分の寺子屋に来させないかと誘う主人公と敵が暗闇のフルサイズで映し出される。一切の台詞なくとも、ゆっくりと降ろされる頭、彼が深々とお辞儀をする姿を捉えたカメラの〝眼差し〟で観る者は心締め付けられ、彼の無言の謝罪の叫びを心に聴くであろう。
　仇討をする者だけでなく、仇討をされる者、その家族、憎しみと哀しみを生み出す侍の意義、仇討に関連する全ての視点で人間たちの苦悩と孤独、そうした環境からどのように登場人物たちが悩み、行動するのか、そしていかに人生や目の前の出来事を考え、受け止めていくか、それらが全て主人公の視点で〝見つめられる〟から重哀しい。
　そうした「仇討」という日本人の根源的問題に悩む人間の苦悩と葛藤を奥深く描いた脚本も見事であるが、彼ら登場人物を温かくも観察的に、そして真剣な眼差しを観客に向けさせてしまう〝観察の眼差し〟が全てを重々しくしている。
　全編を通じて映像はどこか闇に覆われている。光と闇のコントラスト、一歩引いて観察していくようなロング・ショットやフルサイズの多用、クロース・アップの抑制、瞳を捉えているような眼差しを見つめるショット。現実的で、無駄のある絶妙の間、役者の心情暗い演技、全ての映像表現や演出が喜劇溢れる長屋の日常を哀しくも残酷に、そしてユーモラスながら皮肉に紡ぎ取っているから、是枝監督の演出の才には脱帽である。
　もはやこれは深化だ。是枝監督のドキュメンタリー・タッチが薄れたと危惧する者がいるかもしれない。たしかに『幻の光』や『ワンダフルライフ』のように分かりやすいドキュメンタリー手法はないにしても、現代人があまり考えないが日常に溢れているような「生」と「死」、「人間関係」「人生」にまつわるいくつかの事柄や状況や環境で、いかにして主人公たちが考え、行動していくかを〝見つめる眼差し〟を体感すれば、是枝監督が様々な実験的作品を通して深化しているかが理解できるのではないだろうか。
　そしてラスト、赤穂浪士の仇討も成功し、江戸中が「仇討」や「侍」「剣術」に盛り上がってしまい、仇討という憎しみの連鎖がこれからも続くのかと憂鬱な気分になっているとその時、敵の息子である男の子が筆を握りしめながら言う。「このへんに寺子屋があるって聞いたんだけど」。
　文字を教えること。学問。それは侍の仇討をしなかったことの輝かしい結果だ。もし主人公が仇討をしていたなら、この子は筆ではなく刀を握っていただろう。この子は輝かしい未来。憎しみが晴れたその先の未来。一切の台詞なしに満面の笑みを浮かべる主人公の侍。一気に幕を閉じる。素晴らしい。これぞ日本映画の秀作である。これぞ、日本映画だ。

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『アバター』

2010年01月21日 14時40分57秒 | 新作の批評部屋（2008～2009）

アバター (ジェームズ・キャメロン監督) [DVD]

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　『アバター』２００９年（米）監督：ジェームズ・キャメロン

　多くの観客がこの映画を観て驚嘆し、感激し、本作の魅力を語ろうとするであろう。その際に本作の魅力が全て３Ｄ映像にこそ存在しているかのように語るかもしれないが、そこには多少の誤解があるように思える。
　３Ｄ技術自体はこれまで『センター・オブ・ジ・アース』や『ブラッティ・バレンタイン』と同様の立体感であり、これといって３Ｄ技術そのものに可視的な技術的進歩があるわけでもない。しかしながら本作がこれほどまでに騒がれるのは、ハリウッド映画界を代表する巨匠監督が大掛かりな大作映画としての３Ｄを撮るということが初めてであるからで、決して「３Ｄ」という技術が素晴らしく斬新なわけではないことを注意する必要があるのではないだろうか。
　そして何よりも肝心なのが、本作が３Ｄ大作映画とは言え、３Ｄ技術や違和感のないＣＧ技術だけにこそ本作の魅力があるわけではないということだ。むしろキャラクターや脚本の巧さ、そして編集と映画的演出の巧さというこれまでの劇映画で〝魅力〟とされてきた映画の基本演出に本作の大きな魅力が存在しているように思える。
　まず脚本が非常に巧く構成されている。主人公は脊髄をやられ、下半身不随になった男だ。彼はアバターという別の体を得ることで勃起不全を解消し、異国（異星）の東洋的な暮らしと思想に魅了され、女とも結ばれ、自らの肉体と精神を見つけていく。すなわちアイデンティティの模索がベースとなっているわけだが、そうした別世界に魅了され、そこで自らを見出そうとする彼らに共感させ、観客をパンドラの美しき世界に引き込んでいくために、３Ｄによる美しき世界を魅せているのではないだろうか。
　つまり地球温暖化や自然の猛威を表現しているだとか、アメリカが自国を批判し異国への陶酔を訴えているとかではなく、ただ純粋に観客を別世界に引き込んでいく脚本となっているように思えるのだ。実際にジェームズ・キャメロンも「見慣れない環境で、見慣れたタイプのアドベンチャーを創り出したいと思った」と述べているように、本作は社会的なメッセージを体現しているわけではなく、ただ観客を魅了する「別世界への誘い」なのではないだろうか。
　『タイタニック』や『アビス』『ターミネータ』『トゥルーライズ』で別世界に魅了された人々の憧れや苦悩、愛を精巧なキャラクターと圧倒的な映像美、アドベンチャーに溢れた脚本で魅了し続けてきたのがジャームズ・キャメロンと言えよう。
　本作で展開するサスペンスと挫折、逆転劇、『紀元前一万年』や『インデペンデンス・デイ』『キングコング』『ロード・オブ・ザ・リング』など様々なＳＦ作品で用いられてきた逆転劇の構図は一切の新しさはないが、極端なほどに人間たちの醜く野蛮な思考とナヴィの悲劇、弱者と強者の比較を見せつけた伏線によって興奮や感動を劇的に生みだすことに成功していた。まさにキャラクターと冒険活劇の巧さが融合した大作映画の真髄と評価したい。
　それらを考えると、映画的な面白味や巧さ、演出上のことで言えば、決して斬新な映画でもないし、パフォーマンス・キャプチャーやフュージョン・カメラ・システムなど製作上の試みはあるにせよ、可視的な技術面だけが素晴らしく傑作にしているわけではないことは明らかだ。本作の巧さはカメラと音響による純粋な映画的表現にこそ存在している。
　この真実は百年以上の歴史があっても、どんなに技術的な進歩があろうとも、映画の基本は常に〝カメラ〟にこそ存在していることを示している。３Ｄ技術だけを露骨に見せつける他の３Ｄ作品と違い、映画の基本原理と魅力を忘れずに、映画的な魅力を追求し続けたという意味で、本作は他の３Ｄ作品とは大きく異なった映画史的名作と言えよう。

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『誰も知らない』

2010年01月19日 11時07分40秒 | 日本映画（ア行～ナ行）

誰も知らない [DVD]

バンダイビジュアル

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　『誰も知らない』２００４年（日）監督：是枝裕和

　残酷なほどに哀しく、痛いほどに心苦しむ秀作。巣鴨で起きた実際の子供置き去り事件を元にした本作だが、もしオープニングで「実話に基づいている」というテロップが出なければ、誰もが本作を「こんなことは現代の日本ではありえない」と非難したであろう。
おぞましい現実の惨劇が〝日常〟として観察的なまなざしと「闇と光」による哀しげな映画的表現、そして登場人物の過酷で物哀しい心理描写が驚くほどの説得力と力強さを持って迫ってくるその演出の巧さには驚かされずにはいられない。
　オープニング、汚い服を着て女の子と一緒に哀しげな表情で電車に乗っている男の子が映る。彼の指は大きなトランクをいじっている。映像は母親と一緒に引っ越しの挨拶をしている彼が映る。
　そこで彼はなぜあんな汚い恰好で電車に乗っていたのか、そしてトランクや女の子は誰なのかというミステリーが生まれる。それが終盤の「誰も知らない」トランクの〝中身〟によって恐ろしくも哀しい現実で結びつく。こうしたトランクの〝中身〟の些細でありながら大きな「変化」が子供たちの孤独をあぶり出していくのではないだろうか。
　最初子供たちは母親の「（生涯）外に出てはいけない」という異常な言いつけを守り、学校に行けず、しかしそれでも兄弟たちと一緒にいることを孤独の解消にしながら過ごしてきた。母親がいなくなって数カ月。化粧品が床についた跡、すなわち母親の面影を爪でこするショットはあまりに哀しすぎる。そして長男の明が友達とも言えない友達を作り、家でゲームをするようになってから、子供たちの心は腐っていく。
　長女は無口になり、二男は陽気に暴れていたが長男が他の子供たちと遊ぶようになってから彼は唯一孤独を解消していた兄を失い、孤独に襲われ静かになる。何も事情を知らない次女はつぶらな瞳で全てを見つめ、哀しくも一切の文句を言えないし、何も知らないから無意識の孤独に飢えている。そうした心理描写を現実に近い質感を持った闇のトーンで、そしてショットの切り替えには暗転を繰り返し使用し、単調で哀しいサウンドで紡ぎ取っていくから映画的でありながらもどこか観察的なまなざしが存在している。だからこそ常識と倫理を持った我々は彼らを助けたいし、彼らの残酷な日常に「これは異常なんだ」と伝えたくなるのだ。そうした観客の〝自主的な介入〟が作り手からの一方的なメッセージとは極端に違う強烈さを秘めていると言えよう。
　また大人たちの子供たちの勝手すぎる言い分が無力な子供たちをより一層悲惨さに追い込む。長男はミスター・ドーナツで母親に「母さんは勝手なんだよ」と観客が思っていることを勇気を振り絞って、最大の知恵を持ってぶつけるのだ。すると母親は「勝手なのは子供たちを捨てて消えたお父さんじゃない」と責任転嫁し、自分も子供たちを置き去りにしているに等しいではないかと思っていると「私が幸せになっちゃいけないの？」と母親は言う。それは子供たちの台詞だ。子供たちは幸せになっちゃいけないのか？大人だけが幸せになればいいのか？子供の幸せを一番に考えるのが母親ではないのか？観客はそう訴えたくなる。罵倒したくなる。母親はあんたしかいないんだぞ！と叫びたくなる。しかし無力な子供たちは何も言えない。大人たちの暴力的な育児放棄に潰されるしかない。
　さらに〝父親たち〟は母親がいなくなってお金を借りに来た長男を冷たい態度とも言い難い非人道的な態度で迎える。母親が何日も不在で小学生だけで過ごし、金がないとせがんできているだけでもこれが「犯罪」であると気付くはずだ。しかし彼らはそんなことはどうでもいい。タクシードライバーは母親が長い不在であることを聞くと携帯を打ちながらどうでもよさそうに「マジで」と呟くだけ。それだけ。「ゆきはいくつになった？」と自分の子供の年を訊いて、答えると「マジで」と無関心の態度。完全に他人事。
　それに対して動物のように何も言うことができない無力な子供たちがあまりに悲惨だ。ラスト、子供たちが何事もなかったかのように、公園でバケツに水を入れ、自宅に持っていくその姿は「たくましく生きる子供たち」「子供たちの強さ」など素晴らしく美しいものでは決してないのである。
　哀しい現実に潰された被害者であることに気付いていない無自覚の被害者たち。傷だらけの彼らが日常を送っている現実に心が痛む。一切押し付けるようなメッセージを入れず、観客に全てを委ね、我々が彼らの現実に嘆くことで全てを語ってしまう是枝監督の才能と映画術にまったく頭があがらない。まぎれもなく本作は日本映画の魂の名作だ。

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『フレンジー』

2010年01月18日 12時53分08秒 | 映画（ハ行）

フレンジー [DVD]

ユニバーサル・ピクチャーズ・ジャパン

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　『フレンジ―』　　１９７２年（米）監督アルフレッド・ヒッチコック

　恐怖映画『鳥』を最後に『マーニー』から『トパーズ』までとんでもなく退屈なサスペンスを作り続けてきたヒッチコックだが、ここにきて彼は優れた脚本と映画術の復活に恵まれる。
　まず奇怪で異常な登場人物の心理描写、露骨ではなく、さり気ない暗喩のような臭わせる性格・心理描写が巧い。金もなく途方に暮れ、怒りという欲望だけが露わになる主人公リチャード。バーでは弁護士と精神科医がネクタイ絞殺魔の犯人像について語っている。犯人は性的異常者で欲望を解消することができないと欲望を満たすために殺人を犯すし、普通の人間に思えるが、欲望が満たされないときは子供のようであると語るのだ。彼らのすぐ隣では、金がなく、酒が飲めないことに怒りを露わにするリチャードがいる。そして２０倍のギャンブルチケットが買えなかったことに腹を立て、さらには男のプライドとして誰にも金がないことを打ち明けられないでいる、助けを求めずにいられないでいるリチャードは、手に持っているブドウをぐしゃりと潰して、地面に叩きつけ、踏みつぶす。
　ブドウ一つでこんなにも彼のフラストレーションを表現してしまう映像表現が刺激的だ。元妻の前で子供のようにふるまう彼の姿は、バーで精神科医が語っていた犯人像と一致しているから、観客はこいつが絞殺魔なのではないだろうかと睨むであろう。レストランでも怒鳴り、ガラスをパリンと握りつぶす。一つ一つの小道具で観客に「主人公が犯人なのではないか」という〝疑惑〟を無意識に植えつけているからまさに映画的な表現と小道具の使い方が融合した傑作心理描写である。
　そして彼女の家に入っていく姿が映し出されると、室内の出来事は一切映しだされない。そして簡易宿泊所で眠るリチャードは何故か金を持っていて、ニヤリと笑う彼の顔面だけが怪しく映るのだ。もう観客は彼が彼女を殺し、金を盗んだと警察のように彼を疑うことであろう。しかしどうしたことか。彼女は生きている。仕事をしている。訪問者を睨んでいる。なんだ彼は殺していなかったのか、であれば、あの金はなんだったのだろう、と疑う。しかし彼女が睨んでいる男はリチャードの友人であるラスクだ。そして壮絶な絞殺シーンが展開する。
　考えてみれば、彼が犯人であることが明かされる前に、彼が欲望と偏執に満ちた人物であることが臭っていた。ラスクはリチャードと話している時、「彼女より君の方がチャーミングだ」と〝ゲイ〟まがいの言葉を発しているし、常に彼はリンゴをかじっていて「食欲」という〝欲望〟を欠かさない。さらに中年であるにも関わらずママを紹介していて、それは完全な〝マザコン〟である。そして彼の部屋の壁に飾られた異様な色彩の女に囲まれている彼のショット、母親の写真立て、全てが偏執的で気味が悪い。真に評価すべきは、それらの伏線が露骨に見せつけるのではなく、さり気ないイメージとして、映像で観客の心の隅に焼きつかせていることであろう。
　またリチャードの恋人を部屋に誘い「君は私の好みだ」と言って扉を閉めてからカメラが階段に沿ってグイグイとワンシーン・ワンショットで下がり、なんでもない日常を映しだすから映画的で、観客はより一層のこと恐ろしく〝想像〟できる。さらに事務所から出てくるリチャードを映すと彼を目撃した秘書がそのまま事務所に入り、カメラは事務所の階段の入口をそのまま固定して映しだすシークエンスでも、彼女が死体を目撃すること、これからリチャードが「間違えられた男」としてドラマが展開することが一切の語りなしに、観客の持つ〝想像力〟だけで表現されているから映画の可能性を探る素晴らしきエンターテイメントだ。
　ただ一貫性がないというわけではないが、ロマンティックで幻想的な映画的刺激が消え失せ、台詞だけでエロティックさを演出しているところが惜しい。

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『亀は意外と速く泳ぐ』

2010年01月17日 21時09分40秒 | 日本映画（ア行～ナ行）

亀は意外と速く泳ぐデラックス版 [DVD]

ジェネオンエンタテインメント

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　『亀は意外と速く泳ぐ』２００５年（日）監督：三木聡

　わけが分からない真面目さ、シュールで可笑しな世界を独特の間と奇妙なキャラクター、奇想天外な物語、下町の人情劇で彩る日本映画の巧さがここにある。
　本広克行監督作品の『踊る大捜査線』シリーズや『スペーストラベラーズ』のように真面目な馬鹿馬鹿しさを時折混ぜ入れるのではなく、全編をクレイジーにしている様は主人公たちをより一層馬鹿げた登場人物へと変え、不思議な世界へと引き込んでいく。
　序盤、海外に単身赴任の夫から「カメ太郎にちゃんと餌をやっているか」と言われ、カメ太郎を放り投げたが、カメからパラシュートが開いて受け止めてしまうという妄想、水道キングのオジサンが繰り広げる神業的水道詰まり解消方法、イカ飯がトイレに詰まっているという話の真意を確かめるために水道屋さんのところへトイレに詰まったイカ飯を見に行くというネタ、もう序盤だけで大量のギャグである。それらのユーモアとも呼べないほどのギャグの可笑しさは、カメラワークや極端なサウンドよりも上野樹里やその他の役者の演技と絶妙な間によって構築されている。
　街全体や風景は普通であるが、登場人物全てクレイジーで真面目で、それでいて誰もが社会に適合していくような常識人ではない。そうした日常の中に潜む人間の可笑しさ、すぐ隣にいる人の可笑しさ、ふとした日常の出来事や常識や会話の中に潜む可笑しさ、そう、我々が日常としてかき消している全ての些細な幸福とは言わない幸福が本作ではネタ的ギャグという形で強調されているのではないだろうか。
　スパイ活動、借金取り、停電の際に公園に集まる人々、初恋とその崩壊、ハゲ、殺し屋、豆腐屋、モナカ屋、ラーメン屋、そこそこの味、公安、目立たない生活、アナウンス放送、　５００万円、そして、亀。
我々が日常の中で「たいしたことのないもの」として記憶を消し去っている全ての出来事を極端なまでにネタとして、ギャグとして、ユーモアとして誇張する度胸とその大胆な幸福論。
　本作は電車の中でおばさんたちや女子高校生が交わしている会話、馬鹿話を極端に誇張したにすぎない。つまり日常を捻じ曲げ、見方を変えているにすぎないように思える。劇中で上野樹里演じる主人公は「亀に餌をあげるのもスパイ活動と考えるとなんだかワクワクしてくる」と言っているように、日常は見方によっては美しくもなるし、残酷にもなるし、馬鹿馬鹿しくもなる、ということを無意識に、そして意識的な言葉として魅せているところに本作の巧さと面白味があるのではないだろうか。
　さらに本作に登場する全ての役者が完全にはまり役であるのも本作を可笑しくしているもっともな要因であろう。最高のキャスティングであり、最高のキャラクターだ。誰もかしこも絶妙な雰囲気を醸し出し、本作を唯一無二の日本映画にしている。
　デ・パルマやヒッチコック、黒沢清のように、映像や音響、映画的な描写の全てを駆使して映画的感覚をもたらすことは映画の可能性を広げ、映画でしか体感できない感覚を生み出しているから刺激的である。しかしながら本作のような脚本と役者の演技によって支えられている作品があってもいい。日本映画の可能性を追求し、ギャグ漫画のようなクレイジーな可笑しさを生んでいくことは日本映画のある種の奥深さなのかもしれない。

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映画、見世物から幻想へ

2010年01月15日 19時28分09秒 | 映画のあれこれ

今回は映画が見世物として生まれたことを考え、映画が普及し、日常に溶け込んでいる現代においての映画の仕組みと存在について考えてみました

前にも映画は見世物なのか、否か、という問題を友人と議論したことがあったので、そのことをふまえて考えてみたことの呟きの羅列、

と言うより、
個人的な発散

これは二年前の私の文章からの抜粋です。
二年前の生意気なサルコジ・ヒッチはこんなことを言っていました

「映画が見世物として生まれたのなら、きっと今でも見世物だと思う。わえわれはＣＧや人が切り刻まれるグロテスク描写、恐竜など、観たこともない世界を見たくて、映画を観るではないか！？それを考えれば、映画が見世物であることは明白だ」

ちょい、

ちょい、

ちょい！！！

ちょっと待ってぃ！！昔の自分！！！！

いろいろ言いたいことがあるのですが、

結論から言えば、

わたくし一個人の考えではありますが、現代における映画は見世物ではなく幻想なのだと思うわけです。

と言うのも、

映画が誕生した頃、〝映画（シネマトグラフなど）〟というものは一種の科学技術の見世物だったわけです

まるで目の前に人間がいるかのように、物理的な現実が再現されていることへの驚きを金にしていた見世物だったわけですね

だから物理的な現実を再現すればリュミエールだろうが、誰だろうが、観客にとっては関係なかったわけです
なぜなら、観客の興味の対象は、「映画」という科学技術だったのですから。
物理的な現実が再現されることへの驚きだったわけです

しかし現代では、誰も「映画」を科学技術の結晶という物珍しさで観に来る人はいません。

誰も映画館を出て

「いやぁ、「映画」という発明品は素晴らしいですね」

とは言わないわけです

またＣＧや３Ｄ技術、残酷非道なグロテスク描写にしても、

多くの観客はしばしば

「ＣＧが凄かった」

「３Ｄを観に来たけど、『アバター』は斬新な体験だった。３Ｄという技術は凄いなぁ」

と言うかもしれませんし、

「それもまた現代における見世物であり、依然として映画は見世物なのではないか」

という意見があるかもしれません。

たしかに映画には未だに見世物的な要素がわずかながら含まれていることもなきにしもあらずです。

しかしながら、私は観客が驚いているのは、百年前にシネマトグラフに驚いた観客の驚きとは異なるように思えるのです

もしＣＧや３Ｄやグロテスク描写などが見世物にすぎないのであるならば、私が監督であり、撮影者が誰であっても問題ないということになると思うのです

もし映画が見世物であるならば、百年前の観客にとってシネマトグラフで撮影した人物がリュミエール兄弟ではなくても一切問題ないのと同様に、また、珍しい品や技術を披露する人物が誰であっても観客にとっては問題ないのと同様に、ただスクリーンにＣＧや３Ｄやグロテスクな描写を見せれば、観客は満足するということになると思うのです

しかし当然、わたくしのような人間がＣＧや３Ｄ技術、グロテスク描写を映し、リュミエール兄弟のように「ほら凄い技術でしょ！」「こんな残酷描写、観たことないでしょ！人が切り刻まれる姿を観ているかのような疑似体験をできるんですよ！」と訴えても、何十億、何百億という金は稼げませんし、誰もそんなものに驚きや興奮を感じはしないでしょう

もしＣＧや３Ｄの科学技術の素晴らしさ、グロテスクな描写が観たいのであれば、インターネットでいくらでも観れます。人の首が切断される映像なんて、ネットで検索すれば誰でも簡単に観れてしまうのですから。

さらに、

ふんだんにＣＧやグロテスクな描写が映し出されている作品であるにも関わらず、クソつまらない感覚を抱く作品があるのはなぜでしょうか？

もし、映画が観たことのない映像や描写を見せるだけの物珍しさを売りにした見世物であるならば、観客はＣＧや３Ｄ、グロテスク描写という珍しい描写さえ映っていれば満足するはずです

しかし決してそんなことはない

これらを考えると、『２０１２』や『アバター』、『ハイテンション』などで観客が抱いた感情や感覚の全ては見世物的な驚きや興奮ではないように思えます

彼らが興奮や恐怖という〝快楽的な不快〟を感じたのは、

観たこともない技術や描写を目の当たりにしたからではなくて、

監督がＣＧや３Ｄ、グロテスクな描写という素材や手法を用いて、恐怖や興奮といった感情（幻想）を観客の心の中で増幅させたのだからだと私なんかは思うわけです

つまり映画監督は映像や音響、ありとあらゆる映画的手法や表現方法を用いて、観客の心に恐怖や感動、興奮という幻想を膨らましているのではないでしょうか

だから珍しい描写や技術が使われていても、面白い作品とつまらない作品があるのではないでしょうか

われわれは、３Ｄ映画の『アバター』やグロテスク描写のある『ハイテンション』などを観た時、あたかも（可視的な）目新しい技術や描写に〝興奮させられた〟〝恐怖を感じさせられた〟と思うかもしれませんが、

実はそれは、

映画監督など映画の作り手によって膨らまされた（不可視的な）幻想を感覚的に、無意識に体感しているにすぎないのだと思います

だからこそ、私のような凡人が、どんなにＣＧや３Ｄを駆使し、過激でリアルなグロテスク描写を展開させようとも決して観客を満足させることはできないでしょう

なぜならそこには監督や作り手の〝マジック〟が働いているからなのだともうからです

マリリン・モンローがあんなにもグラマラスに、かわいらしく映り、

『ハイテンション』や『ＳＡＷ』のラストの描写があんなにも刺激的で恐ろしいのは、

われわれが可視的な描写で刺激を受けているというよりも、不可視的な感覚に心を奪われているからなのではないでしょうか

現代の映画は、感覚的で不可視的な幻想を膨らませ、観る者を驚かせ、興奮させ、感動させ、時に考えさせるマジックを持っているのだと思うのです

そのマジックを駆使して幻想を膨らませるのが、映画監督の仕事であり、手腕なのではないでしょうか

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『フィッシュストーリー』

2010年01月14日 19時30分46秒 | 新作の批評部屋（2008～2009）

フィッシュストーリー [DVD]

アミューズソフトエンタテインメント

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　『フィッシュストーリー』２００９年（日）監督：中村義洋

　一曲の音楽が世界を救う。そんな馬鹿馬鹿しくも爽快な世界を映画的な手法で馬鹿馬鹿しく阿保らしく魅せた佳作。
　誰もいない道路、というか、地球。無人と化した地球の中の日本という小国の小さな道路で、車イスに乗った中年の男が今にも落ちてきそうな隕石を背にのんびりと車イスを動かしている。杖で自転車を倒し、何をするわけでもないその姿。カメラはあまりに虚しすぎるが凛としたその姿をロング・ショットで捉えていくから不気味な世界を体感させられる。
　そして突然立ち上がり、走りだす男に「歩けるんかい！」と突っ込みをいれたくなるほどの異様な可笑しさ。彼の「君たち何してんの？」「わかってるよね～」という口調が世界の終りと絶望をユーモラスに体現してくれているから面白い。
　そんな会話劇と間のユーモアは本作に一貫して現れている。呪いの音楽「フィッシュストーリー」を聞いてしまった弱気な青年がレストランで霊感の強い女に「世界を救う」という言葉と視線を受けるシーンは古典的なギャグであるが、濱田岳のおどおどした演技とキャラクターが奇妙な可笑しさを生んでいた。
　このエピソードの最後には棒を持って殴りかかっていく彼の勇士を映すのだが、そこでも真のヒーローという撮り方はしていないから巧い。通常、カメラは殴りかかっていく彼の顔面を捉えながら彼の正面に持ってくるが、本作ではカメラを彼の背後に置いてかなり後ろから撮影している。そのためカメラから遠ざかっていく彼の勇士が映し出されると、どうにも馬鹿馬鹿しくも可愛らしい勇者の姿をユーモラスに感じさせられるから本作のストーリー展開やキャラクターに一致していて効果的だ。
　またシージャックされた船で多部未華子演じる女子高生が変顔をしながら泣いているキャラクターの愛嬌、アップル・パイを運んでくる「正義の味方」の滑稽さ、あっちこっちに仲間がいるというサプライズ、全てがユーモラスでありながら知的さに溢れているから引き込まれる。まさに役者の演技とキャラクターの魅力が最大限に生かされたエピソードであろう。
　バンドのエピソードはやや他のエピソードのユーモラスな感覚に引きをとっていて、全てのエピソードを繋げるための憂鬱な説明になっている感じは否めないが、それでも「フィッシュストーリー」を唄うところでワンシーン・ワンショットで映し出すシーンクエンスは、一発限りの収録であるという彼らの思いがダイレクトに伝わってくるし、何よりも世界を救う一曲が誕生している瞬間を観客に印象深く魅せつけていて効果的であった。
　エンディング間近、一切の台詞なしで語られるのはこれまで〝ミステリー〟として明かされなかった各エピソードの〝結末〟と輝かしい奇跡の軌跡。「一曲の音楽が世界を救う」壮大で、身近で、観客にしかわからない奇跡。原作のように個人的で伊坂ワールドを知るものでしか理解できない奥深さと可笑しさ、そして人間のハートフルなドラマに仕立て上げるのではなく、本作では極めてわかりやすく奇跡を実感できるようなストーリーテリングで魅せ、「一曲の音楽が世界を救う」という一言で語られる簡易エンターテイメントにしている。だから逆にそうした壮大なあり得ない世界が清々しく、爽快で、滑稽さとユーモラスな馬鹿馬鹿しさを生むことに成功していたのではないだろうか。
　なおかつ的確なキャスティングや役者の演技が本作の世界観と一致していて絶妙であった。まさに脚本と演技、そして少々のストーリーテリングの巧さで彩られた作品と言えよう。

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『打ち上げ花火、横から見るか？下から見るか？』

2010年01月12日 21時53分32秒 | 日本映画（ア行～ナ行）

打ち上げ花火、下から見るか?横から見るか? [DVD]

ビデオメーカー

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　『打ち上げ花火、下から見るか？横から見るか？』１９９３年（日）監督：岩井俊二

　小学生たちのほろ苦くも甘い甘い恋心をこんなにも美しく最高の輝かしさで彩る打ち上げ花火のような作品に私はこれまで出会ったことがない。
　フジテレビのドラマ『ifもしも』のスペシャルとして放映された本作だが、巧みな映像表現とサウンドによる聴覚的表現によって、ロマンティックで幻想的な世界観をこれとないほど美しく彩っていた。それは可視的な美しさではない。もっと神秘的で幻想的で感覚的な美しさ、観る者が画面から体感させられる心理的な美しさである。岩井俊二のそうした魔術的な表現は序盤から展開する。
　いつものように学校へと向かって走る少年三人、走っていく彼らを映しながら爽快なメロディが流れ、そうしたメロディ一つ流れたままショットは変わり、少女なづなが母親から手紙を渡され、そのまま「昇竜拳！」と叫ぶ男の子たちが映し出され、先生の胸を揉む男の子がいる。何気ない日常の、誰もが忘れている小学生時代特有の友情と無邪気な心がそのまま一つのメロディで素早いカット割りで展開していくから、観る者はその世界に一気に引き込まれることになるであろう。
　また、どこかエロティックなプールのシークエンスが素晴らしい。足だけをプールの水につけて仰向けに寝ている少女なづな。典道が彼女の胸のそばにいる蟻をおそるおそる取るシーンでは、なづなの輝かしい表情と蟻と典道のドキドキした表情が絶妙なカット割りで息を呑ませる。５０メートル競走に勝った祐介に水をかけるなづなと彼女を見つめる祐介のＰＯＶ（視点）ショット。微かに見える彼女の笑った「好きだから」という言葉が胸に刺さる。
　そして典道の「もしも」の世界が展開する。カケオチをした二人の幻想的な一夜と「オ～レ～オレオレオレ～　ウィア・ザ・チャンプ　ウィア・ザ・チャンピオン」と歌いながら灯台へと向かう四人の男の子たちの青春が輝かしく描かれる。
　プールではしゃぐ二人。水をかけ合う二人が水に反射した光と共に幻想的に輝いていく。そしてあの甘すぎるメロディが二人の瞬間を紡ぎ取っていき、スローモーションで、観る者も彼らの瞬間を心にしっかりと掴んでいくのだ。「次に会えるの二学期だね」「楽しみだね」と微笑んで泳いでいく彼女の姿のピントが徐々にぼやけていって光の幻想の中に消えていき、これとないほどの幻想美学を体感させられるではないか。
　花火は横から見ると平べったいのか、丸いのか、という問題の答えが明かされるラスト、灯台で仲良く立ちションベンをする男の子たちと典道の輝かしい一夜の青春、大人になってその意味と愛おしさを痛感させられる少年時代のかけがえのない瞬間を祝福し、美しさで包むように、大きな花火がドーンと花開く。なんて美しいラストだろう。
　しかしそれも「もしも」に過ぎない。そんな大人たちの懐古の情念が、少年時代の「もしも」なのだろう。大人になって初めてわかる、あの時代の愛おしさ、切なさ、美しさ。あの時、もしも、あぁなってたら…。
そんな人生と恋と思い出と過去と現在の素晴らしさが全て詰まった現代稀に見る秀作。何よりも脚本の巧さだけでなく、映画的な表現手法で観る者を惹きこみ、魅了し、純粋な衝撃的感動へと導いた手腕を称えたい。

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『ワンダフルライフ』

2010年01月12日 16時58分06秒 | 日本映画（ハ行～ワ行）

ワンダフルライフ [DVD]

バンダイビジュアル

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　『ワンダフルライフ』１９９９年（日）監督：是枝裕和

　幻想的な光の中、とある建物にやってきた２２人の老若男女。彼らは死人。彼らは一つだけ決めなければならない。天国に持っていく思い出を。
　天国に行くまでの七日間。死んだ者たちは天国に持っていく唯一の思い出を一つだけ決める。そこの職員がその思い出を忠実に再現し、天国に行くその日に上映する。その思い出の映像を見ながら彼らは思い出を抱え、天国へと旅立つ。
　死ぬほど悩む選択を迫られた２２人の死者たち。そして彼らを送る職員たち。彼らの思いと苦悩がドキュメンタリーの手法で紡ぎだされていき、劇映画の主人公たちが目の前の課題に正面からぶつかっていく姿を捉えていく。そのため本作の基本はドキュメンタリーの作品に多く見受けられる〝カメラの存在〟によって支えられているように思える。
　と言うのも、オープニングからそうだが、カメラは手持ちカメラによる揺れのある撮影法で、それはテレビのドキュメンタリー番組に近い撮影法であり、そこには常に人物を捉えるカメラの存在が無意識的に意識されるからだ。それはまるで観客がテレビの番組で天国の一歩手前の世界を覗きこんでいるかのような感覚に近いのかもしれない。
　カメラの存在が観客に知覚されるように演出されているため、観客も無意識に彼らを〝観察する〟姿勢になるであろう。通常の劇映画だとこんな感情は完全にＮＧである。なぜなら〝観察する〟という態度、もしくは〝カメラの存在〟が知覚されるということは、フィクションの世界に入り込ませようとする劇映画にとっては致命的であるし、当然感情移入は妨げられてしまうからだ。しかしそれでも本作が、観客を完全に現実の世界に放置させずに、観客を〝観察〟という自主的な〝まなざし〟の眼を持って映画の世界に引き込んでいけるのは、本作が「ドキュメンタリー・タッチの劇映画」ではなく、「劇映画風のドキュメンタリー」だからであろう。
　つまり本作はドキュメンタリーであるがゆえに、（オープニングで愚痴る職員の姿や嫉妬に燃える少女など）目の前の現実をありのままに描写しようとしているし、（椅子に座りながら職員の質問に答えていく人々を固定カメラで撮影した映像など）究極の選択を迫られた人々を観察していく。そうした観察の〝まなざし〟というドキュメントが根底にある一方で、「思い出を抱えて天国に行く」という物語設定や始まりと終わりが同じ構図で描かれていて、新たな旅立ちをした二人の男女の姿を輝かしく描くなど、劇映画の形式がベースとなっているのだ。
　根底にあるコンセプトをドキュメンタリーにし、形式や構図を劇映画にすることで、誰も知らない世界に足を踏み入れた人物たちを我々は〝知る〟ことになるし、ドキュメンタリーのように〝見つめる〟ことになる。フィクションとはいえ、観客が抱く感情は、まさにドキュメンタリーを観ている感情に近いのではないだろうか。
　完全なる劇映画ではないにせよ、極めて映画的な手法とテレビ的なまなざしが一つになった不思議な秀作である。是枝監督はテレビのドキュメンタリーから出発した監督であるため、ドキュメントの感覚をフィクションで魅せていく、それも誰も見たこともない世界をドキュメンタリーで魅せていく映画術を発見し、本作のような作品を創り上げることに成功したのではないだろうか。
　なんにせよ自然光や闇を大切にした構図や照明など映画的な表現に溢れた不思議な秀作であることに間違いはない。

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